Instrument fascinant par sa profondeur et sa polyvalence incroyables, il demande de la pratique, de la persévérance et de bonnes connaissances techniques et théoriques.

 

Qui n’a jamais rêvé de jouer de la guitare au moins une fois ? Il est toujours agréable de voir un groupe d’amis réunis sur la place, sur la plage ou dans le parc entourant le guitariste de service et chantant ensemble les chansons pop et rock de la musique italienne ou internationale. Si vous voulez commencer à jouer de la guitare classique, il y a quelques choses que vous devez savoir, afin que vous puissiez commencer vos études de la meilleure façon possible. 

Nous partons du principe que vous savez à quoi ressemble une guitare : vous l’avez vue jouer, vous l’avez également tenue dans votre main, vous avez essayé de gratter les cordes à vide ou peut-être avez-vous essayé de vous faire expliquer la boucle C et peut-être vous l’avoir aussi appris. Et quelle douleur dans les mains hein ? Oui, la première chose que vous devez savoir avant de commencer à jouer de la guitare classique est que vos mains et vos doigts vont beaucoup souffrir.

 

Callosités et étirements

La main gauche (la main droite pour les gauchers) servira à appuyer sur les touches du manche de la guitare classique et par conséquent sera celle qui en souffrira un peu plus. Les cordes en nylon de l’instrument sont un peu plus douces que celles en acier, mais cela ne vous empêchera pas de former des cors. Tout enseignant vous dira que les accords et les gammes doivent être joués avec les bonnes positions, en gardant les phalanges appuyées contre les touches et dans certains cas en poussant avec le pouce derrière le clavier. De cette façon, les cors commenceront progressivement à se former sur le bout des doigts. 

Après avoir fait un peu d’exercice, si vos doigts commencent à vous faire mal, arrêtez immédiatement. N’ayez pas peur si alors petit à petit vous commencez à créer de petites plaies, des callosités se formeront lentement et vous n’aurez plus de douleur lorsque vous jouerez. Beaucoup se demandent s’il est possible de faire le ‘cals’ aussi pour le barrè, une position indispensable pour jouer de la guitare classique. Le barrè se fait en gardant l’index appuyé contre les cinq cordes et est assez fatiguant à entretenir. Cependant, nous vous conseillons d’apprendre les différents accords en barré, même si plus tard pour d’autres genres musicaux vous pourrez les remplacer par des positions alternatives et décidément moins fatigantes. 

En ce qui concerne les étirements des mains, à moins d’avoir déjà une bonne élasticité des doigts, vous pouvez faire des exercices d’étirement à la fois sur la touche et sans instrument. N’en faites pas trop et dès que vous sentez que vos mains commencent à vous faire mal, arrêtez immédiatement les exercices et reposez-vous. Comme pour les cors, l’élasticité de la main prend aussi son temps.

Autodidacte ou avec le professeur ?

Dernièrement, le web est une excellente source pour tous les guitaristes qui veulent apprendre en autodidacte, avec des tutoriels vidéo qui couvrent les bases et les fondamentaux jusqu’à l’étude des gammes modales appliquées à la fusion et au jazz. Vous pouvez voir des vidéos sur n’importe quel genre de musique que vous souhaitez apprendre à jouer à la guitare classique, bien qu’il y ait quelques distinctions à faire. 

Si vous voulez jouer en autodidacte, vous pouvez choisir différents genres pour jouer avec le classique dont le blues classique (celui du Mississippi pour être clair), la pop, le rock acoustique et des plus complexes comme le jazz manouche ou le flamenco. Nous recommandons évidemment de commencer par les tours d’accords les plus simples et peut-être de commencer à étudier la gamme pentatonique en la mineur afin de construire les bases nécessaires à l’étude des pièces pour débutants.

Si par contre vous avez l’intention de prendre des cours, n’oubliez pas qu’un professeur de guitare classique vous enseignera la guitare classique. Essayons d’expliquer : la guitare classique n’est pas exactement l’instrument que vous grattez, mais celui que vous utilisez pour jouer… de la musique classique ! Et l’approche est totalement différente de ce que vous pouvez imaginer. 

Donc, si vous voulez juste apprendre les bases pour faire des tours d’accords et de gammes, alors cherchez un professeur de guitare générique qui peut vous donner un bon aperçu des différents styles, vous laisser apprendre les bases, développer l’oreille musicale et le sens de rythme. Si, par contre, vous aimez la musique classique, faites pousser vos ongles !

 

Les ongles? Mais ne pouvez-vous pas jouer avec un médiator ?

Bien sûr, la guitare classique se joue très bien au médiator, mais le style ‘classique’ ou flamenco nécessite l’utilisation des doigts, par conséquent vous devrez faire pousser les ongles de votre main droite et les traiter comme s’il s’agissait de médiators . i, ce n’est pas le meilleur pour l’esthétique de se promener avec les griffes, mais si vous voulez vraiment apprendre le doigté, c’est le seul moyen.

 

Pour jouer de la guitare électrique, il faut apprendre à jouer du classique, non ?

Si tel est le cas, tous les guitaristes de rock, hard rock et métal les plus célèbres seraient également de grands interprètes de musique classique. Ce serait bien, mais ce n’est pas le cas. Vous voulez jouer de la guitare électrique ? Alors vous pouvez sauter l’achat d’un classique, vous procurer un modèle électrique et un amplificateur pour pouvoir immédiatement apprendre la bonne technique pour jouer vos genres musicaux préférés. 

Cependant, gardez à l’esprit que la guitare électrique a des cordes en acier beaucoup plus dures que celles en nylon, donc la formation des callosités sera un peu plus « douloureuse ». L’avantage est que le manche de la guitare électrique est beaucoup plus étroit, vous trouverez donc plus facile de jouer les gammes et les accords. Cependant, n’oubliez pas que pour jouer de la guitare électrique, vous devrez développer une bonne maîtrise de l’utilisation du médiator.

Comment se démarque une bonne guitare classique ?

Les guitares classiques de la plus haute qualité se distinguent d’abord par les matériaux avec lesquels elles ont été construites, puis bien sûr par le son. Si les notes basses sont profondes au bon endroit et que les aigus sont brillants, mais en même temps doux et agréables, alors cela signifie que nous y sommes. Il va sans dire que les bonnes guitares classiques produites par les plus grands luthiers peuvent coûter des chiffres vraiment incroyables, alors pour débuter il vaut toujours mieux acheter un modèle pour débutant.

La scène musicale est parsemée de grands artistes qui ont marqué les pages de l’histoire du Rock par leur talent. Plus précisément aujourd’hui, nous traiterons de ceux qui, à travers les cordes d’une guitare, ont réussi à exciter des millions de personnes. Dresser une liste des plus grands guitaristes de tous les temps de manière objective est une entreprise très difficile, voire impossible. Malgré cela, nous allons essayer en nous basant sur deux caractéristiques distinctes :

ATTENTION : il s’agit d’un classement des meilleurs guitaristes ROCK donc de grands artistes (par exemple Eric Clapton ou BB King) peuvent ne pas en faire partie (même s’il s’agit de guitaristes au talent légendaire) comme ils le faisaient pour la plupart d’autres genres.

Clairement « personne ne naît savant » et donc même les membres du classement ont dû étudier beaucoup de temps pour devenir des experts.

Ceci étant précisé, ne tardons pas et plongeons-nous une fois pour toutes dans l’univers du Rock.

Les 10 meilleurs guitaristes rock de l’histoire

10)  Slash ( Guns N’ Roses )

En dixième position on retrouve l’un des artistes Rock les plus importants de la fin des années 80/début des années 90 :  Slash .

Guitare  » Carrier  » des Guns N’ Roses  de 1985 à 1996 ainsi qu’un virtuose des cordes, qu’il a démontré à plusieurs reprises à travers des solos pyrotechniques.

Auteur avec Axl Rose d’un des morceaux les plus importants du Rock des 30 dernières années :  » Welcome to the Jungle  » morceau de l’album  » Appetite for Destruction  » avec lequel Guns N’ Roses a fait ses débuts. Il est immédiatement apparu sur la scène démontrant ses compétences incontestées avec l’exécution de nombreuses chansons complexes réalisées dans un style Rock parfait.

Un vrai  » Guitar Hero  » vivant et en affaires. En effet, en plus d’une brillante carrière avec Snakepit et Velvet Revolver dans la post-dissolution de son ancien groupe, il retrouve depuis 2016 ses anciens camarades pour la reformation de ce dernier.

Il faut également saluer la polyvalence de Slash, qu’il a soulignée dans diverses collaborations en tant que guitariste avec d’autres artistes. Parmi eux, il y a des spectacles en direct dans lesquels il a accompagné l’un des plus grands représentants de la musique pop, Michael Jackson, s’écartant ainsi d’un style plus enclin à ses caractéristiques qu’il a cependant réussi à traiter dans une tonalité personnelle avec une grande capacité.

Cependant, étant un musicien relativement « récent », il n’était pas aussi influent que d’autres artistes sur les générations suivantes.

 

9)  Brian May ( Reine )

À la neuvième place, nous avons un guitariste qui a marqué l’histoire de la musique moderne, principalement actif entre la fin des années 60 (1968) et le début des années 90 en tant que lead guitar de l’un des groupes les plus emblématiques de tous les temps : Queen . Oui, nous parlons de lui, Brian May , le musicien légendaire qui a contribué avec les autres membres de son groupe au changement du Rock.

En fait, à travers ses mélodies, il réussit la tâche ardue de trouver un juste milieu entre deux Rocks diamétralement opposés, prééminents dans la musique des années 60 : le puissant Rock ‘n’ Roll des Rolling Stones qui coulait vers le Hard Rock et le rock plus léger et plus insouciant que les Beatles . Le résultat est un rock avec un grand impact acoustique qui, cependant, conserve des traits plus « doux », se détachant ainsi de l’angularité du concept classique de Hard Rock,  une sorte de Glam Rock avec beaucoup de soin d’un point « esthétique » de vue.

Comme tous les autres composants de cette liste d’un point de vue technique, il est impeccable. Il est probablement l’un des guitaristes les plus expérimentés encore en vie avec une carrière de 50 ans dans le monde de la musique derrière lui.

Sa guitare Red Special , qu’il a construite lui-même avec l’aide de son père à l’âge de 16 ans, est aujourd’hui devenue une légende. De même, le fait qu’au lieu du choix normal, vous utilisez une pièce de 6 pence. De là découle un son très particulier et unique.

Aussi May est l’auteur de l’une des chansons les plus populaires de l’histoire :  » We Will Rock you « , morceau d’ouverture de l’album  » News of the World  » (1977). Cette pièce souligne très efficacement sa maîtrise technique dans le solo final.

 

 

8) Eddie van Halen  ( Van Halen )

C’est  Eddie van Halen,  figure d’une grande importance pour la musique des années 80 et plus particulièrement pour le Hard Rock et le Heavy Metal,  qui remporte la position numéro 8 .

Passionné de musique depuis son plus jeune âge, il fonde avec son frère Alex le groupe qui fera de lui plus tard une véritable idole pour tous les amoureux de la musique Rock. Le groupe s’appelait les Van Halen en raison de la présence des deux frères.

Une véritable autorité dans le monde de la guitare, très experte pour donner une interprétation personnelle de la façon de jouer. C’est lui qui a rendu célèbre la technique du Tapping, dans laquelle les deux mains de l’interprète sont sur le manche de la guitare et qui rend donc l’exécution de la pièce extrêmement complexe. Cela permet au guitariste de jouer à des intervalles peu habituels et de faire produire à l’instrument des sons très particuliers. C’est aussi pour cette raison que ses longs solos sont parmi les plus énergiques et les plus excitants jamais conçus.

C’est à lui que l’on doit des chansons du calibre de « Eruption », le premier morceau de l’album « Van Halen », un morceau purement instrumental immédiatement distingué par le grand talent d’Eddie. A noter également  » Jump « , le single de lancement de l’album  » 1984 « , dans lequel Eddie lui-même a identifié l’un de ses meilleurs  » monologues  » à la guitare.

 

 

7) Jeff Beck

La septième position est occupée par l’un des artistes phares de la musique des années 60 et 70 :  Jeff Beck.

Par l’expérimentation, Beck a réussi la tâche ardue de concilier le Rock avec d’autres genres apparemment incompatibles avec lui.

Dans les premières années de son activité musicale il joue dans divers groupes puis se lance dans une carrière solo parsemée de diverses collaborations avec de nombreux artistes.

Durant ses années en tant que soliste il a toujours essayé d’expérimenter un genre très tendant à la Fusion , se détachant de la conception originelle du Rock classique pour en privilégier une plus proche d’une union entre celui-ci et le  Blues  ou le  Funk . En effet, au sein de ses albums, il a été parmi les premiers à pouvoir combiner « l’impétuosité » du Rock avec les atmosphères plus calmes et plus contrôlées du  Blues ,  voire les plus insouciantes et joyeuses de la musique Funk. 

On lui doit de nombreuses reprises adaptées dans une tonalité Rock-Blues/Funk de certaines des chansons les plus importantes des années 60, dont « A day in the Life » et « She’s a Woman », des chansons des Beatles , ainsi que de nombreux classiques de la Fusion , comme  » Led Boots  » de l’album  » Wired  » (1976). De plus, il faut souligner son incroyable maîtrise de l’instrument.

 

 

6) Chuck Berry

C’est un véritable pionnier du rock qui occupe la sixième position de cette liste, un visionnaire de la musique de son temps et l’un des guitaristes les plus doués de l’histoire :  Chuck Berry .

Cette légende a participé à toutes les musiques de la seconde moitié des années 1950 à la fin des années 1970.

Sa contribution majeure fut de réussir la tâche ardue de concilier le   Rock ‘n’ Roll , un style relativement jeune, avec le Jazz plus ancien   En fait, au cours de ses premières années de musique, il a réussi à combiner de manière intelligente et innovante le son énergique et vigoureux de la guitare électrique avec le son plus doux et sensuel du saxophone et des instruments à vent en général, qui constituaient l’épine dorsale de la musique Jazz.

Ce faisant, il a réussi à renouveler en permanence la musique des années 50, influençant de manière très pertinente tous les artistes Rock des années suivantes. C’était en fait l’un des modèles d’inspiration majeurs de certains des guitaristes les plus importants de l’histoire.

Parmi ses chansons, il y en a certaines avec une popularité mondiale que de nombreux autres artistes ultérieurs ont célébrées à travers des reprises. C’est le cas, par exemple, du single « Roll over Beethoven » de 1956, repris également par les Beatles et du single « Come On » de 1961 qui, deux ans plus tard, est choisi par les Rolling Stones  comme première reprise du groupe.

 

 

5) George Harrison ( Les Beatles )

Vous ne pouvez rien y faire, en matière de musique, il est toujours indispensable de mentionner l’un des groupes les plus révolutionnaires de tous les temps : les Beatles.

Plus précisément nous nous concentrerons sur une composante spécifique du groupe, à savoir la guitare solo :  George Harrison , qui se positionne à la cinquième place.

Guitariste expérimenté, il commence à jouer à l’âge de 14 ans, lorsque sa mère accepte de lui acheter une  guitare Gretsch « Duo Jet » d’occasion. Membre originel du groupe depuis 1958, ou avant qu’il ne prenne le nom de Beatles, avec lequel il se fera plus tard connaître dans le monde entier, il y restera jusqu’en 1970, année de la dissolution définitive.

Au cours de sa carrière musicale, il a expérimenté une très grande variété de genres allant du Rock ‘n’ Roll classique au Blues , pour ensuite arriver à la Pop et même des chansons précurseurs du Psychédélique (il suffit de considérer des chansons comme  » I am the Warlus  » ou  » Lucy dans le ciel avec des Diamants « ).

Fortement influencé par la musique de Chuck Berry , avec les autres membres du groupe, il est allé créer un style complètement nouveau et original, mélangeant des éléments du Rock  et de la Pop pour créer le Beat . Le genre nouvellement émergé se distingue de ses prédécesseurs par les mélodies « accrocheuses », reprises par la Pop, réunies avec les éléments musicaux typiques du Rock (prépondérance de musiques vigoureuses et très suggestives). C’est précisément sur le modèle de ce  Beat  que s’est développée une grande partie de la musique des décennies qui ont suivi les années 1960.

Parmi ses œuvres les plus importantes, nous trouvons des chansons du niveau de  » Devil’s Radio « , single de l’album  » Cloud Nine  » en 1987, et des chefs-d’œuvre absolus tels que  » While My Guitar Gently Weeps « , chanson de l’album  » The Beatles  » ( qui est devenu célèbre sous le nom de  » White album «  ) à partir de 1968. 

 

4) David Gilmour  ( Pink Floyd )

Juste en dessous du Top 3 on retrouve le légendaire guitariste et chanteur de Pink Floyd : David Gilmour.

Il commence à se consacrer activement au monde de la musique à partir de 1963 et, après avoir changé plusieurs fois de groupe et finalement rejoint le groupe le plus important de sa carrière, il y reste jusqu’à la fin des années 1980 puis revient au début des années 2000, lorsque il a recommencé à jouer avec les autres membres de Floyd.

Guitariste connu dans le monde entier pour sa maîtrise des solos et plus précisément du Bending, technique par laquelle le musicien peut altérer une note musicale jusqu’à ce qu’elle atteigne un niveau d’arrivée supérieur.

Quand on parle de Gilmour, on parle de l’histoire du Rock  » alternatif « . En fait, alors que les Beatles et les Stones atteignaient, avec le  Beat et le Hard Rock , le summum du succès, quelque chose d’autre était en train de se produire en Angleterre, quelque chose de plus  » Underground  » que ce qui avait précédé, mais qui de la même manière ferait de la musique l’histoire. Ce nouveau genre était un Rock plus « visionnaire » que tout autre. C’est principalement grâce à Gilmour et au Floyd que le Rock a été à nouveau révolutionné en créant ce que nous appelons maintenant simplement le Rock Psychédélique  et qui évoluera ensuite vers le Rock Progressif.. Contrairement à ses prédécesseurs, le Psychédélique était une pure « abstraction », il réussissait à créer des atmosphères irréelles et presque oniriques à travers la musique. Il est clair que même les paroles des chansons ont contribué par l’utilisation intensive de figures rhétoriques (métaphores, etc.) à la réalisation de telles atmosphères.

Un brillant exemple en est la pièce « Comfortably Numb », une magnifique pièce composée presque entièrement (en ce qui concerne la partie musicale) par Gilmour pour l’album de 1979 « The Wall ».

 

3) Keith Richards ( Rolling Stones )

Nous entrons enfin dans le top trois de cette liste. La troisième position est occupée par nul autre que Keith Richards , guitariste légendaire des Rolling Stones .

Co-fondateur en 1962 avec Mick Jagger et Brian Jones  des Stones, un groupe qui ne s’est jamais quitté depuis.

Guitariste au talent incontesté et à l’aptitude innée pour l’instrument. L’un des principaux représentants du Hard Rock , il remplit les stades depuis des années grâce à ses « compétences » de choix. Peu d’accordages de maître comme lui et ces derniers sont le point central des parties de guitare sur les disques des Stones.

Citant Richards lui-même :

« Souvent, quand je dois jouer une chanson, je joue les premières notes et ensuite je ne me souviens plus comment ça se passe. Heureusement, leurs doigts s’en souviennent et ils passent en automatique. « 

Cela nous montre comment un artiste de son calibre possède une maîtrise technique complète de l’instrument, une maîtrise si large qu’il est capable de bouger ses doigts sur les cordes simplement en se basant sur la mémoire musculaire inconsciente de ces dernières plutôt que sur la consciente. Malgré son énorme connaissance de l’instrument, il n’a jamais été trop habitué à la virtuosité.

Keith Richards et les Stones représentent l’un des exemples les plus clairs de ce qu’est le rock.

Il est célèbre pour avoir écrit plusieurs des mélodies de guitare les plus célèbres des Stones dont :  » Gimme Shelter « , morceau d’ouverture de l’album  » Let it Bleed  » (1969),  » Paint it Black  » de l’album  » Aftermath  » ( 1966 ) et  » Satisfaction  » de l’album  » Out of Our Heads  » (1965).

 

 

2) Jimmy Page ( Led Zeppelin )

En tant que runner-up on retrouve Jimmy Page ,  une véritable star de la guitare au talent indicible.

Fortement influencé depuis l’adolescence par les guitaristes d’ Elvis « the King » Presley , il décide d’abandonner l’école à l’âge modéré de 16 ans pour pouvoir se consacrer totalement, corps et âme, à sa musique. A partir de 1968, il rejoint le groupe au travers duquel il réussira ensuite la tâche ardue de devenir un véritable « dieu » de la guitare, Led Zeppelin .

Sa guitare, la Gibson Eds-1275 , une guitare à deux manches, la supérieure à 12 cordes et la inférieure à 6, est devenue célèbre, notamment parce qu’à travers elle Page a joué certaines des chansons les plus importantes de l’histoire du rock.

Comme Page lui-même l’a dit :

« Laissez-moi vous parler de jouer de la guitare. Chacun a son propre caractère, et c’est ce qui m’a étonné depuis le jour où j’ai commencé à jouer. L’approche de chacun de ce qui sort de la vibration des six cordes est différente de toute autre personne, et tout est valable « 

Cela nous fait comprendre comment l’un des personnages prépondérants de sa musique est l’interprétation personnelle de l’instrument.

Il est le principal partisan de ce qui est probablement la chanson rock la plus célèbre et la plus importante de tous les temps : « Stairway to Heaven » de l’album « Led Zeppelin IV » (1971).

 

 

1) Jimi Hendrix 

Le vainqueur incontesté, haut la main, du classement est James Marshall Hendrix , communément appelé « Jimi » .

Je pourrais m’attarder sur des pages et des pages pleines de mots pour expliquer pourquoi il est sans l’ombre d’un doute, d’un point de vue technique et créatif, le plus grand guitariste de tous les temps, mais la question est claire et simple : c’est Jimi Hendrix , il est le Rocher.

Le violon est sans aucun doute l’un des instruments aux sonorités les plus belles et les plus magiques qui soit, mais aussi l’un des plus difficiles à jouer.

Bien que ce soit un instrument qu’il est bon de commencer à jouer dès le plus jeune âge, ce n’est pas forcément une pratique impossible à l’âge adulte ou enfant. Bien sûr, il existe des difficultés objectives qui, lorsque les enfants sont surmontés par l’innocence et la vitesse d’apprentissage, alors qu’une fois adultes, elles peuvent sembler des montagnes insurmontables. Comme pour tout, la cohérence et l’engagement font la différence.

Alors, vous êtes venu sur cette page à la recherche de conseils, et nous essaierons de vous aider en vous donnant au moins 5 conseils . Notions générales sur la façon d’aborder le violon et quelques-uns de ses principaux éléments. Vous devrez faire le reste en vous approchant correctement de l’instrument et en vous faisant aider par ceux qui en savent plus.

Ceci dit, procédons en entrant dans les mérites de cet instrument incroyable, qui a caractérisé l’histoire de la musique pendant des siècles, et qui restitue un son harmonieux et agréable.

L’arc

Le premier élément à connaître pour apprendre à jouer du violon est définitivement l’archet.

La première chose à savoir est que les cheveux de l’arc, lors de l’achat pour la première fois, doivent être lents. Ils doivent être étirés en tournant les piquets dans le sens des aiguilles d’une montre, la procédure sera terminée lorsque l’espace entre les poils et la tige sera au point où un crayon pourra facilement passer d’un bout à l’autre.

Il est bon d’éviter que les cheveux et le bois du violon soient parallèles. Il y a deux choses importantes à savoir sur les cheveux :

La précision dans la disposition des outils est essentielle à la réussite de toute pièce et surtout lorsqu’il faut encore apprendre. Pour cette raison, il est bon de commencer par obtenir l’aide d’experts.

Les « vices procéduraux » qui sont pris au début pourraient conduire au fil du temps avec des résultats vraiment négatifs.

La colophane

Résidu solide qui est obtenu de la distillation de la résine, et qui est un élément important pour l’agencement de l’arc En le saisissant côté papier, passez-le très doucement sur toute la longueur des cheveux.

Le mouvement doit être répété trois à quatre fois. Le but est de rendre les cheveux plus collants en y transférant la poudre de colophane.

Il en existe deux types sur le marché, un clair et un foncé. Les deux peuvent être utilisés, le seul conseil est de les alterner selon le climat. Dans des conditions plus chaudes, le plus clair est recommandé, dans des conditions plus froides, le plus sombre.

Conseils à garder à l’esprit concernant la colophane :

Pour comprendre quand l’archet est en place, le meilleur moyen est de vérifier le son lorsqu’il passe à travers les cordes avant d’ajouter plus de colophane.

L’outil principal

l est temps de lâcher l’archet et de se tourner vers le violon . Les cordes, de la plus basse à la plus haute, doivent être accordées sur les notes de sol, ré, la et mi. Pour accorder le violon sans l’aide d’un professeur, vous pouvez utiliser un instrument qui le fera pour vous. Il s’agit d’un tuner électronique qui se trouve aux alentours de 20 euros sur le marché.

Pour tendre la corde il y a les chevilles sur la boucle du violon , pour un travail d’une extrême précision il est conseillé d’utiliser l’accordeur fin. Lorsque vous êtes sûr que le violon est parfaitement accordé, il est temps de le remettre en place et d’attendre d’être prêt à le reprendre en cas de besoin.

Voici quelques éléments à savoir lorsque vous abordez la configuration du violon :

Enseignant ou manuel ?

La question n’est pas si triviale, la réponse n’est pas si simple. Clairement le meilleur des deux, si l’envie est d’apprendre parfaitement et sans trop de difficulté, c’est de se tourner vers un professeur diplômé.

Il vous corrigera pour chaque erreur ou défaut, non seulement en termes d’exécution, mais aussi dans l’arrangement et la préparation des instruments. Apprendre avec un expert est la garantie d’un travail optimal.

Il n’est pas impossible d’ étudier la musique seul . Dès lors, même la route en autodidacte reste praticable. A partir du moment où vous choisissez cette hypothèse, cependant, vous devez prévoir de passer beaucoup plus de temps à apprendre.

Si cela ne vous fait pas peur, et que vous vous sentez prêt à vous lancer dans cette aventure par vos propres moyens, rien ne vous empêche de l’essayer. Finalement, si vous trouvez cela trop difficile, vous pouvez toujours vous tourner vers un professeur plus tard.

Conclusion

Le dernier conseil est de prendre ce que vous faites au sérieux et d’y consacrer tous vos efforts. La cohérence et l’engagement sont des éléments de base, qui ne sont pas moins que tous les autres éléments nécessaires pour apprendre à jouer d’un instrument.

Le violon encore plus, comme l’un des instruments les plus difficiles à apprendre parmi ceux en circulation. A ce stade, quel que soit le chemin choisi pour apprendre, il ne reste plus qu’à prendre l’ archet et le violon .

La musique rock ou rock est un genre de musique populaire qui s’est développé aux États-Unis et au Royaume-Uni dans les années 1950 et 1960. Musicalement, le rock est centré sur l’utilisation de la guitare électrique, généralement accompagnée d’une basse et d’une batterie électriques et presque toujours d’une voix qui rend chaque groupe unique.

Il existe d’innombrables groupes qui ont joué et continuent d’offrir du rock dans leurs chansons et leurs performances. Mais quelles étaient les rumeurs qui sont entrées dans l’histoire plus que toutes les autres ?

Voici un petit top 5 d’artistes inoubliables qui ont fait et continuent de faire rêver leurs auditeurs.

Bruce Springsteen

Le Boss , comme il a toujours été surnommé, ne pouvait manquer d’avoir un excellent rôle dans ce classement. Auteur-compositeur-interprète et guitariste américain, Bruce est considéré comme une véritable icône du rock.

 

Il est surtout devenu célèbre pour ses performances live engageantes et très longues, atteignant le pic de popularité entre la seconde moitié des années soixante-dix et la décennie suivante. Il est reconnu par beaucoup comme l’un des musiciens rock les plus représentatifs de l’histoire de la musique.  

Ses albums les plus réussis incluent  Born to Run, Darkness on the Edge of Town, The River et Born in the USA . . Autant d’œuvres emblématiques de sa poétique visant à raconter – avec l’immédiateté d’une musique rock – la vie quotidienne des « derniers » d’Amérique, dans le sillage de la tradition des soi-disant « conteurs ». En fait, ils offrent un aperçu de la grandeur et des contradictions de la société américaine.

En plus de quarante ans de carrière, il a vendu 65 millions de disques dans son pays et, selon certaines estimations, environ 120 millions dans le monde.

Mick Jagger

Comment ne pas nommer ce grand artiste ? Frontman et membre historique des Rolling Stones , il est considéré comme l’ une des plus grandes personnalités de la musique rock de tous les temps. Jagger a toujours été très présent au sein du groupe, à l’exception d’une courte pause en solo, mais son style et son son peuvent être similaires à ceux de son groupe.

 

De l’héritage du rock’n roll, les Rolling Stones ont beaucoup pris, contribuant à son évolution. En fait, ils ont revisité ce genre dans une tonalité plus dure avec des rythmes obscènes, des chants agressifs et des références constantes au sexe et à la drogue.

Pour leur caractère transgressif, ils étaient appelés les « laids, sales et mauvais » et opposés aux Beatles plus rassurants. Même si ce contraste a souvent été créé par les Rolling Stones eux-mêmes qui se sont comportés de manière délibérément antithétique avec les Beatles (avec qui ils ont toujours eu une excellente relation d’estime et d’amitié).

Les Rolling Stones constituent un jalon dans l’évolution de la musique rock du XXe siècle , ayant donné la parole au mécontentement et par conséquent à la protestation de générations entières.

Freddie Mercury

 

Éclectique et irrévérencieux, il est sans aucun doute l’ un des meilleurs artistes rock du siècle dernier et au-delà. Certainement connu pour son talent vocal et sa personnalité exubérante sur scène, il est considéré comme l’un des artistes les plus célèbres et les plus influents de l’histoire du rock.

Impossible d’évoquer Mercury sans évoquer son Queen , un groupe connu comme l’un des plus importants de la scène musicale internationale, dont il fut le fondateur. Et Freddie est universellement reconnu comme l’ un des meilleurs frontman de l’histoire de la musique , il a vendu avec son groupe environ 300 millions de disques.

Freddie Mercury est souvent connu pour ses performances en direct, généralement organisées dans des stades. Dans les concerts, il a réussi à faire interagir le public avec sa théâtralité, quelle que soit la taille de l’événement. Mercury voulait que chaque performance de son groupe soit un spectacle unique et original, le rapprochant d’une pièce de théâtre, grâce aussi à ses compétences en improvisation. Tout cela lui a permis de créer un lien étroit avec le public.

En 2008, le magazine américain Rolling Stone l’a classé 18e dans le classement des cent meilleurs chanteurs de tous les temps. Alors que l’année suivante, Classic Rock le classe au premier rang des voix rock.

Jim Morrison

Beau et sombre, décédé prématurément, doté d’un talent universellement reconnu, Jim Morrison entre de droit dans ce mini classement.

 

Il fut le charismatique leader et leader du groupe américain The Doors , de 1965 à 1971. Surfant sur la révolution culturelle des années 1960, il fut l’un des plus grands chanteurs de rock psychédélique.

Il a été défini comme un impétueux « prophète de la liberté » et poète maudit , dont on se souvient comme l’une des figures les plus séduisantes de l’histoire de la musique et l’un des plus grands symboles de l’agitation juvénile.  

Les Doors étaient un monde à part . Leur son avait des sons sombrement séduisants et exotiques qui combinaient spiritualité, poésie, psychédélisme et un fouillis de styles musicaux différents en raison des caractéristiques très particulières et fantaisistes de ses composants.

En 2008, Morrison a été classé 47e sur la liste des 100 meilleurs chanteurs de Rolling Stone. Alors que l’année suivante, il se classe à la 22e place du classement des « 50 Greatest Singers of Rock » établi par le magazine britannique Classic Rock.

Joe Cocker

L’une des plus belles voix que l’Angleterre puisse se vanter parmi ses artistes. Indubitable et enveloppant, il est surtout connu pour ses réinterprétations de chansons déjà célèbres et pour ses performances live . Ainsi que pour l’usage vertueux du fausset associé à une voix éraillée et grave. Il est également entré de droit dans le classement établi par Rolling Stone des 100 meilleurs chanteurs.

 

Woodstock a été l’un des tremplins qui l’ont consacré à la musique rock :  avec un peu d’aide de mes amis , et le monde du rock n’a jamais été le même. Cette chanson, sa reprise de cette chanson est entrée dans l’histoire, la propulsant au sommet des charts britanniques. 

Mais le succès ne manque pas aux États-Unis, en effet sa version live de The Letter of the Box Tops  est le premier hit qui atteint le Top Ten USA. Et cela ne s’arrête pas là, en fait, dans les années 70, Cocker revient grâce à l’excitant single  You’re So Beautiful  (écrit par Billy Preston), qui a atteint la cinquième place des charts américains.

L’homme, celui qui pouvait faire n’importe quelle couverture mieux que l’originale. Aussi par Elton John. Même les Beatles.

Apprendre à  jouer de la guitare  est à la portée de tous. Mais souvent il y a beaucoup de débutants qui quittent l’entreprise pour les raisons les plus diverses : c’est peut-être par manque de temps . Ou parce qu’ils ont mal aux doigts ou parce qu’ils n’ont pas assez d’argent pour payer des cours avec un professeur.

Cependant, si votre passion pour la guitare est plus forte que la pratique, il existe plusieurs manières d’aborder cet instrument sans avoir à payer pour des cours.

 

Par où commencer pour apprendre à jouer de la guitare ?

Tout d’abord, commencez par une petite recherche : tout le monde ne le sait pas, mais sur internet il existe de nombreux sites qui proposent des instructions et des cours gratuits pour apprendre à jouer de la guitare.

Par exemple, sur Youtube il existe de nombreux tutoriels réalisés par des débutants ou par des guitaristes de niveau intermédiaire . Mais aussi des vidéos tournées par des professionnels du secteur ou par des maîtres qui enseignent depuis de nombreuses années qu’elles sont vraiment bien conçues et qui proposent de nombreuses idées et exercices complets avec accords ou tablature à faire chez soi.

Si vous avez déjà acheté une guitare ( choisissez pour commencer une guitare classique ou une guitare acoustique, car la guitare électrique présente beaucoup plus de difficultés), commencez à vous familiariser avec elle et à apprendre les noms et fonctions des parties dont elle est composé.

Essayez d’apprendre comment les différents sons sont émis , comment ils s’accordent et comment la tension s’exerce sur les cordes. Bien sûr, ce ne sont pas exactement des détails intéressants, mais ils seront très utiles pendant votre parcours d’apprentissage.

Apprendre à jouer de la guitare : les accords

Une fois que vous vous êtes familiarisé avec votre instrument, commencez à apprendre quelques accords .

Dans ce cas également, si vous ne souhaitez pas vous fier à l’un des livres de musique disponibles sur le marché, vous pouvez trouver sur Internet des paroles de guitare et des accords ou des tablatures avec accords.

Vous trouverez, en plus de la bonne formulation, également la bonne position des doigts sur le manche de la guitare pour apprendre à jouer l’accord choisi.

Sachez qu’il existe au moins dix façons de jouer au  C , mais si vous êtes débutant, commencez par la version la plus simple.

La formation est indispensable

Même si vous êtes occupé, essayez de faire de l’exercice au moins 5 jours par semaine pendant au moins une demi-heure par jour.

N’oubliez pas que plus vous pratiquerez, plus vos mouvements deviendront fluides et plus il vous sera facile de passer d’un accord à un autre. Tout cela, que vous décidiez ou non de composer votre propre musique. Ou commencez à jouer des paroles simples.

De plus, plus vous pratiquez, plus vous avez de chances d’ apprendre à avoir également une bonne oreille pour les changements de son , de note ou de hauteur.

La posture

Assurez-vous d’être dans une bonne posture . Cela semble évident, mais l’apprentissage de la guitare dépend aussi du poste.

La bonne position comprend : dos droit, bras et jambes détendus positionnés de manière à ce que l’instrument « glisse » dans le creux de l’utérus.

Ces indications sont indispensables pour éviter de tomber dans des maux de dos mortels.

Vérifiez également la coordination de la main droite et de la main gauche. Surtout ce dernier, puisque c’est aussi celui qui s’occupe de produire les accords.

La mémoire est importante   

Essayez également d’exercer votre mémoire motrice . Si vous êtes déjà allé à un concert, vous aurez sûrement remarqué que les guitaristes ne regardent pas les partitions ou le manche de l’instrument pendant qu’ils jouent.

Cela semble être une mission impossible, mais même dans ce cas, avec un peu de pratique, vous pouvez obtenir des résultats remarquables.
Pour ce faire, essayez de jouer de la guitare en discutant avec un ami ou en regardant l’écran de l’ordinateur.

Vous n’avez pas besoin d’utiliser votre main droite ou de jouer une chanson. L’important est que vous sentiez votre main gauche lorsqu’elle repose sur le manche de la guitare et, surtout, lorsqu’elle passe d’un accord à l’autre.

 

Quelques aspects moins agréables au premier abord

Passons maintenant à un aspect très douloureux qui va certainement faire lever le nez à quelqu’un : les cors !

Cela semble étrange, mais l’une des raisons pour lesquelles les guitaristes sont capables de jouer pendant deux heures d’affilée (voire plus) sans ressentir de douleur, est précisément la présence de callosités.

Plus vous pratiquez, plus vite vous les aurez. Mais après un premier moment initial de douleur, vous pourrez jouer encore plus d’une demi-heure sans vous faire mal aux doigts.

De plus, votre mobilité de la main gauche en bénéficiera également, tout comme votre endurance et votre vitesse.

Le barré 

Comme les accords, le barré a aussi son importance : que cela vous plaise ou non, même dans des paroles apparemment plus simples, vous pouvez en trouver un.

Alors occupez-vous et essayez-en un, même si l’entreprise est très difficile. Rappelez-vous toujours ceci : pour effectuer un bon barré, qui ne sonne pas plus faux, vous aurez besoin d’exercer la force de la main gauche.

Pour ce faire, l’un des exercices les plus simples consiste à presser une balle molle pendant au moins cinq minutes. C’est un exercice de tous les jours qui peut sembler très ennuyeux à première vue. Mais cela vous aidera à entraîner les muscles de votre main gauche et vous rendra plus résistant.
Si vous n’avez pas de balle molle à la maison, vous pouvez également utiliser deux écrous, bien que la difficulté soit évidemment plus grande.

Commencer par les chansons

Dès que vous vous sentez suffisamment en confiance avec les accords et que vous avez gagné en endurance, essayez d’aborder les chansons que vous aimez le plus.

Si vous ne l’avez pas déjà, procurez-vous une chaîne stéréo, puis commencez à écouter les chansons que vous aimez, en essayant de deviner leur rythme. Essayez de suivre le rythme de la batterie avec votre guitare : les premiers essais seront infructueux, mais c’est un autre très bon moyen de se faire entendre et aussi de commencer à chronométrer. Si vous vous sentez troublé, vous pouvez vous aider d’un métronome.

Nettoyer au mieux la flûte traversière est la solution pour éviter de nombreux problèmes mécaniques et esthétiques.

Dans ce petit guide sur « comment nettoyer la flûte traversière », nous aborderons ensemble la meilleure façon de toujours garder votre précieux outil de travail et de divertissement propre.

ACCESSOIRES ESSENTIELS

Ce qui est nécessaire pour nettoyer la flûte traversière sont très peu mais indispensables.

Pas indispensable mais support :

SÉCHAGE DES TÊTES

  1. Pour sécher la tête intérieurement il faut mettre nos accessoires (baguette et gaze) dans les meilleures conditions possibles.Lors de l’insertion de la gaze dans la fente de la baguette essayer de créer une « boule » avec la gaze (voir vidéo ci-dessous).
  2. De cette façon, vous créez de l’épaisseur avec la gaze. En entrant dans la tête de lit pour évacuer l’eau, cette épaisseur vous aidera à sécher parfaitement la zone supérieure à proximité du liège de pitch.
  3. Plus le liège sera préservé de l’absorption d’eau, plus il durera longtemps dans le temps. Vous éviterez ce mouvement gênant de la couronne qui changera inévitablement la position du bouchon, modifiant le pas de toute la flûte.
  4. Après avoir bien séché à côté du bouchon, procédez de même avec le reste de l’intérieur de la tête.

NETTOYAGE EXTERNE DE LA TÊTE

  1. Fini l’intérieur on passe à l’extérieur. Prenez le chiffon microfibre et passez le corps de la tête, délicatement près de la douille.
  2. Élimine les traces de doigts et les ombres.
  3. Toujours avec le chiffon propre à l’intérieur et à l’extérieur de l’articulation de la tête. C’est une opération que peu font mais il est fortement recommandé de préserver au mieux les articulations. (voir vidéo ci-dessous)

NETTOYAGE INTERNE ET EXTERNE DU CORPS ET DES PIEDS

NETTOYAGE DES ÉCOUVILLONS DE FLÛTE

Le nettoyage des patins concerne l’aspect mécanique. La nécessité de nettoyer les coussinets vient du fait que certains coussinets peuvent faire le bruit classique de « clic-clap » qui est très gênant ou même coller à la cheminée (appelé effet ventouse). Les écouvillons peuvent être nettoyés avec un coton-tige et de l’alcool, très soigneusement et lentement. En cas d’urgence de devoir jouer et de ne pas pouvoir démonter la flûte vous pouvez utiliser les cartes avec du talc.

LA FLÛTE PEUT-ELLE ÊTRE LAVÉE À L’EAU ?

Bien entendu, le fût de flûte, évidemment démonté, peut être nettoyé à l’eau. L’eau est un nettoyant naturel et le résultat est positif. Cependant, nettoyer à l’eau ne signifie pas polir mais simplement nettoyer le métal de la poussière et de la sueur.

Stratocaster

La Stratocaster a été initialement introduite par la société Fender. Les modèles ST sont tellement basiques qu’on les retrouve également dans les portfolios d’autres fabricants. Ces instruments sont parmi les plus universels et conviennent à pratiquement tous les genres musicaux. Même le dernier des débutants ne peut pas faire d’erreurs avec cette guitare. Parmi les musiciens célèbres si souvent immortalisés avec des Stratocasters à la main figurent Jimi Hendrix, Eric Clapton ou David Gilmour (Pink Floyd).

Les Paul

Les guitares Les Paul comportent une seule encoche en bas et une partie supérieure arrondie. Leur signal caractéristique, fort et rond, est assuré par le double capteur (humbucker) et est très utile pour les genres rock plus heavy, métal ou même d’autres styles comme le reggae ou le blues. Les guitares Les Paul ont été appréciées par de nombreux noms célèbres dans le monde de la musique tels que Slash (Guns N’ Roses), Jimmy Page (Led Zeppelin), Zakk Wylde.

Télécaster

Les guitares Telecaster figurent parmi les icônes de guitare supplémentaires, également des forges Fender. Comme les Stratocaster, les modèles T sont devenus des instruments très populaires à l’échelle mondiale et aujourd’hui, nous les trouvons également dans les portefeuilles d’autres fabricants. Sa forme et sa configuration élégantes à encoche unique donnent un son entièrement propre, voire parfois modérément décalé. Généralement, ces guitares se trouvent dans des genres tels que la country et la pop, mais de nos jours, il existe également des Telecasters destinées à la musique plus dure.

Super Strat

En termes de structure et de forme du corps, les modèles dits Super Strat sont issus des modèles Fender Stratocaster. Ils présentent un corps et un cou plus étroits et des encoches profondes avec des angles vifs. Dans la grande majorité des cas ces guitares sont équipées d’au moins un capteur à deux bobines (humbucker). Ces éléments caractéristiques font que les guitares Super Strat peuvent être utilisées avant tout dans les genres de rock plus dur et dans le métal en général.

SG

Les guitares de type SG sont irréversiblement liées au fabricant Gibson, mais – ainsi que d’autres types de guitares – elles sont désormais également incluses dans les assortiments d’autres fabricants. Ces instruments se caractérisent généralement par leur corps latéralement symétrique, avec deux encoches. La guitare SG est particulièrement appréciée, par exemple, par le guitariste AC/DC Angus Young.

Semi-acoustique (hollow-body et semi-hollow-body)

Par rapport à toutes les autres guitares électriques, les semi-acoustiques se caractérisent par leur corps creux. Grâce à la chambre acoustique à l’intérieur du corps de l’instrument, les guitares semi-acoustiques se caractérisent généralement par leur son chaud et rond. La plupart du temps, ils sont utilisés dans le jazz et le blues.

Multi-cordes et baryton

Les guitares à 7 et 8 cordes se sont surtout imposées dans les genres métal modernes. Grâce à la septième voire parfois à la huitième corde de basse, ces instruments permettent d’atteindre des profondeurs plus importantes que le standard. Ils sont adaptés pour jouer les riffs profonds qui ont rendu célèbres des groupes de nu-metal comme Korn ou d’autres groupes de djent comme Meshuggah.
Les guitares baryton sont généralement à six cordes mais, grâce à l’échelle étendue (distance entre le sillet et le chevalet), elles peuvent être accordées beaucoup plus bas que les guitares standard.

Dur et lourd

Les guitares de la section Hard et Heavy sont destinées aux amateurs de genres rock et métal. Ces instruments incluent des guitares électriques telles que Flying V, Explorer, etc. Ils sont généralement utilisés dans les genres musicaux les plus incisifs et pénétrants.

Ensemble complet de guitare

Les sets complets de guitares électriques, amplis combos et accessoires sont destinés aux débutants qui souhaitent tout assembler. Les sets de guitare complets contiennent généralement des guitares électriques, des amplis combo, des câbles de connexion de toutes sortes, des médiators, des sangles et des étuis. De cette façon, ils fournissent tout ce dont vous avez besoin pour démarrer votre carrière musicale.

Ukulélé : un instrument minutieux mais piquant, lié aux idéaux d’une vie paisible, insouciante et souriante. Grâce à ces valeurs, la petite guitare hawaïenne conquiert le grand public et attire l’attention de ceux qui ne le connaissent pas encore. Mais comment jouer du ukulélé ? Combien de types de ukulélés existe-t-il ? 

Le ukulélé est né dans la seconde moitié du XIXe siècle à Hawaï, par trois luthiers portugais qui avaient émigré au pays des vagues et des volcans pour travailler la canne à sucre. En combinant les caractéristiques de deux Chitarrini traditionnels portugais, le Braguinha et le Raja , les trois luthiers ont créé un nouvel outil caractérisé par la sonnerie et l’ amortissement rapide , appelé pour ces caractéristiques « puce bondissante », ukulélé précisément.

Le ukulélé s’est d’abord répandu en Polynésie, puis a conquis les États-Unis avant la Grande Dépression, et a finalement atterri en Grande-Bretagne. Dans les années 1950 et 1960, il fait son entrée sur la scène rock et pop internationale grâce à son adoption par des groupes de premier plan tels que les Beach Boys . Depuis, sa chance est constante, malgré le peu de notoriété qui l’a toujours entouré.

On se souvient d’une parenthèse mondialement connue du ukulélé, au début des années 90 : l’interprétation d’ Over the Rainbow par Israel Kamakawiwo’ole , un musicien hawaïen devenu célèbre pour une version de cette chanson accompagnée du ukulélé. L’esprit rêveur de la chanson trouve dans le ukulélé une nouvelle voix et un ton insouciant qui fascine.

TYPES DE UKULÉLÉ

Au fil du temps, le ukulélé s’est développé en différents types, chacun étant conçu pour couvrir un registre différent de l’échelle musicale. Les ukulélés disponibles sur le marché aujourd’hui pourraient constituer un petit orchestre, et ce n’est pas un hasard s’il existe des ensembles dédiés exclusivement à cet instrument.

ACCORD DU UKULÉLÉ

L’ accordage du ukulélé dépend strictement du type d’instrument, puis de son registre. L’accordage le plus courant et le plus utilisé est celui en GCEA , décliné selon le ukulélé . Voyons plus précisément :

JOUER DU UKULÉLÉ

Il n’est pas difficile d’apprendre à jouer du ukulélé : les quatre cordes se contrôlent plus facilement que les six cordes de la guitare classique, et le plaisir vient vite . Cependant, comme pour tous les instruments, une certaine patience est nécessaire pour surmonter les difficultés initiales de coordination. Les guitaristes sont certainement facilités , même si le premier impact pourrait être difficile en raison de l’accordage différent de nombreux ukulélés par rapport aux guitares.

Pour jouer du ukulélé nous vous conseillons de ne pas utiliser de médiators en plastique, qui endommagent les cordes, en les remplaçant par des médiators en feutre ou simplement avec vos doigts. Pour apprendre plus solidement et sans assumer de vices négatifs, notre conseil est toujours de se tourner vers un professeur, même pour un instrument insouciant comme le ukulélé.

 

PRIX ​​DU UKULÉLÉ

Le ukulélé est un instrument particulièrement économique, notamment dans les modèles de base de la version soprano. Un ukulélé soprano peut en effet partir de prix très abordables même en dessous de 50 € , chiffre auquel il est déjà possible de trouver un vaste assortiment pour tous les goûts.

Si vous voulez monter en qualité, entre 80 et 200 € de prix vous pourrez trouver de beaux modèles d’excellente facture et réalisés avec des bois sélectionnés. Au-delà de 200 € , la qualité monte encore et vous entrez dans une gamme de ukulélés conçue pour un usage plus qu’occasionnel.

Les prix des ukulélés de concert et ténor continuent d’augmenter, jusqu’à 400-500 € pour les modèles professionnels. Ce sont de belles figurines, mais elles donnent de petits bijoux qui peuvent vous accompagner tout au long de votre vie avec leur joie.

 

Que serait une guitare sans cordes ? Cet accessoire simple, si invisible mais si important, est essentiel pour déterminer le type de son et de toucher d’une guitare, avec des différences substantielles variant d’une corde à l’autre. Bien choisir ses cordes de guitare est donc primordial : voici un petit guide signé Dampi avec quelques points fixes pour s’orienter dans l’achat.

Quelles sont les principales différences entre les cordes de guitare ? Un produit en apparence banal peut aussi se décliner en des variantes très différentes, qui dépendent largement de la marque de la corde, du matériau dont elle est faite et du type de guitare à laquelle elle est destinée. Partons de ce dernier aspect pour explorer le monde des cordes de guitare.

CORDES POUR GUITARE CLASSIQUE

Les cordes de guitare classique typiques sont fabriquées en nylon , un matériau qui donne des sons doux et chauds et est facile à jouer. Parmi les fabricants les plus connus figurent D’Addario, Hannabach, Ernie Ball, Savarez et Ibanez, chacun avec sa propre gamme de produits, qui diffèrent généralement par leur tension . Si vous êtes débutant, il est préférable d’utiliser des cordes à tension faible ou moyenne, qui fatigueront moins vos mains. Les cordes à haute tension produisent un son plus robuste, mais sont plus difficiles à jouer. A côté du nylon, certains fabricants commercialisent également des cordes en carbone ou en titane , ou en cuivre argentépour ceux qui recherchent le son le plus puissant du métal. Le choix final dépend des goûts subjectifs : le conseil est toujours de l’essayer par vous-même !

CORDES DE GUITARE ACOUSTIQUE

Les cordes pour guitare acoustique ont un noyau en acier et un revêtement en alliage hautement résonnant, capable de donner plus de corps au son. Les cordes en bronze ont un son aigu et brillant, mais dans la variante en bronze phosphoreux (dans laquelle l’alliage est enrichi en phosphore), le timbre devient plus équilibré et chaleureux, avec une bonne présence également des harmoniques basses. On cite aussi la soie et l’acier , cordes de guitare parfaites pour ceux qui ont les doigts sensibles et qui n’aiment pas la sensation du toucher du métal : le revêtement en soie garantit douceur et délicatesse sur les doigts. Parmi les constructeurs, on se souvient des plus célèbres tels que Ernie Ball, D’Addario, Martin, Gibson et Fender.

CORDES POUR GUITARE ÉLECTRIQUE

Les cordes des guitares électriques sont constituées de matériaux magnétiques, indispensables pour assurer la bonne réception des vibrations par les micros. Le matériau le plus répandu est sans conteste le Nickel , dans la variante plaquée ou dans la variante pure : ces cordes garantissent un son plutôt chaud et plein, clair et brillant. Les aciers inoxydables produisent un son encore plus aigu, particulièrement apprécié dans le rock. Pour l’électrique, les principaux fabricants sont les susmentionnés Ernie Ball, D’Addario, Gibson et Fender.

COMMENT LA TAILLE ET L’EMBALLAGE AFFECTENT-ILS?

Outre le type de guitare, le matériau choisi et la marque, deux autres paramètres à prendre en compte sont la taille et le type d’enroulement des cordes. Les jeux de cordes de guitare sur le marché vont de l’ ultra léger au lourd , en passant par divers formats intermédiaires : les cordes de guitare légères sont plus faciles à jouer, génèrent moins de fatigue et donnent des sons plus doux ; les plus lourds, cependant, libèrent un son plus puissant et agressif, parfois indispensable dans certains styles lourds .

En parlant de bobinage , les principales différences se situent entre les cordes de guitare simples et les cordes enroulées (w), qui consistent en un noyau autour duquel un fil métallique est enroulé. Ce dernier type convient aux quatrième, cinquième et sixième cordes de la guitare, tandis qu’il est facultatif pour la troisième, selon les goûts. Les blessures sont divisées en:

Dans la grande variété de marques et de modèles qui existent, le choix d’une guitare acoustique peut s’avérer assez complexe aujourd’hui. Quels sont les critères de qualité à considérer ? Comment comprendre les différences entre une guitare de bonne facture et une de peu de valeur ? Voici le guide Dampi avec quelques conseils sur la façon de choisir une guitare acoustique, particulièrement valable pour les débutants.

ÉTAPE N° 1 : DÉCOUVREZ LES DIFFÉRENCES DANS LA CAISSE DE RÉSONANCE

Pour choisir une guitare acoustique, il est important d’avoir au moins une connaissance préliminaire des différences entre les différents types qui existent. Les principaux types de guitare acoustique se distinguent par la forme de la caisse de résonance, avec trois modèles principaux :

  1. Standard : dans ce modèle, la caisse de résonance a la forme typique de 8 avec la partie inférieure à peine plus arrondie que la partie supérieure, comme le montre la photo (une guitare Eko NXT Parlor Natural ). Ces guitares acoustiques ont un son plus déséquilibré dans les aigus, et sont donc idéales pour les rôles en solo.
  2. Dreadnoughts : Les dreadnoughts ont été introduits au début du siècle dernier par Martin, l’une des entreprises historiques du secteur. Ils se caractérisent par des dimensions massives, avec la partie inférieure de la caisse de résonance plus arrondie. Cette structure donne un son plus sombre et plus ample, avec des basses vibrantes et plus d’importance. Sur la photo, un Sigma DMR-4 .
  3. Jumbo : les Jumbo sont encore plus volumineux et poussent à l’extrême la courbure de la partie basse de la caisse de résonance. En conséquence, ils ont un son de type Dreadnought, avec des basses pleines et résonnantes, idéal pour les rôles d’accompagnement. Sur la photo, un Sigma JR-40 ST Lucide .

Maintenant que nous avons clarifié certains des principaux types, voyons plus en détail comment choisir une guitare acoustique.

ÉTAPE #2 : GÉRER L’ANALYSE

Traditionnellement, la guitare acoustique se distingue de la classique par les cordes métalliques, plus puissantes et résonnantes mais aussi plus difficiles à jouer. Dans le choix d’une guitare acoustique, il est donc très important d’évaluer son confort , car il est plus facile de se fatiguer avec cet instrument. L’élément le plus important dans ce sens est le manche : il faut tout d’abord l’essayer, en tenant la guitare en position assise et en s’assurant que le manche tient confortablement dans vos mains et ne vous force pas à des mouvements anormaux.

La facture du manche peut aussi révéler si la qualité globale de la guitare est bonne ou médiocre : vérifiez que la frette des frettes (les fines lamelles métalliques qui coupent le manche transversalement) ne dépasse pas du clavier, créant de petites bosses. Et vérifiez aussi l’ action des cordes (la distance entre les cordes et le manche) qui ne doit pas être trop haute : en gros, moins d’un demi-centimètre en bas du manche.

Échelle longue ou échelle courte ? Un autre élément du manche que vous devez connaître pour choisir une guitare acoustique est la différence entre une échelle courte et une échelle longue. Le premier terme indique que le manche dépasse du corps de la guitare de 12 frettes , tandis qu’une échelle longue signifie une saillie de 14 frettes . La différence se reflète dans la tension des cordes : la gamme courte est associée à des cordes moins tendues, donc plus faciles à jouer mais aussi moins résonnantes, tandis que dans la gamme longue les cordes sont plus tendues et plus dures à jouer, mais donnent un son plus clair. et net.

ÉTAPE 3 : VÉRIFIEZ LA QUALITÉ DE FABRICATION

Une fois que vous avez vérifié le manche, il est temps de revoir la caisse de résonance et la qualité globale de la guitare. Donnez quelques petites tapes au dos de l’étui pour vérifier sa résonance , et assurez-vous soigneusement qu’il n’y a pas d’écarts ou de décolletés dans le bois et entre les différentes parties de la guitare. Essayez de faire cette vérification sur différentes guitares, afin de percevoir les différences et de les évaluer de manière plus complète et objective.

ÉTAPE N°4 : ÉCOUTER LE SON

La qualité la plus importante d’une guitare acoustique est son son. Peser cet aspect est peut-être la tâche la plus difficile, car l’évaluation combine des aspects subjectifs et objectifs qui ont un poids égal dans le choix final. Le secret, également dans ce cas, est d’essayer différents instruments et d’entendre comment chaque guitare génère un son différent : dans certains modèles, elle sera plus sourde et fermée, dans d’autres plus vibrante et riche en nuances. Vous privilégiez les instruments avec ce second type de son lors du choix de votre guitare acoustique, et parmi ceux-ci recherchez celui avec le son qui vous plaît le plus, et qui est le plus adapté au style dans lequel vous souhaitez vous spécialiser.

Nous avons décidé dans cet article de vous donner quelques conseils pour choisir la coque idéale pour vos besoins. Non seulement en ligne mais aussi dans notre magasin de la Via Ghislandi à Bergame, la question reste toujours la même : quel cas recommandez-vous ?

En supposant que l’argent investi dans un bon étui n’est jamais de trop car c’est l’accessoire le plus important, il n’y a pas de meilleur étui qu’un autre, il y a tout simplement l’étui adapté à vos besoins.

Hormis les prémisses nécessaires, nous avons décidé de rédiger cet article pour poursuivre notre mission sur le thème du nettoyage et de l’entretien de l’instrument de musique  qui nous accompagne tout au long du mois de janvier.

 Nous vous rappelons que pour tout le mois de janvier les sacs avec les marques SACS   , OMEBAIGE  , DPACCESSORIES sont en promotion à -10%

Eh bien, après les conditions nécessaires, êtes-vous prêt à choisir le bon étui pour votre instrument de musique ?

HARD CASE VS SOFT CASE : L’ÉTERNEL DILEMME

Au moins une fois, vous aussi vous aurez posé ce dilemme. Eh bien en fait, le choix ici est plus simple que prévu.

L’étui souple est certainement le choix idéal pour ceux qui préfèrent une solution « confortable » et « simple » aussi car dernièrement beaucoup d’entre eux sont équipés de bretelles pour être transportés dans un sac à dos qui est le moyen le plus pratique pour la plupart des instruments. Avec des étuis rembourrés ou semi-rigides, la liberté de mouvement est totale.

Des cas durs une fois que quelqu’un aurait dit : « ce sont les plus sûrs même s’ils vous coûtent plus cher ». Aujourd’hui, cette maxime n’est plus valable. Ces dernières années, les étuis souples ont fait de grands progrès, se révélant aussi sûrs et valides du point de vue de la protection que les étuis rigides. Il suffit de penser à la récente ligne Marcus Bonna pour les vents dont nous parlerons plus tard ou aux cas techniques/professionnels d’ Omebaige .

Dans tous les cas, à la fois rigide et souple, le rapport qualité et surtout PRIX est donné par la valeur de l’instrument que vous possédez. Avec ces mots, nous ne voulons pas affirmer que si un instrument est bon marché, il peut également être cabossé, mais nous voulons réitérer que si un sax vaut 200 €, cela ne vaut peut-être pas la peine de dépenser 400 € pour un étui super dur et super cool : achetez plutôt un plus beau saxo !

ETUI GUITARE CLASSIQUE

La guitare classique est un instrument très délicat, contrairement à la guitare électrique elle a une caisse de résonance à protéger et dans certains cas une petite bosse suffit à causer des dommages permanents, réduisant considérablement les performances sonores. Si vous optez pour un étui rembourré pour guitare classique, dans notre catalogue, il existe deux excellentes solutions : le Rs 40 avec un rembourrage de 12 mm et le Rs 85 avec même un rembourrage de 35 mm, évidemment tous les deux avec des bretelles pour le transport du sac à dos et absolument imbattables. qualité/prix. Un autre cas intéressant avec un rembourrage de 10 mm est celui de la Stefy Line: imperméable et donc lavable extérieurement avec rembourrage anti-humidité. Quant aux étuis rigides pour guitare classique, nous avons différentes solutions et différentes couleurs. RCH et Stefy Line, produisent en Italie. N’oubliez pas que n’importe quel étui de guitare acoustique est également bon pour la guitare classique, mais pas l’inverse. Le lien complet vers nos étuis de guitare classique se trouve ici . 

ETUI GUITARE ÉLECTRIQUE

On ne sait toujours pas pourquoi nous avons tendance à préférer un étui rigide pour la guitare électrique dans ce cas. Lorsque vous achetez une guitare électrique de bonne facture, le fabricant l’accompagne généralement. Mais il se peut que vous achetiez un étui rigide pour une guitare électrique d’occasion, car l’ancien propriétaire l’a probablement également vendu séparément. Dans notre catalogue il existe plusieurs solutions que vous pouvez consulter au lien suivant : étuis pour guitare électrique

ETUI POUR FLÛTE TRAVERSIÈRE

Des usines de flûtes professionnelles dans le monde entier (voir Muramatsu, Miyazawa, Pearl Flutes, Burkart, Brannen & Cooper etc…) équipent les flûtes avec des étuis de haute qualité. L’alternative aux boîtiers d’origine découle généralement d’un besoin de vouloir plus de sécurité ou un peu plus de légèreté et de maniabilité. Partant de solutions « économiques », l’usine Omebaige propose un étui avec une coque en plastique rigide et un intérieur en velours foncé dans une matière souple amortissante. Jetez un œil au boîtier Omebaige 605 . Pour des solutions plus sophistiquées et plus chères je recommande de jeter un œil aux étuis de flûte BAM comme le modèle

Bam ET 40009 Le détail que vous devez toujours vérifier est que les trois parties de votre flûte que sont la tête, le corps et le pied sont bien à l’intérieur de l’étui et ne subissent pas de mouvements transversaux excessifs de nature à compromettre l’intégrité du précieux instrument.

ÉTUI POUR CORNE

Quant aux étuis pour cor d’harmonie ou encore mieux pour cor. Le premier choix se fait qu’il s’agisse d’un cornet à cloche dévissable ou d’un cornet à cloche fixe. La marque Bags est certainement parmi les meilleures ventes. Excellente est la solution de boîtiers semi-rigides de différentes couleurs. Si, en revanche, vous souhaitez vous orienter vers des solutions plus professionnelles, sans aucun doute excellentes celles faites à la main par Marcus Bonna avec quelques propositions également pour le musicien itinérant. Voir dernier paragraphe. Découvrez les étuis en corne de Marcus Bonna

 

ÉTUI POUR TROMPETTE

La trompette est un instrument de cuivre délicat. Même si elle ressemble à un outil massif, la machine à piston avec ses alésages est délicate et mérite des boîtiers amortissant efficacement les chocs.

Le monde de l’étui trompette comprend de nombreuses marques et de nombreux modèles. Notre sélection organisée au fil des années grâce à l’expérience acquise auprès des clients, se concentre principalement sur 3 marques : BAGS , Marcus Bonna et Omebaige . Ces 3 usines fabriquent des étuis à instruments professionnels. La conception de leurs produits est soigneusement pensée pour amortir au mieux les chocs et occuper le moins de place possible. Certains modèles sont minimalistes, d’autres ont plus de compartiments et de poches, les matériaux sont de première qualité avec des tissus synthétiques résistants à la pluie et les intérieurs sont aussi thermiques que possible.

Les séries de référence de ces 3 marques sont respectivement : pour l’usine espagnole de Sacs les EV (Evolution) , le Brésilien Marcus Bonna présente la série MB et l’ Omebaige , de production chinoise mais de grande qualité.

ÉTUI POUR TROMBONE

Le cordon et le pavillon du trombone sont les parties les plus fragiles et les plus délicates de ce merveilleux instrument.

Il faut que les étuis qui les contiennent soient préparés pour amortir les chocs à l’ensemble du thrombène mais surtout au cordon et à la cloche.

 Très intéressant est le cas des SACS modèle EV-II et EV-III tous deux avec un boîtier séparé où le cordon de serrage est bien protégé.

Le cordon de serrage est logé dans le couvercle de l’étui tandis que le corps et la cloche sont placés dans la partie profilée qui lui est destinée.

Vous venez de commencer à jouer de la guitare ou de la basse et souhaitez ajouter un son/effet supplémentaire à votre jeu ? Le débutant d’aujourd’hui a certainement de nombreux avantages par rapport à ceux qui ont commencé à jouer il y a seulement 15/20 ans. Tout d’abord, la disponibilité et la quantité d’instruments produits sont énormes par rapport au passé, cela signifie beaucoup de choix et des possibilités presque infinies et pour tous les budgets.

Il faut d’abord choisir quel type de produit utiliser, c’est pourquoi cela nous aide certainement à comprendre nos besoins : devons-nous jouer exclusivement à la maison ? Nous n’avons toujours pas d’idées claires sur ce que sera notre genre musical préféré ? Voulons-nous nous déplacer en emportant facilement toute notre « bibliothèque » de sons avec nous ? Il y a beaucoup de questions que le débutant rencontrera au cours de la première phase d’apprentissage.

PÉDALES DE GUITARE

Analysons les principales catégories de produits sur le marché en commençant par les pédales simples . Il existe encore de nombreux guitaristes qui choisissent les pédales simples comme source d’inspiration sonore. Dans ces petites pédales, qui peuvent être analogiques ou numériques, se cache un seul effet (ou une petite famille de sons) activable par leur unique bouton footswitch.

Généralement ces pédales, par exemple la Wha Wha ou les distorsions ou Delay , ont au maximum 4/5 réglages que vous pouvez gérer pour sculpter votre propre son ad hoc. Adopter cette solution des pédales simples nous amène alors à devoir les alimenter électriquement une à une et à devoir choisir des supports adaptés pour ne pas avoir à monter et démonter toute la chaîne d’effets à chaque fois .

LA PÉDALE MULTI-EFFETS

Le deuxième choix peut être la pédale multi-effets . Ce concentré de technologie permet au guitariste de disposer d’une source quasi infinie de sons et d’effets. Cela signifie également pouvoir combiner et mélanger ces effets en même temps.

Les meilleurs pédaliers pour guitare électrique et les meilleurs multi-effets peuvent même être connectés à la table de mixage sans l’aide de l’amplificateur. Cela signifie qu’ils intègrent des systèmes de simulation d’amplis et de haut-parleurs, autrement dit une émulation professionnelle permet de connecter la pédale multi-effets directement de la sortie xlr à la table de mixage puis au système audio tout en conservant une qualité sonore quasiment inchangée.

Les pédaliers multi-effets de dernière génération ont en plus des effets également de nombreuses fonctions supplémentaires qui aident le guitariste débutant (mais aussi expert) à simplifier les situations de studio et de live. Parmi celles-ci on retrouve les sorties très confortables dédiées au casque, pour s’écouter et créer des sons sans déranger personne à la maison. Une autre fonction très utile est la loopstation intégrée, la pédale multi-effets peut alors enregistrer notre propre ligne d’accompagnement sur laquelle nous pouvons ensuite improviser, très utile pour ceux qui veulent étudier et pratiquer avec des gammes et des parties solo et aussi très utile pour ceux qui voulez composer des morceaux à terminer plus tard avec votre propre groupe.

EFFETS DE GUITARE DANS LES AMPLIFICATEURS

Une troisième possibilité est de s’appuyer sur la dernière génération d’ amplificateurs . Ceux-ci, aujourd’hui, possèdent de nombreuses fonctions supplémentaires par rapport à celles d’autrefois et intègrent de nombreux sons présents dans les pédaliers multi-effets actuels. Le choix d’un de petites dimensions mais avec de nombreux sons résout de nombreux maux de tête du guitariste débutant qui a besoin de différentes tonalités à utiliser à la maison pendant ses études.

MULTI-EFFETS POUR GUITARE ACOUSTIQUE

Très souvent, lors des premières répétitions du groupe, le guitariste acoustique se consacre uniquement et exclusivement aux parties d’accompagnement. Il s’agit de se connecter directement à la table de mixage puis d’aller écouter via les enceintes du système audio de la salle de répétition. La technologie a fait de grands progrès dans ce sens aussi et donc toutes les améliorations et évolutions présentes dans le monde de la guitare électrique et de la basse électrique se retrouvent également dans les multi-effets dédiés à la guitare acoustique .

Dans ces pédaliers de dernière génération, il y a des effets et des simulations dédiés uniquement au monde de la guitare acoustique et classique. Ceux-ci incluent différentes versions de Delay , Chorus , Reverberi et EQ .

Dans les versions professionnelles, il est également possible de trouver des entrées spécifiques pour le microphone, il sera donc possible d’utiliser la pédale multi-effets pour « colorer » également notre voix. Très apprécié des guitaristes acoustiques est l’effet de boucle avec lequel enregistrer et improviser ou composer des morceaux entiers en partant pratiquement de zéro .. (très utilisé par exemple par Ed Sheeran)

LES PÉDALES DE ZOOM

Parmi les grandes marques qui se sont toujours focalisées sur ce type de produit, les plus importantes sont certainement Digitech , Line6 , Boss , ZOOM , Kemper , Headrush et bien d’autres.

Les plus connus et utilisés ces dernières années par les débutants ont été les ZOOM G3XN et G3N . Cette série de ZOOM possède de nombreuses fonctions : 68 effets , Distorsions, Delays, Reverbs, Flanger, Phaser, Chorus, Equalizers et Compressors.

En plus de ces effets, il existe également 5 simulateurs d’amplis et 5 simulateurs de haut-parleurs, qui permettent de connecter directement la pédale multi-effets ZOOM au système. Une prise USB permet également de gérer le pédalier au niveau des patchs et des mises à jour via les systèmes d’exploitation Windows ou Mac.

PÉDALE MULTI-EFFETS BOSS

Comme nous l’avons vu pour ZOOM produire d’excellents pédaliers d’entrée de gamme , qui répondent aux besoins du guitariste débutant, c’est certainement l’une des voies empruntées également par le géant japonais Roland, avec sa division BOSS . En plus des pédales simples très célèbres et colorées, avec lesquelles créer des chaînes complètes d’effets , le catalogue Boss regorge de pédales multi-effets pour guitare et basse. Best-seller depuis de nombreuses années toutes les séries ME et GT qui, constamment mises à jour et évoluées, arrivent aujourd’hui avec les versions de base GT-1 et GT-1B puissantes et faciles à transporter, jusqu’aux versions professionnelles GT-100 et GT-1000 eux haut de gamme qui rejoint le monde des processeurs studio / live professionnels Line6 et Kemper.

Compagnon de confiance de chaque chanteur, le microphone nous permet de mettre en évidence des détails couramment cachés à notre audition.

LE MICRO DYNAMIQUE

Le microphone dynamique est sans aucun doute le plus utilisé dans l’environnement live. Il résiste à de fortes sollicitations sonores et n’a pas de coûts élevés. Le principe de fonctionnement est basé sur l’induction électromagnétique. Une membrane capte les ondes sonores et stimule une bobine qui, par son mouvement dans un champ magnétique, génère une variation de courant. Ce type de fonctionnalité lui permet de ne pas avoir besoin d’alimentation externe.

Parmi les modèles les plus connus nous citons le légendaire microphone Shure SM 58 A avec une capsule cardioïde unidirectionnelle au son brillant.

et son concurrent direct Sennheiser et 935 , également avec capsule cardioïde mais avec une réponse en fréquence plus large (40Hz -18Khz vs 50Hz-15Khz)

Nous avons également pu évaluer la dynamique avec des capsules supercardioïdes telles que : Shure Beta 58A qui avec son son robuste et cristallin est l’un des microphones les plus vendus

également dans ce cas l’alternative Sennheiser avec le son doux et puissant du modèle et 945 également avec une réponse en fréquence de 40Hz-18Khz considéré par de nombreux professionnels comme le meilleur microphone dynamique du marché

LE MICROPHONE À CONDENSATEUR

il est basé sur le principe de l’accumulation électrostatique. Il a une réponse en fréquence plus linéaire et une plus grande sensibilité qui peut mettre en évidence des détails non perçus avec un microphone dynamique, bien que cela puisse plus facilement conduire à un retour acoustique, mieux connu sous le nom d’ effet Larsen . Ce type de microphone doit être alimenté avec une tension de 48 volts normalement obtenue à partir d’une table de mixage ou d’un préamplificateur

La fourchette de prix dans laquelle il se positionne est plus élevée. La  série  KSM9  est très appréciée pour les représentations sur scène.

ainsi que la belle reproduction de style vintage du Shure 55 SH II

Dans la phase d’enregistrement, des microphones à condensateur multi-motifs sont souvent utilisés, ce qui vous permet de changer le diagramme polaire de l’enregistrement. Parmi les marques les plus appréciées on citera Akg , Neumann et notamment l’australien Rode avec le modèle NT1 Bundle Studio .

Vous passez à une guitare acoustique mais vous n’avez pas une idée précise ? Vous hésitez sur le modèle à choisir ? Nous avons sélectionné pour vous 4 modèles amplifiés et très appréciés dont le succès est certainement dû à l’excellent rapport qualité/prix.

Dans les lignes suivantes, nous analyserons les caractéristiques les plus importantes. 

C’est une guitare simple mais bien conçue avec une musicalité exceptionnelle. Il a une bonne projection sonore et fonctionne très bien dans un ampli. La combinaison micro/tuner Fishman intégrée est parfaite. 

L’âme du style Fender brille à travers cette guitare. Le FA-125CE a un pan coupé (cutway), l’électronique est gérée par un bon Fishman qui fait tout ce que vous attendez ! Idéal pour la performance sur scène ou pour une « guitare » avec des amis. 

AVIS DU MUSICIEN : 

La jouabilité est très bonne, le son est riche, corsé et plein. L’accessibilité au clavier est très forte et le confort du corps est pur. Les débutants et les joueurs adoreront le manche qui donne à la guitare un son vif et une sensation très douce. 

C’est l’un des plus demandés par Epiphone, non seulement pour la qualité des matériaux mais aussi pour son esthétique. La carrosserie de style Advanced Jumbo a été créée dans les années 1930 dans l’usine historique Gibson de Kalamazoo. Aujourd’hui, il est disponible à un prix raisonnable, tout en conservant la table en épicéa massif, le dos et les éclisses en acajou et une électronique Shadow avec micro NanoFlex et accordeur intégré. Maintenant, avec le nouveau système de préampli Shadow Tuner Performer, il a toujours une longueur d’avance sur la concurrence. 

AVIS DU MUSICIEN : 

La jouabilité est excellente, le son est dominant, équilibré, défini, brillant et vintage, ce qui le rend parfait pour la scène ou un studio. La facilité du clavier est très bonne et authentique tout comme la prise en main globale. 

Professionnalisme, rigueur, qualité et son impeccable à un prix abordable sont les caractéristiques des guitares de la série PF Performance. Il est amplifié. Il a un corps et un manche en acajou, un barrage en X, un chevalet en palissandre, une touche (20 frettes), des bords en ivoire, des mécaniques chromées moulées sous pression. Elle fait partie des guitares électro-acoustiques fabriquées avec le même savoir-faire et le même professionnalisme caractéristique de la marque Ibanez, résultat d’un excellent rapport qualité-prix. 

AVIS DU MUSICIEN : 

La jouabilité est impressionnante, le son est typiquement folk/country. Le clavier est facile et surtout adapté au grattage. Il est confortable et convient aux débutants. 

Le premier numéro nous ramène à 1962, c’était la renaissance d’une icône ! Avec la série Vintage Reissue, Eko perpétue la tradition de la célèbre marque au fil du temps. Et comme de belles femmes qui restent fascinantes malgré la décoloration avec l’âge, ces guitares émanent du charme des années 60 : seuls ceux qui sont passés par là peuvent comprendre ce que j’écris ! 

Du point de vue technique, il s’est amélioré, en conservant la même combinaison de bois ; un look rétro grâce au pickguard revisité, réussissant à garder la forme du passé. 

 

AVIS DU MUSICIEN : 

C’est une guitare élégante dans les finitions, elle a un bon son plein et chaud ; le son est typé et vintage. L’accessibilité au clavier est aussi totale que le confort du corps. 

TARIFS GUITARE : 

Quant à la guitare acoustique Fender, le prix est d’environ 170-180 €, ce qui est le prix le moins cher avec la guitare acoustique Eko. La guitare acoustique Epiphone et la guitare acoustique Ibanez sont au prix d’environ 230-270 €. 

CONCLUSIONS 

Les aspects à explorer seraient immenses… Nous espérons avoir été utiles pour votre apprentissage et pour avoir levé plusieurs doutes, notre objectif était de vous aider à choisir la meilleure guitare acoustique pour débuter . Parmi les modèles répertoriés, nous avons inclus les principales caractéristiques pour vous aider à choisir.  

UN PEU D’HISTOIRE

Depuis sa fondation en 1946 par Leo Fender, la marque Fender a été identifiée comme synonyme de guitare ; « LA » guitare qui porte désormais le design de la guitare la plus vendue et la plus copiée de l’histoire : la Stratocaster. Certes, personne en 46 n’aurait imaginé une conquête de ce genre, à tel point que les conceptions de la Stratocaster et de la Telecaster sont parmi les plus copiées pour la production de guitares économiques, d’entrée de gamme ou low-cost. Rien à voir avec les guitares originales qui ne se sont certes pas arrêtées dans le temps mais ont suivi l’évolution à la fois de la technologie et des matériaux pour toujours proposer des guitares innovantes et avant-gardistes.

STRATOCASTER : UNE LÉGENDE QUI RESTE UNE SOLIDE RÉALITÉ

Je pourrais passer des semaines ou peut-être écrire un roman pour vous parler de toutes les versions de la Stratocaster produites par Fender de 1954, l’année de la première production, à aujourd’hui. Aussi parce que je suis moi aussi l’heureux propriétaire d’une Stratocaster American Standard de 1992. Et par expérience personnelle je peux confirmer l’extraordinaire souplesse de cet instrument que j’ai customisé à l’extrême. Mais sortons de la sphère personnelle et revenons au catalogue fender qui voit un large choix de nappes avec micros simple bobinage, humbuckers, mini humbuckers, simples aimants, lame et qui sait combien d’autres diableries qui font rêver nous musiciens.

‘ai donc choisi cette AMERICAN PROFESSIONAL II STRATOCASTER® en coloris Dark Night qui, à mon sens, représente très bien l’union de la tradition et de l’innovation. Corps en aulne, son équilibré adapté à de nombreux genres, manche et touche en érable et profil moderne en C profond qui, compte tenu de l’épaisseur réduite, convient à tous les styles de jeu, du blues au shred. Des micros V-Mod à simple bobinage améliorés qui donnent ce son chaud et brillant typique de la couche mais qui diminuent incroyablement le bruit de fond qui est le défaut typique des simples bobinages. L’électronique de pointe pouvant rajouter le micro au manche sur les positions 1 et 2, le chevalet trémolo et la mécanique moderne et stable dans l’accordage font de cette guitare un véritable bijou qui ne manquera pas de vous inspirer.

TELECASTER : UN GRAND MÉLANGE DE STYLES ET DE SONS

L’histoire attribue à la Fender Telecaster le titre de « première guitare solid-body produite en série », nous étions au début des années 50 et la guitare électrique était encore une expérience qui n’était pas toujours couronnée de succès. Mais Leo Fender a créé un autre chef-d’œuvre en créant la deuxième guitare la plus copiée de tous les temps. Country, blues, rock et bien plus encore, la Telecaster se démarque immédiatement par la présence de seulement 2 micros à simple bobinage et du chevalet fixe. Dans ce cas également, tant de modèles et de variantes ont été produits qu’il faudrait au moins une journée pour les nommer. J’en ai donc choisi un, emblématique et très apprécié de nous tous, auditeurs.

Voici donc la Telecaster avec laquelle Jimmy Page a commencé l’aventure de Led Zeppelin, les menant au succès planétaire que l’on connaît bien. La Fender Jimmy Page Telecaster est un hommage à cette guitare, qui a vu le jour dans sa finition standard laquée White Blonde puis est devenue la « guitare miroir », avant de prendre sa forme définitive : un instrument magique et exclusif peint à la main par le même Page . Corps en frêne en deux pièces, manche en érable et touche en palissandre, reproduit les formes et le style exacts de la guitare d’origine combinés à la technique de prise et d’accordage moderne qui en fait à nouveau une guitare d’avant-garde.

VINTERA : PAS SEULEMENT UNE GUITARE

Justement, La Vintera n’est pas une nouvelle guitare de chez Fender mais une nouvelle série de guitares qui re-propose les guitares construites dans les années 50 60 70 du siècle dernier. Pour être honnête, la série Vintera est divisée en deux sous-séries : Vintage qui propose à nouveau le modèle identique produit avec la technologie et la précision des équipements modernes, Vintage Modified qui améliore les guitares susmentionnées avec des appareils et un câblage modernes. Il y a généralement deux améliorations sur la série Modified : le manche qui devient plus étroit et un clavier plus doux qui permet tous types de techniques, et l’électronique partant de micros améliorés jusqu’à la plus grande disponibilité des différentes connexions entre micros. commutateurs.

AU FUTUR

Personnellement, je suis tombé amoureux de la stratocaster à l’âge de 8 ans et je l’ai vue entre les mains du grand Ritchie Blackmore et je suis donc partial dans mon choix. Mais après tout, pourquoi choisir ? Voici tout un univers à découvrir.

RÉVOLUTION CHEZ FENDER

Nous savons bien que le marché moderne, de tout type de produit dont nous parlons, doit toujours être frais et renouvelé, même pour les fabricants établis depuis des décennies. Ce doit être ce qui a poussé Fender à relooker ses guitares électriques, y compris les basses. Après tout, ce n’est pas la première fois que cela se produit puisque la nécessité de toujours rester à jour et à l’avant-garde est précisément la philosophie qui a fait de Fender le géant que nous connaissons tous.

ÇA NE CHANGE PAS LE FOND

Les guitares sont toujours nos guitares Fender bien-aimées et la forme et l’électronique ne sont absolument pas bouleversées mais plutôt améliorées. La technologie moderne permet de produire des instruments de haute qualité tout en réduisant considérablement le coût, sans oublier la précision et la technologie que le bon Leo Fender ne pouvait même pas imaginer lorsqu’il s’est lancé dans cette merveilleuse aventure. Ne soyons donc pas intimidés par ce restylage.

PRODUCTIONS NON AMÉRICAINES

En partant des séries Made in Japan et Squier by Fender principalement produites au Japon et autour, on rencontre la série Mexico Standard qui devient Player Mexico, ou plus simplement Player. Certes ces séries sont moins chères que les grandes sœurs Made in USA mais au fil du temps elles ont pris leur propre rôle fondamental. Les Made in Japan sont souvent recherchés selon les années de production et les Mexicas sonnent vraiment bien, je le dis par expérience, sans forcément vider votre portefeuille.

LE HAUT DE GAMME

La série American Special devient American Performer, American Standard devient American Professional qui est déjà devenu American Professional II, parfois appelé Pro et Pro II. American Elite devient American Ultra et le summum de la production est le Custom Shop qui peut créer un Fender unique en tout.

LE RESTE DU CATALOGUE

Les autres séries sont : American Original, Artist, Deluxe et Vintera sans oublier la Limited Edition que les collectionneurs apprécient beaucoup. Série signée et construite selon les modifications de grands artistes qui jouent ou ont joué des guitares Fender ; des séries qui reproduisent les modèles originaux conformes au cahier des charges ainsi que le design de l’époque ou des modèles qui ont une place importante dans l’histoire pour l’innovation ou la diffusion. Comme vous pouvez le constater, vous n’avez que l’embarras du choix, ce qui reste assuré, c’est le haut niveau de qualité et la volonté d’innovation continue qui ont toujours caractérisé la marque Fender.

Classer les meilleures guitares acoustiques n’est pas une tâche facile. Le choix final est en effet subjectif puisqu’il dépend strictement du son raffiné et du style personnel, ainsi que du goût esthétique individuel qui conduit à opter pour un certain design plutôt qu’un autre. Malgré cela, chez Dampi, nous avons essayé de dresser notre top cinq des meilleures guitares acoustiques, en tenant compte de certaines qualités objectives qui ne peuvent pas manquer dans une guitare. Voici les résultats.

Essayons de mettre de côté les éléments subjectifs : il ne reste que quelques évaluations de base comme le rapport qualité prix , le soin constructif et la qualité du son , quel que soit son timbre spécifique qui peut ou non plaire ou convenir à certains styles plutôt qu’aux autres.

Selon notre classement, que nous rapportons ici classé du prix le plus bas au prix le plus élevé, les meilleures guitares acoustiques sont :

  1. YAMAHA APXT2 : l’une des guitares acoustiques les plus vendues de tous les temps, reproduction accessible de la célèbre Yamaha APX500II , dite  » guitare de voyage « , idéale pour voyager en raison de sa petite taille et des performances de la garantie Yamaha. Parfait pour les débutants grâce aux frettes légèrement plus serrées et à l’espacement des cordes standard. Éclisses et dos en meranti, un bois asiatique très résistant semblable à l’acajou, avec lequel le manche est construit. Le prix est l’une des caractéristiques les plus compétitives de cette guitare acoustique.
  2. AILE FA125-60 CE: une perle parmi les best-sellers guitares acoustiques économiques, la Fender FA125 C’est tout pratique : grâce au Fishman ® préampli avec tuner inclus et coupe, cette guitare acoustique est facilement portable et avec la jouabilité incontestable. Le son chaud et les volumes soutenus en font un incontournable pour tous ceux qui jouent depuis peu et qui veulent une guitare satisfaisante sans trop de prétentions !
  3. EPIPHONE AJ-220 SCE : toujours dans le secteur de l’entrée de gamme, nous trouvons un modèle L’Epiphone AJ-220SCE est depuis longtemps l’une des guitares acoustiques Epiphone les plus vendues, tant pour sa qualité de fabrication que pour sa beauté esthétique. Le corps de style Advanced Jumbo a été produit pour la première fois dans l’usine historique de Gibson à Kalamazoo dans les années 1930. Ce modèle présente des bois sélectionnés , la qualité des tuners Epiphone Deluxe et les lignes légendaires des Jumbos historiques.
    1. mARTIN DCX1AE Macassar : Martin est aussi une marque incontournable lorsqu’il s’agit des meilleures guitares acoustiques du marché. Nous avons choisi ce modèle à moins de 1000 euros, appartenant à la célèbre famille Dreadnought , les guitares Folk par excellence que Martin a introduit dans les premières années du siècle dernier, révolutionnant le marché. Grâce à l’ association de bois d’épicéa de Sitka (pour la table) et de macassar (pour les éclisses et le dos), ce modèle offre une sonorité exceptionnelle et une résistance exceptionnelle . Electronique Fishman Sonitone intégrée.
      1. GIBSON J-15 : la gamme de prix monte et par conséquent aussi la qualité : la Gibson J-15 est une guitare qui vaut bien plus qu’elle ne coûte, en terme de construction. Ce petit bijou est entièrement réalisé à la main avec des bois massifs nord-américains ; une particularité de cette guitare est l’insert en noyer qui longe tout le manche. La typologie est une dreadnought classique à épaule ronde , « épaulée » et avec un corps large, pour une profondeur de son incroyable. 

Probablement les plus anciens instruments de musique au monde, les instruments à vent contiennent un véritable univers de types et de modèles aux possibilités expressives infinies. Beaucoup commencent à en jouer pour le plaisir (c’est super pour les enfants !), certains en font un métier, mais pour tout le monde ils deviennent vite une passion. Si vous envisagez de vous lancer dans le monde des flûtes et trompettes, des saxophones et des clarinettes, voici toutes les informations dont vous avez besoin.

INSTRUMENTS À VENT : UNE CLASSIFICATION

Commençons par une définition : les instruments à vent sont appelés aérophones car ils produisent du son en faisant vibrer l’air lui-même, dans la plupart des cas la colonne d’air contenue dans la cavité de l’instrument. Au sein des aérophones, on trouve de nombreux types d’instruments différents : l’une des principales classifications divise ce grand univers en bois et cuivres , deux catégories capables d’enfermer la plupart des instruments à vent. Voyons-les plus en détail.

Instruments À Vent : Les Bois

Comme son nom l’indique, la plupart de ces instruments à vent sont traditionnellement construits en bois, qui constitue leur structure de base. Cependant, certains de ces instruments sont entièrement en métal, comme le saxophone par exemple : qu’est-ce qui les différencie des cuivres ?

Le vrai trait distinctif n’est pas le matériau de construction, mais le type de bouche : dans les bois, la bouche est en roseau , ou constituée d’une langue mobile plus ou moins fine qui transmet les vibrations à la colonne d’air sous-jacente.

Parmi les bois les plus connus et les plus utilisés, on se souvient de la flûte traversière , du piccolo , de la clarinette , du saxophone , du hautbois et du basson , chacun comportant à son tour d’autres distinctions.

Instruments à vent : cuivres

Même dans le cas du laiton, le nom capture une caractéristique très commune parmi ces instruments, à savoir le matériau dont beaucoup d’entre eux sont faits. Comme nous l’avons vu, cependant, la véritable particularité est le type de bec : en laiton, le bec est un bec , un élément en forme de coupe qui transmet la vibration des lèvres du musicien à la colonne d’air.

Les cuivres les plus courants sont la trompette , le cornet , le bugle , le trombone , le tuba et le cor d’harmonie . Dans ce cas également, chaque famille comprend des modèles différents pour le registre, la forme et la construction.

JOUER DES INSTRUMENTS À VENT : NOS CONSEILS

Les instruments à vent sont parmi les instruments idéaux pour commencer à jouer , car leur technique de base est assez simple et ils peuvent donner très vite une grande satisfaction. La complexité augmente avec l’avancée des études, mais le plaisir de jouer demeure toujours. Les questions les plus courantes qui nous sont posées par ceux qui abordent les instruments à vent pour la première fois concernent les possibilités pour les enfants , les problèmes liés à la respiration et quels sont les instruments les plus faciles à prendre en main . Voyons les réponses.

INSTRUMENTS À VENT POUR ENFANTS

La plupart des enfants adorent les instruments à vent : ils sont esthétiquement très beaux, ont un son attrayant et sont intuitifs à jouer. En fait, ce sont les outils idéaux pour commencer, également parce qu’il existe des variantes conçues spécialement pour les enfants qui sont bon marché, légères, pratiques et souvent colorées. La liste comprend des trompettes pour enfants, des trombones en plastique léger, des flûtes traversières pour enfants, des flûtes à bec, ainsi que des modèles colorés de petite taille de presque tous les instruments à vent existants. Une caractéristique commune à tous : plaisir garanti.

DIFFICULTÉ À RESPIRER ?

Pour jouer d’un instrument à vent, vous n’avez pas besoin des poumons d’un champion d’apnée. Le souffle peut être entraîné comme la technique et ne représente jamais une limite pour bien jouer. Alors débarrassons-nous de tous les doutes et pensées liés à l’essoufflement, et concentrons-nous sur les vrais problèmes :

 

INSTRUMENTS À VENT FACILES À JOUER

Comme nous l’avons vu, commencer à jouer des instruments à vent est assez intuitif, car leur nature est ce qui se rapproche le plus de l’utilisation de la voix humaine. Cependant, il existe des instruments à vent plus faciles et moins faciles. Le saxophone soprano est l’un des meilleurs pour débuter : il est plus facile à apprendre que les autres instruments à vent, a un son brillant et est amusant ; de plus, il possède un répertoire très riche et polyvalent, qui couvre de nombreux genres différents. Depuis le saxophone, il est alors possible de passer plus facilement à la clarinette, au hautbois ou à d’autres instruments à vent. Pour les enfants, l’instrument à vent le plus facile à jouer est sans aucun doute la flûte à bec.

INSTRUMENTS À VENT : CONSEILS D’ACHAT ET DE RÉPARATION

L’étape décisive pour jouer d’un instrument à vent est l’achat. Il existe sur le marché des dizaines et des dizaines de marques, de modèles, de types, et il n’est pas toujours facile de s’y retrouver . Compte tenu du vaste monde dans lequel nous nous trouvons, le mieux est de se tourner vers des professionnels et de toujours demander des conseils et des suggestions pour trouver le bon outil, aller en magasin et l’essayer par vous-même et ne pas lésiner sur la qualité, même si elle est le premier outil.

La musique est capable de donner des émotions fortes et l’approche avec n’importe quel instrument offre des sensations encore plus intenses et profondes. Un instrument particulier sur lequel nous aimerions nous concentrer est l’ harmonica . Contrairement à une idée répandue, il n’est pas du tout facile d’avoir affaire à un instrument à vent tel que l’harmonica.

Voici les conseils que nous aimerions vous donner pour faciliter l’approche musicale et technique avec l’harmonica. Habituellement, ce petit instrument a dix trous à partir desquels le son est émis.

Comme premier conseil, entraînez-vous avec ces exercices simples et pratiques : posez l’harmonica sur vos lèvres et serrez-les comme si vous deviez émettre un sifflet. Cette technique en anglais est appelée  sifflet,  la plus simple pour commencer à jouer de l’harmonica. Dans un deuxième temps, vous devrez souffler dans le premier trou en essayant de faire un son propre et clair, en évitant de faire vibrer les anches des autres trous. Dans une troisième phase, vous devrez inspirer, en essayant de ne pas le faire avec trop d’énergie afin de ne pas produire de sons déformés et désaccordés. Surtout, essayez de jouer un trou à la fois, sans vous précipiter pour faire des accords plus complexes.

Si vous avez pu émettre un son à partir de chacun des trous individuels, nous pouvons maintenant affronter la phase suivante : celle de s’attaquer à une chanson . Commençons par le plus classique des accords, c’est-à-dire le do (quatrième trou) et après avoir soufflé et inspiré, passez au trou suivant. De cette façon, vous aurez effectué la progression Do, Re et Mi.

Pour commencer à jouer de l’harmonica, vous devez trouver la bonne méthode de respiration . Vous partez de l’hypothèse technique que c’est le seul instrument à vent dans lequel des pauses sont nécessaires pour inspirer. Pour pouvoir harmoniser plusieurs notes à la fois, il sera utile de jouer des accords en soufflant dans deux ou trois trous en même temps. Il sera donc important d’avoir un meilleur contrôle de votre bouche et de votre respiration. Une autre étape est de pouvoir passer facilement des notes simples aux accords. Lorsque vous saurez comment faire ce pas, votre jeu fera un grand pas en avant. A ce stade, vous pouvez décider de continuer seul ou de consulter des textes spécifiques pour l’étude de l’harmonica ou de vous fier à des cours particuliers.

Un élément à aborder est celui du phrasé , qui implique une alternance constante entre l’inspiration et la respiration. Vous pouvez comprendre cette technique avec le saut des trous, qui vous permet des sons brillants et des phrases musicales plus complexes. La prochaine étape pour atteindre une maîtrise suffisante de l’instrument est de tenir correctement l’harmonica. Vos mains devront former une forme de coupe . Il faut placer la paume de la main droite sous le pouce de la gauche : cette position crée une sorte de caisse de résonance qui peut améliorer le son et le timbre de votre instrument.

Une fois que vous aurez essayé cette étape importante, il sera temps d’apprendre à boucher correctement les trous à l’aide de votre langue. Avec cette technique, vous pouvez simplement changer des notes individuelles en accords agréables. Il faut utiliser le bout de la langue pour arrêter certaines notes de jouer puis l’enlever immédiatement pour les faire résonner. Pour obtenir un minimum d’élasticité, vous devrez vous entraîner patiemment .

Une fois que vous aurez surmonté cet « obstacle », vous serez prêt pour une utilisation occasionnelle de cet outil.

 

C’est facile de dire guitare électrique : cet instrument, désormais partie intégrante de l’histoire de la musique, se démarque dans des dizaines de modèles qui donnent des sons complètement différents. Du design à la sonorité, chaque instrument est unique et offre des sensations et des émotions inimitables. Choisir la guitare électrique qui convient le mieux à votre style est donc une tâche très délicate : dans cet article nous vous donnons un petit coup de pouce, vous guidant dans votre choix à travers 5 étapes simples.

L’élément fondamental à prendre en compte lors du choix d’une guitare électrique est la sonorité : c’est en fait le timbre de l’instrument qui affecte le plus le style du guitariste et, comme nous l’avions anticipé, différentes guitares donnent naissance à des sons complètement différents. Voyons ce qui affecte le son d’une guitare électrique :

#1 ÉVALUER LA QUALITÉ DU BOIS ET DE LA CONSTRUCTION

Il est communément admis que le son d’une guitare électrique dépend presque entièrement de l’électronique – système de prise de son et d’amplification – et très peu des autres composants. Cette croyance est vraie jusqu’à un certain point, puisqu’il a été observé qu’une même électronique montée sur des bois différents engendre des timbres très différents . La résonance du bois à la fois du manche et du corps affecte la vibration des cordes, les enrichit d’harmoniques, et a donc finalement un impact différent sur le champ magnétique des micros. En termes simples : différents bois contribuent à créer des sons différents.

Dans les guitares électriques de basse qualité, les bois sont moins résonnants et les composants sont assemblés sans prêter une grande attention à la transmission des vibrations d’un composant à l’autre (par exemple, entre le manche et le corps). Plus la qualité est élevée, plus les bois sont capables de « chanter » et de colorer le son avec des nuances uniques ; les bois les plus utilisés sont l’érable, le frêne, l’épicéa, l’acajou, l’aulne et bien d’autres plus ou moins précieux. Lors du choix d’une guitare électrique, essayez différents modèles faits de différents matériaux, et écoutez le son qui est produit jusqu’à ce que vous trouviez le type de vibration que vous préférez !

#2 SOYEZ CONSCIENT DES DIFFÉRENCES ENTRE LES TYPES DE GUITARE

Outre le bois utilisé et la qualité de l’assemblage, les guitares électriques se distinguent également par le corps qui les constitue, cet élément communément appelé caisse de résonance . Voyons les principaux types parmi lesquels vous pouvez choisir :

#3 CHOISISSEZ LE TYPE DE PICK-UP QUI CONVIENT LE MIEUX À VOTRE STYLE

Dans une guitare électrique, les micros sont les composants qui convertissent les vibrations des cordes en une impulsion électrique, envoyant le signal au système d’amplification qui produit le son.

A l’origine, c’est le simple bobinage , le premier micro jamais inventé qui a commencé l’épopée de la guitare électrique. Le premier électrique, créé dans les années trente du XXe siècle par George Beauchamp, était équipé de ce pick-up et s’appelait poêle à frire (poêle à frire) en raison de sa forme qui rappelait cet instrument de cuisine. Dans les années 1950, les humbuckers sont apparus , un deuxième type de micro conçu pour éliminer le bourdonnement d’un simple bobinage. Ces deux types restent encore la référence pour ceux qui abordent la guitare électrique :

# 4 QUELLE EST L’IMPORTANCE DE LA MARQUE ?

Dans le monde des guitares électriques, la marque est tout. Les marques les plus célèbres se sont taillé une place dans la légende et ont créé des instruments uniques, dotés de caractéristiques très précises et qui sont devenus au fil du temps des modèles de référence. Dans le choix d’une guitare électrique, il est donc indispensable de mâcher quelques informations sur les modèles les plus connus, puisqu’ils sont la pierre de touche de toutes les guitares existantes, y compris d’autres marques.

#5 COMBIEN DÉPENSER ?

Lors du choix d’une guitare électrique, le prix joue certainement un rôle important. Si vous êtes débutant, il n’est pas nécessaire d’acheter un modèle haut de gamme, car au début la plus haute qualité n’est pas perçue et n’a pas encore besoin d’être améliorée.

Cela ne signifie pas pour autant abandonner les modèles légendaires : tant Fender que Gibson (via sa marque Epiphone) produisent des variantes moins chères des guitares historiques , avec des prix à partir de la base 200-300 euros et dépassant rarement 1000 euros .

Vous avez maintenant toutes les informations de base dont vous avez besoin pour choisir une guitare électrique. Si vous voulez vous faire une idée des modèles et des prix les plus populaires, vous pouvez visiter la section Dampi dédiée aux guitares électriques, où vous trouverez un vaste choix adapté à tous les goûts :

Le rock est un genre de musique qui incarne la rébellion juvénile par excellence. Développé aux États-Unis et au Royaume-Uni dans les années 1950 et 1960. Elle tire ses origines d’autres genres tels que le rock and roll, le rhythm and blues et la country, mais aussi la musique folklorique . L’instrument principal est la guitare électrique , mais la basse électrique et la batterie jouent également un rôle important Il englobe de nombreux sous-genres musicaux qui se sont développés au fil du temps. Ainsi qu’il a lui-même été influencé par la soul, le funk et la musique latine . Le rock a changé de style au fil des années, s’adaptant aux modes et coutumes de l’époque. Mais même lancer le leur.

 

Le rock trouve ses origines à la fin des années 1930, avec Big Joe Turner en étant l’un des précurseurs avec son album Roll ‘Em Pete de 1939, mais aussi Sister Rosetta Tharpe, qui a réalisé des hits dans les charts pop en 1938. avec ses chansons gospel. Bien que nous ayons d’autres enregistrements majeurs dans les années 40, c’est avec Rocket 88, de Jackie Brenston et ses Delta Cats (écrit par Ike Turner, 19 ans) enregistré pour le label Sun Records en 1951 que nous abordons le rock’n blues. Ainsi qu’avec d’autres enregistrements de l’époque, comme Rock Around the Clock de Bill Haley and His Comets, Great Balls of Fire et Bo Diddley / I’m a Man de Bo Diddley, ou Maybellene et Roll over Beethoven de Chuck Berry.Cependant, selon le magazine Rolling Stone, That’s All Right (Mama) d’Elvis Presley (1954) est le tout premier album rock’n’roll. Cependant, on peut dire que dans les années 50 le Rock fait sa première apparition sous forme de Rock’n roll.

Dans les années 60, le Rock devient reflet

Dans la décennie suivante, cependant, le Rocher subit sa première transformation. Non plus seulement conçu pour faire danser et divertir les jeunes, mais il est aussi important de faire réfléchir les gens . Ainsi est né en Amérique Folk et la première forme d’écriture de chansons. L’artiste qui incarne le plus ce changement est Bob Dylan, avec des morceaux de protestation et d’engagement social. L’apport du duo new-yorkais Simon & Garfunkel sera également important , dont The Sound of Silence sera d’abord acoustique puis remixé avec des guitares électriques. Cependant, c’est la Grande-Bretagne qui devient le nouvel épicentredu Rocher. Avec des hurleurs et des schitarrates prêts à secouer les nouvelles générations, les inciter à la rébellion et changer la société bourgeoise dans laquelle ils vivaient. Surtout, les Beatles et les Rolling Stones incarnaient cette tendance Ce qui va renverser les flux : ce seront les Britanniques qui importeront de la musique aux States. Et ils ont eu un impact incroyable sur les nouvelles générations, au point de donner lieu à une compétition médiatique entre elles. Mais il y a aussi d’autres groupes qu’il faut mentionner : les Kinks , qui selon les experts ont enregistré un hard rock pour la première chanson (You Really Got Me) en 1964. Et puis les Cream, les Moody Blues, les Animals, les Yardbirds, les Petits Visages et les Qui.

En plus du folk et du rock électrique, d’autres genres d’une grande profondeur dans les années 60 étaient le blues, la country, le garage rock et le rock psychédélique. Parmi les principaux représentants on se souvient de Frank Zappa, Jimi Hendrix, les Beach Boys, le Velvet Underground, les Eagles, les Doors. Faire passer ces auteurs avant tout des messages pacifistes et amoureux , par opposition aux guerres (notamment celle du Vietnam) et à l’individualisme.

Années 1970 : le rock devient psychédélique et progressif

Influencer le Rock dans la décennie suivante est avant tout psychédélique. Le rock redevient évasion, détachement de la réalité. Bien que cette tendance ait déjà commencé à la fin des années 1960. Pour écrire des pages mémorables de ces années, Pink Floyd, Led Zeppelin, David Bowie, Lou Reed (hors du Velvet Underground), Iggy Pop, Kiss . Mais ils ont aussi donné naissance à un autre courant Rock : le Glam . Par ce terme, nous entendons le fait que les artistes ont porté un soin particulier à l’aspect esthétique, tantôt de manière farfelue, tantôt de manière classique. Lancement des modes et des tendances.

Un autre genre en vogue dans les années 70 est le Progressif. Parmi les principaux représentants on se souvient de Genesis (avec Peter Gabriel), Jethro Thull, Emerson, Lake & Palmer, Gentle Giant et Van der Graaf Generator. Une particularité de ce genre est qu’il ajoute aux instruments traditionnels d’autres instruments tels que la flûte, différents types de saxophone (sax ténor, sax soprano, sax alto), contrebasse, claviers et clarinette . Rendre les sons mélodiques, accrocheurs, oniriques mais aussi psychédéliques. Notre pays avait aussi des représentants importants dans le Progressif : Goblin, Le Orme, Area et les Nouveaux Trolls.

Dans les années 70, cependant, d’autres genres régnaient également : le Punk Rock et les groupes les plus importants étaient les Ramones, les Sex Pistols et les Clash. Bien qu’il soit né grâce au Velvet Underground, avec le soi-disant proto-punk. Mais aussi les genres hard rock et heavy metal. Pensez à Black Sabbath et Deep Purple, et plus tard à Iron Maiden, Aerosmith, Europe, AC/DC, Queen, Motörhead, Rainbow, Scorpions , Kiss, etc.

Les années 80, entre post-punk et New Wave

Les années 80 seront marquées par d’autres extrêmes du Rock, comme le Death metal, le Black metal et le Power metal. Contenant principalement des messages sombres et sataniques. Notamment le speed metal, dont le groupe le plus connu sera Metallica. Mais ce qui marquera vraiment cette décennie pour le Rock, ce sera le post-punk et la New Wave. Des sons sombres, des paroles résignées qui se traduisent par l’automutilation, la mélancolie, le nihilisme et la dépression. Repentez-vous auprès de The Cure, Talking Heads et Joy Division. Cependant, un autre genre est également né, qui a donné lieu à un son plus pop : le genre New Romantic . Dont les principaux représentants étaient le Duran Duran et le Spandau Ballet.

Les années 80 se sont également poursuivies sous le signe du Glam Rock, après tout on parle d’une décennie hédoniste et excentrique. Pensez à Aerosmith, Europe, Bon Jovi ou Queen . Dans cette décennie, les claviers, comme les cheveux longs, ont pris une certaine importance, tout comme les guitares électriques. En fait, on parle aussi de rock électronique. Avec la naissance de MTV , il devient également important d’accompagner les chansons d’un clip vidéo . La coutume toujours en vogue aujourd’hui.

Années 90 : Le Grunge arrive, la dernière révolution du Rock

Dans les années 1990, les guitares électriques deviennent plus en colère que rebelles. Les jeunes ne cherchaient plus les espoirs, les illusions et le désir de changement dans la musique. Mais seulement un moyen d’évacuer leur malaise, plus désabusé et moins rêveur que les générations précédentes. Pour refléter pleinement cette tendance , la musique Grunge , qui mélange le heavy metal et le punk rock, mais aussi le punk hardcore, le hard rock et le post-hardcore. Née à Seattle au milieu des années 80, elle trouve son groupe phare à Nirvana . Mais Pearl Jam avait aussi son mot à dire.

Un autre genre Rock en vogue dans les années 90 est la Brit Pop , qui trouve son expression maximale dans le dualisme Oasis-Blur . Pas mal aussi la réponse commerciale de Gothic Rock , dont le représentant maximum sera l’Australien Nick Cave.

Quand la musique caribéenne rencontre le monde

Le reggae est un style musical qui s’est développé au milieu des années soixante du vingtième siècle en Jamaïque, en particulier dans la capitale Kingston, comme la dernière étape d’un processus de rencontre et de fusion de différents genres musicaux. Le reggae avait des liens avec le mouvement religieux du rastafarisme, tandis que la figure clé de son affirmation mondiale était Bob Marley, considéré comme une sorte de prophète pour ses messages de paix.

Musique en Jamaïque

Les origines du reggae peuvent être attribuées à des formes anciennes de musique caribéenne telles que la kumina (héritage du peuple congolais déporté au 17ème siècle dans l’est de la Jamaïque) et les chansons et rythmes Nyabinghi , également un héritage de la culture africaine à laquelle il vous a inspiré le rastafarisme, un mouvement religieux et politique qui s’est établi sur l’île au début des années 1930. Ce mouvement est devenu la référence de la spiritualité reggae. Fondé sur la relecture des prophéties bibliques et sur le retour utopique aux terres d’origine en Afrique, le rastafarisme considérait l’empereur d’Éthiopie, Hailé Sélassié Ier, le Messie.

Certains aspects de ce mouvement, comme le rituel de consommation de marijuana ( ganja ), dépouillé de son caractère sacré, et les coiffures dreadlocks (mèches de cheveux nouées en tresses) deviendront plus tard partie de la culture pop.

Le ska et le rocksteady

Le reggae est issu d’un mélange de sons caribéens et nord-américains, tels que le rhythm’n’blues , le jazz et le chin (musique folk jamaïcaine pour guitare acoustique, banjo et percussions). Cependant, les éléments les plus reconnaissables et décisifs pour la formation du reggae sont le ska et le rocksteady . Les premiers sound systems , des discothèques ambulantes constituées d’un plateau actionné par un disque jokey (ou sélecteur ) et de haut-parleurs placés sur des plateformes mobiles ou sur des véhicules, avaient commencé – entre les années cinquante et soixante du 20e siècle – à propager le rythme ‘n’ bleusvenant des États-Unis. Prince Buster et Clement ‘Coxsone’ Dodd, initialement sélectionneurs de musique, et avec eux d’autres qui appartenaient au studio d’enregistrement Kingston Studio One, ont réinterprété ces sons en changeant les accents du rythme optimiste et en donnant naissance au ska – onomatopée dérivée de la rythmique effet des cordes de la guitare – qui combinaient souvent l’utilisation d’instruments électriques et de percussions avec celle d’instruments à vent. Le ska a été la bande originale des années de luttes pour l’émancipation de la Jamaïque, qui était alors une colonie du Royaume-Uni, dont, en 1962, elle a obtenu son indépendance.

Dans la seconde moitié des années 60, une variante moins agressive et rapide du ska , le rocksteady , s’implante dans les quartiers tristement célèbres de Riverton City et Trenchtown , médiatisée par une approche plus proche de la soul music et attentive à la vocalité, dont Alton Ellis est le principal interprètes, Derrick Morgan et des groupes vocaux tels que Heptones et Melodians.

Affirmation et diffusion du reggae

A la fin des années 60, le ska et le rocksteady évoluent vers une forme plus complexe et articulée, le reggae proprement dit, qui maintient le tempo du 4/4 optimiste et accentue la fonction rythmique de la guitare, dont l’accompagnement, basé sur la technique de percussion des cordes retenu pour obtenir un effet mat semblable à un coup, était l’élément distinctif du genre. Les premiers héros du reggae furent les Wailers (un groupe dirigé par la future légende du reggae Bob Marley ), Toots and the Maytals and the Upsetters, tous liés aux idéaux du rastafarisme.

Au cours des années 70, le reggae connaît une diffusion internationale grâce à des albums tels que Burnin’ (1973), Natty Dread (1975) et Exodus (1977) de Bob Marley and the Wailers, Legalize it (1976) de Peter Tosh et The Hard They Come ( 1972) par Jimmy Cliff et divers artistes. Le phénomène s’est également affirmé de manière puissante en Grande-Bretagne, où il y avait une importante communauté caribéenne, et où des groupes comme Steel Pulse et UB40 et le poète et musicien Linton Kwesi Johnson ont dominé la scène.

Le succès mondial du reggae est certainement lié aux interprétations de Bob Marley, figure clé de la diffusion du genre. Avec ses références insistantes aux messages de fraternité et de paix et grâce à la grande notoriété de sa musique, il s’est investi dans la communauté Rastafari au milieu des années 70, avec le rôle d’une figure mystique, rôle qui a ensuite été exalté par sa mort. pour maladie, en 1981.

Le Rock & Roll est né aux États-Unis à la fin des années 40 et au début des années 50 en tant que synthèse du Rhythm & Blues et de la Country , mais dans une moindre mesure par le Folk . Ce n’est que plus tard que ce type de musique a pris le nom plus générique de « musique rock ». La première chanson, considérée comme le début du Rock & Roll est The Fat Man , de Fats Domino (1949). La même année Rocket 88 , d’ Ike Turner et Jackie Brenston est candidat comme première chanson Rock de l’ histoire .

L’industrie du disque se rend compte qu’une musique nouvelle et passionnante émerge parmi les Noirs et tente d’exploiter cette opportunité en lançant Bill Haley , qui fonda en 1952 The Comets, qui peut être considéré comme le premier groupe de rock de l’histoire. Crazy Man Crazy , de Bill Haley & The Comets , fait irruption dans les charts Billboards, juste au moment où Elvis Presley enregistrait son premier album dans un studio de Memphis.

Les premiers Juke-Box commencent à se répandre aux États-Unis , jouant des 45 tours. Pendant ce temps, la société japonaise TTK (mieux connue aujourd’hui sous le nom de Sony), introduit sur le marché la première radio à transistors qui permettra la diffusion à grande échelle de la musique comme moyen de divertissement. Le premier grand succès est  Rock Around the Clock de Bill Haley, la première chanson à servir de bande originale au cinéma, confirme les prédictions et ouvre la voie à Elvis.

En réalité, quelque chose de vraiment révolutionnaire se produit cette année-là : Chuck Berry enregistre sa première session en studio. Les chansons, entièrement composées par lui (il peut d’ailleurs être considéré comme le premier auteur-compositeur-interprète rock de l’histoire) sont les premières à avoir la guitare comme instrument principal (jusqu’alors la guitare était un instrument secondaire), introduisant le double -stops gamme pentatonique (ce qui conduit inévitablement à une durée moyenne des chansons d’environ 3 minutes). Ses tubes : Roll Over Beethoven (1956), Rock and Roll Music (1957) et Johnny B. Goode(1958), rendent fous des milliers de jeunes blancs. Mais Berry est resté un phénomène de niche en raison de la couleur de sa peau. Ainsi que le nouveau rythme introduit par Bo Diddley dans Bo Diddley (1955) et Who Do You Love (1955).

En même temps que ces formes légères de rock & roll, le premier rocker à refléter l’esprit sauvage de ce genre musical est né. Le petit Richard a été le premier à se maquiller avant les spectacles et à montrer sa colère sur scène et en chansons. All Fruits (1955), Long Tall Sally (1956), Rip It Up (1956), Lucille (1957), Keep a Knocking (1957), Good Golly Miss Molly (1958), anticipez ce que le punk sera bien plus tard -rock.

L’ascension d’Elvis Presley

Pendant ce temps, Elvis Presley apparaît sur la scène musicale. Elvis chantait de la musique noire, ému comme un homme noir, mais il n’était rien de plus qu’une icône commerciale conçue pour exciter les adolescents américains.

Elvis est historiquement considéré comme le roi du rock. En réalité, le rock n’était rien de plus qu’une évolution du R&B noir. Mais un noir ne pouvait pas être le passeur, alors quel choix pourrait être meilleur qu’un personnage blanc charismatique qui chante le rock comme un noir ? Ainsi est née la première icône commerciale (il en existe aujourd’hui des centaines). Les caractéristiques sont connues : de longs favoris, une coiffure en touffe, une veste en cuir noir et un talent de composition discutable. Elvis devient la bannière de la rébellion jeunesse de l’époque, le premier chanteur à interpréter des films (il en fera des dizaines, souvent autobiographiques). Je dis chanteur, car beaucoup ignorent qu’il n’a écrit aucune de ses chansons, mais était simplement un interprète. A tel point qu’avec le temps Elvis abandonnera certains sons pour des ballades Rockabilly(une fusion de Rock et de Hillbilly, un mélange de Country et de R&B) plus adapté à ses cordes. Elvis a vendu 150 millions de disques et sa légende est toujours vivante aujourd’hui, tandis que de nombreux autres rockeurs blancs plus talentueux, tels que Jerry Lee Lewis ( Whole Lotta Shakin ‘Going On , 1957) et Eddie Cochran ( C’mon Everybody , 1959) , ont été infiniment moins réussi.

Cependant à cette période, les noirs sont encore une fois les plus révolutionnaires : on a les extraordinaires œuvres R&B de Big Joe Turner ( Shake, Rattle & Roll , 1957), les rythmes vaudous bizarres de Screamin Jay Hawkins ( I Put A Spell On You , 1956 ), et les innombrables compositions d’auteurs noirs, qui étaient souvent chantées par des interprètes blancs (notamment Elvis). On se souvient de All Shook Up , Great Balls of Fire d’ Otis Blackwell et Jailhouse Rock , Hound Dog de Jerry Leiber et Mike Stoller

Les changements affectent également les sujets traités dans les textes. Les auteurs occidentaux ont toujours attiré l’attention sur le thème de l’amour, tandis que les rockers noirs étaient les dignes héritiers des vrais bluesmen. Les gens de la rue chantent les difficultés de la vie. Ces thèmes ont commencé à se répandre parmi les auditeurs qui commençaient à vouloir se débarrasser des vieilles coutumes conservatrices de leur culture. C’était une période de révolutions : sociales, raciales, sexuelles. Nous sommes au début des années 60 et le rock (avec la drogue et le sexe) devient le drapeau des jeunes. Le respect est mis de côté au profit de la perversion et de l’imprudence. Il n’y avait plus de garçons blancs et de garçons noirs, mais une nouvelle « jeunesse brûlée ».

La révolution est imparable. La musique folklorique européenne et la musique africaine se confondent, donnant vie au  ska . Les premiers groupes féminins sont nés, les Chordettes ( Lollipop , 1958), et Les Chantels ( Maybe , 1958). Link Wray , le plus grand auteur de rock instrumental des années 50, enregistre Rumble (1958), inventant les power chords et influençant efficacement tous les guitaristes de hard rock à venir dans les années 60. Tous ces changements ont favorisé l’avancée des labels indépendants, dont ils ont vu les ventes augmenter de façon spectaculaire. Ce sera un label indépendant, Atlantic , qui produira le premier album de Ray Charles, qui avec I Got a Woman (1955) invente la musique soul .

Mais la révolution la plus incisive, qui inspirera des groupes comme les Beatles et la suite British Invasion , sera l’œuvre de Buddy Holly . Une révolution musicale ( Everyday , Words of Love , 1957 ) et stylistique . En fait, Buddy Holly est le premier bon gars du rock. Des lunettes épaisses et un regard innocent et calme qui contraste avec celui subversif d’Elvis. Holly invente aussi le chanté par à-coups et la double voix (que les Beatles utiliseront beaucoup).

La mort de Buddy Holly en 1959 est historiquement associée à la fin de l’âge d’or du rock & roll . La charge s’épuise et les rythmes dociles du Country reviennent prédominer sur les rythmes frénétiques du Blues. C’est l’ère des émergents Johnny Cash , Roy Orbison , Everly Brothers . Un courant de songwriting pop est également né, qui comprenait Pat Boone , Paul Anka , Ricky Nelson , Frankie Avalon , Neil Diamond , Frank Sinatra . Des sons anciens et peut-être stéréotypés, mais qui seront bientôt démystifiés par des artistes tels que Gene Pitney , Dion DiMucciet surtout Del Shannon .

Les leaders du hard rock

Groupe de rock anglais actif entre 1968 et 1980, formé par Robert Plant, Jimmy Page, John Paul Jones et John Henry Bonham, Led Zeppelin est unanimement considéré comme le plus autoritaire des précurseurs du genre heavy metal, créateurs d’un mélange original entre hard rock , blues et tradition folk anglo-saxonne

Les origines

La naissance du groupe Led Zeppelin à l’été 1968 vient de la dissolution du groupe de rock anglais Yardbirds. Le guitariste Jimmy Page, qui l’avait rejoint l’année précédente, après la sortie de Keith Relf, ​​James McCarty et Chris Dreja, choisit comme collaborateurs du nouveau groupe New Yardbirds le bassiste John Paul Jones, le chanteur Robert Plant et le batteur John Bonham.

Les quatre musiciens décident fin 1968 de changer le nom du groupe en Led Zeppelin , le dirigeable historique allemand du début du XXe siècle. Renforcée par une crédibilité acquise dans leurs expériences musicales antérieures respectives, dans les premiers mois de 1969 , ils ont sorti l’album Led Zeppelin , avec des chansons épiques tels que Dazed et confus et Tu me tremblaient , avec une menaçante démarche, réinterprétation personnelle des bleus de crème et Jimi Hendrix .

Les premiers succès

Dès les premiers temps, Led Zeppelin s’est forgé une réputation de très bon groupe live, d’autant plus que le deuxième album – Led Zeppelin II – a été enregistré dans les pauses de la longue tournée de 1969. L’impact est encore plus agressif et psychédélique, voire dur. au sens le plus extrême du terme ; Moby Dick en est un exemple : ici le talent percussif de Bonham et l’apport massif du groupe font de cette chanson un pas vers ce que l’on appellera le heavy metal .

Quand le son de Led Zeppelin est sur le point de se fossiliser, avec Led Zeppelin III (1970) le groupe combine l’assaut dur de la chanson Immigrant avec l’approche folk de Gallows pole , une ballade britannique du 19e siècle déjà revécue dans le blues retravaillé de l’Afro-américain Ventre de plomb.

Entre mysticisme et ésotérisme

Un penchant pour le mysticisme, les mystères de l’occultisme et un intérêt pour l’histoire du folk anglais guident Led Zeppelin dans l’enregistrement de Led Zeppelin IV , où apparaît la ballade La bataille d’Eversore – dans laquelle Page s’essaye à la mandoline – et dans l’épopée Stairway to Heaven , manifeste du groupe aux prises à la fois avec de délicats arpèges folk et des virées hard rock endiablées. Ce n’est pas un hasard si le groupe se concentre sur les pratiques ésotériques et la doctrine magique de l’occultiste Alesteir Crowley, qui a vécu entre le 19e et le 20e siècle et considéré comme le précurseur du satanisme moderne. L’aura magique qui se crée autour de Led Zeppelin ne fait qu’ajouter à son charme.

Au printemps 1973, le son du quatuor connaît un nouveau tournant : l’album Houses of the Holy sort , qui contient de curieuses digressions dans les genres funk ( The crune ) et reggae ( D’Yer Mak’er ), sans oubli de la veine acoustique (la mélancolie et recueillie La chanson de la pluie ). Dans cette période Led Zeppelin a également enregistré les chansons qui sortiront en 1976 sur l’album live La chanson reste la même et dans le film du même titre au Madison Square Garden .

La fin soudaine

En 1974 le groupe interrompt après cinq ans l’activité live pour la gestion de leur label, The Swan song , pour lequel ils sortent en 1975 le double album Physical graffiti , qui projette le groupe vers de nouvelles ambiances musicales. Kashmir est un mantra hypnotique où l’arrogance des percussions de Bonham se mêle à des arrangements obsessionnels pour cordes, tandis qu’ailleurs le hard rock se mêle au funk (comme dans Custard pie ). Le prochain album Presence, de 1976, suit le précédent sans reproduire sa grandeur. Entre 1975 et 1977, Plant a connu deux drames qui ont ralenti la course du groupe : un accident de voiture et la mort de son fils Karac, âgé de six ans.

Après deux ans, en 1979 sort l’album In through the out door , aux sonorités les plus pop et qui est la moins joyeuse du groupe. En septembre 1980, John Bonham décède après une nuit d’excès alcooliques. La formation trois mois plus tard décrète la fin de son histoire. En 1982, Coda est sorti , une collection de documents inédits enregistrés entre 1969 et 1978.

Le patron

Musicien de rock américain, Bruce Springsteen, au cours d’une longue carrière qui a débuté dans les années 1960, a nourri et perpétué le mythe du rêve libertaire américain. Dans le sillage de la tradition de Bob Dylan, il a su chanter la grandeur et les contradictions de la société américaine, offrant une grande fresque de son pays en vers et en musique

La vocation du rock

Bruce Frederick Joseph Springsteen est né à Freehold Borough (New Jersey) en 1949, dans une famille provinciale de la classe moyenne. Capturé depuis l’enfance par la longue vague du succès rock’n’roll, il met en 1965 sa passion pour Elvis Presley et Bob Dylan à bon escient en rejoignant les Castiles, un groupe de rock inspiré du beat anglais qui se produit sur le circuit de Greenwich. village de New York. La brève expérience avec le groupe le convainc d’emprunter la voie du rock et en 1969, après d’autres expériences musicales sporadiques (dans les groupes Earth et Child), il donne naissance à Still Mill avec Danny Federici, Vinnie Lopez et Steve Van Zandt.

Une saison intense de concerts à travers les États-Unis avec une excellente réponse du public et des critiques a attiré l’attention des maisons de disques, mais en 1971 Springsteen a dissous le groupe pour chercher de nouvelles solutions.

En 1972, il obtient une audition pour Columbia et plus tard un contrat. Avec Vinnie Lopez, Clarence Clemons, Garry Tallent et David Sancious, il a enregistré le premier album Greetings from Asbury park, NJ. Le groupe, rebaptisé E Street Band , a fait ses débuts en direct sans Sancious et avec Danny Federici à la fin de la même année, commençant une activité live épuisante et légendaire. L’année suivante, les débuts du nouveau groupe sont publiés, dans lesquels l’approche de l’écriture de chansons est soutenue par un solide cadre rock. Pour Springsteen, c’était un album de passage à l’âge adulte, attentif à l’univers de la province américaine et de ses drames cachés.

La voix de l’Amérique

Le suivant, The wild, the innocent & the E Street shuffle , plus médité, avait un impact moins rock’n’roll mais un souffle lyrique plus large, signe de la maturation de l’auteur Springsteen ; il représentait aussi le baptême de cette poétique qui allait éclairer toute sa production, centrée sur les thèmes de la désillusion et de l’évasion.

L’enthousiasme autour de Springsteen et de son groupe grandit et quelqu’un sentit en lui l’avenir du rock’n’roll. Après quelques changements au sein du E Street Band et l’entrée dans le line-up du guitariste Steve Van Zandt, le musicien sort en 1975 son premier album à succès, Born to run , né d’un impressionnant travail de production. L’impact de Springsteen sur le marché du disque a été énorme, à tel point que l’hebdomadaire Time lui a dédié la pochette. La chanson titre était la partie qui représentait le tout : une fresque dramatique et romantique de la vie américaine entre rébellion rock’n’roll et introspection, dans laquelle on capte le besoin désespéré de trouver enfin une issue.

Bloqué par des problèmes contractuels liés à un litige contre le manager Mike Appel concernant l’utilisation du répertoire, Springsteen n’est revenu sur le marché du disque qu’à la mi-1978 avec L’obscurité à la périphérie de la ville . Cette fois, au centre de l’attention de l’auteur-compositeur se trouvait l’histoire amère d’une Amérique sous-payée mais fière de la classe ouvrière.

En 1980, il sort le double The river – une continuation idéale des thèmes du précédent mais moins agressif du point de vue musical – qui peut être considéré comme un pont vers les solutions acoustiques de Nebraska (1982), dix chansons folk-rock pour guitares acoustiques et électriques, voix et harmonica, où il a exploré des histoires encore plus dramatiques de marginalité criminelle.

Succès, politique, droits de l’homme

Au cours des deux années suivantes, Springsteen, qui avait gagné le surnom de The Boss pour l’autorité avec laquelle il dirigeait des performances live énergiques, a écrit près d’une centaine de chansons pour ce qui s’est avéré être son album le plus connu et le plus célébré, Born in the usa ( 1984), un virage inattendu vers une production plus fluide et plus pop , mais pleine de singles mémorables comme I’m on fire , Glory days , Dancing in the dark et Born in the usa.

Le morceau qui a donné son titre à l’album est devenu un hymne acclamé, dont la lecture se prêtait à de multiples interprétations. Utilisée par le Parti républicain américain lors de la campagne pour la réélection du président Ronald Reagan, la chanson raconte l’histoire d’un vétéran du Vietnam qui, parti pour éviter la prison, ressent de retour chez lui l’hostilité des manifestants de la guerre et perdu toute foi dans le rêve américain se retrouve piégé dans une vie cauchemardesque. L’album est un incroyable succès commercial : pendant plus d’un an, il ne sort pas du top 10 des albums les plus vendus.

En 1985 il participe à l’enregistrement du single We are the world made by usa for Africa afin de récolter des fonds pour les populations africaines touchées par la famine, et du single contre l’apartheid Sun city .

En 1987, Tunnel of love est sorti , où l’artiste a enquêté sur le monde des relations amoureuses avec la même urgence dramatique que toujours. L’année suivante, il affrontait les dates des Droits de l’ Homme maintenant ! une tournée organisée par Amnesty International , et licencie le E Street Band pour s’appuyer sur des musiciens embauchés à tour de rôle. Les performances live sans fin et à fort impact auxquelles Springsteen s’est consacré au fil des ans ont fait l’objet de milliers de bootlegs non autorisés .

Entre les années 80 et 90

En 1986, une collection complète de chansons live a été publiée sous le titre Live 1975-1985 . Pendant ce temps, Springsteen a travaillé sur les chansons de Human touch et sur une partie des chansons qui apparaissent dans Lucky Town . Les deux albums sortent fin mars 1992 et sont considérés par la critique comme des épisodes transitoires dans lesquels la poésie urbaine se dissout dans des thèmes plus génériques. Le succès le plus constant des années 90 est représenté par une chanson, Streets of Philadelphia , qui en 1994 a valu à Springsteen l’Oscar de la meilleure chanson.

La même année, l’auteur-compositeur-interprète se lance dans un album qui n’a jamais vu le jour ; plus tard cependant, réformé temporairement le E Street Band, il enregistre quelques chansons pour une anthologie qui rassemble le meilleur de sa production, Greatest hits (1995). Dans cette même période, il sort un album qui le ramène à l’atmosphère du Nebraska , à savoir Le fantôme de Tom Joad .

Cet album, le plus expressément politique de Springsteen, s’inspire du chef-d’œuvre cinématographique de John Ford de 1940, Furore , et propose un parallèle troublant entre la Grande Dépression qui a ravagé les États-Unis dans les années 1930 et la situation économique et sociale des années 1990. . Cette œuvre n’était pas un best-seller, mais elle a remporté un Grammy Award en 1997 pour le meilleur album folk contemporain.

Contre les injustices et pour la paix

En 1999, Springsteen a réuni le E Street Band pour entrer dans l’Olympe de la musique rock, le Temple de la renommée du rock ‘n’ roll, et avec cette même formation, il a ensuite repris le jeu systématiquement en direct. En juin 2000, le musicien revient au centre de l’attention du monde entier après avoir joué American skin (41 coups) en direct à Atlanta , une chanson qui raconte l’histoire d’Amadou Diallo, un immigré africain tué par la police à 41 coups de fusil pendant une simple vérification.

L’année suivante, il sort le double album live Live in New York City et le 21 septembre, il participe à l’émission télévisée spéciale honorant les victimes des attentats terroristes du 11 septembre au World Trade Center de New York. La tragédie des Twin Towers a également inspiré The Rising (2002), un album qui marque un retour au rock ‘n’ roll robuste des premiers jours et témoigne du sentiment de perte et de perplexité de tout le peuple américain.

La tournée suivante a vu Springsteen utiliser la scène pour des messages de paix et des proclamations politiques contre la guerre en Irak ; en octobre 2004, le musicien a également participé à la tournée Vote for change , dans le cadre de la campagne électorale présidentielle du candidat démocrate John Kerry. En avril 2005, c’est au tour de Devils & dust , un autre album acoustique sans le soutien du E Street Band, qui propose une nouvelle fois un voyage dans le côté obscur de l’Amérique et de l’âme humaine.

Un trio entre pop et rock

Le groupe de rock anglais polyvalent The Police, né en 1977 à Londres, a créé un langage sans précédent sur la scène musicale à la fin des années 70 et au début des années 80.

du vingtième siècle, ajoutant les préceptes du rock avec des éléments de punk, de new wave et de reggae. Même si dans un laps de temps très limité, la Police a su s’imposer parmi les groupes les plus significatifs

De Londres aux États-Unis

Le groupe Police, formé par Gordon Matthew Sumner, dit Sting (chant et basse, 1951), Andy Summers (guitare, 1942), Stewart Copeland (batterie, 1952), fait ses premiers pas en 1977 dans le Londres de l’explosion punk , sous l’influence de l’attitude énergique et agressive de formations telles que Damned et Sex pistols. Sting est issu d’une formation jazz-rock, Last exit; Copeland de l’un des groupes du circuit de rock progressif, Curved Air ; Andy Summers était un guitariste anciennement au service du groupe Kevin Ayers et de Soft machine.

Sous la houlette de Miles Copeland, le frère de Stewart, ils obtiennent en 1978 un contrat avec le label A&M, et après une activité live épuisante , qui les voit également débarquer aux États-Unis, ils arrivent en 1978 à la réalisation du premier album. Outlandos d’amour , un beau succès international, traîné dans les charts par les singles Roxanne et Can’t stand lost you , excellents exemples de fusion entre reggae et wave .

Trois albums pour conquérir la gloire

Le groupe s’est concentré sur un rock rapide et nerveux et a compté sur la capacité technique de Copeland, batteur avec un guide rythmique imaginatif et précis, sur la créativité et les timbres de Summers et sur la présence scénique de Sting, habile narrateur d’histoires privées et communes, dont la voix nasale est immédiatement devenue un élément distinctif du groupe. La formule d’ Outlandos d’amour est reprise avec un égal succès fin 1979 à l’occasion de la parution du deuxième ouvrage, Reggatta de blanc , album qui place le groupe en tête des charts anglais pendant de longues semaines grâce à la singles Message in a bottle et Walking on the Moon .

Grâce à un intense tour de force live et à l’excellente qualité des concerts, les Police ont été reconnus parmi les meilleurs groupes de rock du monde, comme le confirme en 1980 le troisième album de Zenyatta Mondatta . Atténuant sensiblement la charge rageuse des débuts, The Police a touché le grand public avec des chansons qui touchent des territoires plus pop comme Don’t stand so close to me et De do do do, de da da da .

Au début de 1981, les trois font face à l’album le plus ambitieux de leur production, Ghost in the machine , sous la direction du producteur Hugh Padgham qui accentue encore leur tendance pop.

Le dernier succès

Après près d’un an de relative tranquillité artistique – au cours de laquelle Sting a travaillé sur The Two Faces of Evil de Richard Loncraine (1982), Copeland a écrit la partition de Rusty the Wild de Francis Ford Coppola (1983) et Summers a collaboré avec le guitariste.Robert Fripp (ancien leader de King Crimson) -, à l’aube de 1983, la police a commencé l’écriture des chansons de Synchronicity , l’album le plus hétérogène et expérimental de leur carrière, où alternaient des chansons pop linéaires et faciles à prendre comme Every Breath you take. des manèges rock comme Synchronicity II et des chansons plus conciliantes avec un effet curieusement aliénant comme Wrapped around your finger etThé au Sahara .

L’album a attiré des foules immenses à leurs concerts au Shea Stadium de New York et à la Wembley Arena de Londres. Au sommet de leur succès, en raison de tensions au sein du groupe, les Police en mars 1984 lors de la tournée en soutien à Synchronicity décident d’arrêter temporairement leur activité après un concert organisé à Melbourne.

Sting est apparu dans le film de science-fiction Dune (1984) de David Lynch et en 1985 s’est lancé dans ce qui s’est avéré être une brillante carrière solo avec Le rêve des tortues bleues . Le groupe s’est permis deux dernières apparitions officielles : en juin 1986 à la tournée Conspiracy of Hope pour célébrer le 25e anniversaire de l’association internationale Amnesty, et en 2003, lorsqu’il a été admis au Temple de la renommée du Rock and roll.

Bandes rebelles

La musique punk est née et s’est développée en Grande-Bretagne et aux États-Unis au milieu des années 1970 en tant que phénomène de rébellion. La provocation ouverte, parfois même colérique, envers les canons bourgeois de la société bien-pensante était en antagonisme explicite avec les tendances de la musique pop de cette période.

Les origines du phénomène

Le terme punk en anglo-américain signifie « matériel de mauvaise qualité » ; il désigne un jeune homme enclin à l’activité criminelle, tandis que punke apparaît déjà utilisé par William Shakespeare pour « prostituée » ou même pour « racaille ».

Le qualificatif punk associé à la musique apparaît pour la première fois au début des années 70 en référence aux groupes de la décennie précédente puis définit des groupes de garage (Sonics, Count five, Standells) pour indiquer une approche sauvage, énergique et minimale du rock’n’roll. .

L’explosion de ce genre musical remonte à la seconde moitié des années 70 aux États-Unis et en Grande-Bretagne, dont le son se caractérise par l’utilisation massive de guitares électriques en distorsion à haut volume. Les premiers signes du punk sont pourtant déjà perceptibles dans des groupes américains tels que Velvet underground, MC5 et Stooges, actifs une décennie plus tôt, ainsi que dans l’attitude destructrice des English Who, parmi les premiers groupes de rock des années soixante à donner corps à la frustration jeunesse existentielle.

Une période de reflux

Les premiers signes du punk sont enregistrés sur un marché du disque dans une phase de reflux intense, tandis que le rock perd sa composante vitale et rebelle.

Une fois l’ère de la contre-culture hippie archivée , la musique disco se prépare à conquérir un large public de tous âges avec son invitation inoffensive à la danse, tandis que le rock progressif de groupes tels que Yes, Genesis, Emerson, Lake & Palmer atteint des niveaux élevés d’auto- satisfaction et semble avoir sacrifié la voie du rock pour une recherche formelle plus proche de la musique cultivée. La pop dite transnationale ( pop ) domine les charts du commerce mondial , conditionnée pour toucher un public le plus large possible.

Mouvement de rupture

Depuis ses débuts, le punk est un mouvement qui rompt avec la respectabilité musicale, intolérant aux mécanismes et à la discipline de la vie quotidienne et réfractaire aux politiques conservatrices.

Le goût de la provocation, l’outrage à la pudeur publique, la recherche d’une esthétique choquante dans les vêtements et les coiffures obtiennent comme réponse le reproche de la société bien-pensante. Initialement rejeté par les multinationales du disque (mais commercialisé ensuite dès les premiers signes de succès), le punk adopte la stratégie de l’autoproduction et de l’autopromotion, créant un marché libéré de la logique de l’industrie musicale.

Les grands protagonistes

Aux États-Unis la scène est hétérogène, comme en témoigne la communauté musicale d’avant-garde new-yorkaise surpeuplée entre 1975 et 1977. Patti Smith, poétesse, héritière punk de la tradition de Greenwich Village qui a fait la grandeur de Bob Dylan , fait ses débuts avec Horses ( 1975 ) tandis que les Ramones ont ravivé les gloires des groupes de garage en 1977 avec une injection de vitesse et de colère.

Plus abstraits et dissonants, des groupes comme Television ( Marquee moon ) et Richard Hell and the Voidoids préfèrent des chansons rythmées plus structurées. En Californie, le punk atteint des vitesses exagérées avec Germs ( GI , 1979), Dils et Dead Kennedys ( Frais fruits pour légumes pourris , 1980) et devient « politique ».

A Londres, l’imprésario Malcom McLaren, comme il l’avait déjà fait avec l’inoffensif et élégant groupe de rock américain New York dolls, lance les Sex Pistols ( Never mind the bollocks – Here’s the Sex pistols , 1977) et en fait les plus scandaleux et provocateurs groupe de rock de tous les temps.

Le Royaume-Uni abrite des groupes comme Damned ( Damned damned damned , 1977), Buzzcocks et Clash. Ces derniers représentent l’avant-garde politisée du mouvement punk avec leur attaque contre l’économie capitaliste du monde occidental ; ils articulent diversement leur musique proposant en 1977 un punk nerveux et rapide pour arriver à la contamination des genres dans la vocation de Londres (1979).

Une fois l’élan initial épuisé, au début des années 80 le punk emprunte deux voies : celle du compromis avec des sons plus accessibles ( new wave ) et celle de la radicalisation ( punk hardcore ).

L’anarchie punk au Royaume-Uni

Groupe de rock anglais actif entre 1975 et 1978, les Sex Pistols sont connus comme le groupe punk par excellence, celui qui a contribué à donner au phénomène punk une résonance mondiale, grâce à une réinterprétation agressive et énergique de la musique rock et à une vaste campagne de manipulation par le presse spécialisée et les médias de masse

Les origines

Le premier noyau de la gamme Sex Pistols a été formé à Londres en 1975 lorsque le guitariste Steve; Jones et le batteur Paul Cook, jeunes musiciens habitués à fréquenter le Kings Road Let it rock shop , ont rencontré le bassiste Glen Matlock.

Le manager Malcolm McLaren, ancien promoteur du groupe américain New York Dolls, précurseur du phénomène punk dans la première moitié des années soixante-dix , a vu la possibilité de lancer un nouveau line-up agressif et irrévérencieux sur le marché du disque anglais. En phase avec la vague créative naissante du punk, McLaren a façonné le groupe en ajoutant le chanteur Johnny Rotten (nom de scène de John Lydon), quant à lui surnommé Sex.

Un quatuor provocateur et irrévérencieux

Les débuts des Sex Pistols ont eu lieu au St. Martins College en novembre 1975, le premier d’une série de concerts tumultueux qui ont contribué à la renommée du quatuor anglais en tant que groupe violent et nihiliste.

Après avoir participé avec d’autres groupes de la scène londonienne au festival Punk organisé par le 100 Club en octobre 1976, les Sex Pistols signent un contrat pour la maison de disques emi et enregistrent le single Anarchy au Royaume  Uni. L’impact puissant du message et l’apparition à la télévision aux heures de grande écoute, où le groupe, provoqué par le présentateur Bill Grundy, se livrait à des blasphèmes, ont incité la maison de disques EMI à licencier le groupe.

Glen Matlock a quitté les Sex Pistols en 1977, peu de temps avant le début du seul album studio du groupe ( Never mind the Bollocks, heres the Sex Pistols ), mais il a quand même contribué en enregistrant la plupart des pistes de basse ; il a ensuite été remplacé par la basse Sid Vicious (nom de scène de John Simon Richie), dont l’expertise musicale a été longuement discutée.

Le deuxième single, God save the Queen , est sorti par a&m mais quelques jours après la signature du contrat la maison de disques se débarrasse des Sex Pistols craignant des répercussions négatives sur le contenu blasphématoire et anti-monarchique de la chanson.

De Londres aux États-Unis

La stratégie de McLaren était de demander une indemnisation pour les récessions contractuelles de maisons de disques, l’ obtention de l’avantage économique maximal avec un effort minimum: l’histoire a inspiré un film sur les Sex Pistols, le grand rock’n « escroquer roll ( La grande arnaque r & r ) tourné par Julien Temple en 1980.

Virgin a réédité le single God save the Queen avec une couverture créée par le graphiste Jamie Reed, représentant la reine Elizabeth II rendue méconnaissable par un collage de lettres (nom du groupe et titre du single) dans un style « note de rançon ». A l’occasion de l’anniversaire du couronnement de la reine, le 7 juin 1977, le groupe organise un concert sur une péniche naviguant sur la Tamise, mais les membres sont arrêtés. En novembre, le moment était venu pour la sortie de l’ album Never mind the Bollocks , avec des chansons punk en colère.

Au sommet de leur succès, les Sex Pistols affrontent une courte et troublée tournée américaine en janvier 1978 qui sera l’épilogue de leur carrière fulgurante, destinée à révolutionner la scène rock .

Un succès éphémère

John Lydon a continué à faire de la musique avec le groupe Pil, le protagoniste de la saison postpunk anglaise ; Steve Jones et Paul Cook avec les professionnels moins fortunés, puis ont poursuivi des carrières musicales distinctes.

Sid Vicious a sorti un single à succès, une réinterprétation punk du célèbre morceau My way de Frank Sinatra. Il a été inculpé du meurtre de sa fiancée Nancy Spungen en 1978 à New York et, libéré sous caution, est décédé en 1979 d’une overdose d’héroïne. Sa figure tragique a longtemps vécu dans l’imaginaire punk, incarnant son côté le plus autodestructeur et dissolu.

La formation des Sex Pistols a repris forme avec le bassiste d’origine Glen Matlock en 1996 pour une série de concerts live, la tournée Filthy lucre, et pour l’album live associé , mettant définitivement le nom de côté.

Les accords du rock fusionnés avec le pouvoir des mots

Patti Smith, poète et auteur, chanteuse et guitariste, fut l’une des stars de la nouvelle vague du rock américain au milieu des années 1970. Proche du punk mais à la fois amoureuse de la poésie de Charles Baudelaire et amie de nombreux artistes new-yorkais, elle est une protagoniste du nouveau rock américain

Un grand succès et un long silence

Née à Chicago en 1946, la jeune Patti Smith, avec son petit bagage de poésie et de colère, tente en 1970 de conquérir le monde sur la vague de la musique punk et new wave , dont elle devient reine et icône. Et ce monde l’a vraiment conquis, avec des disques légendaires et tourbillonnants, comme Radio Ethiopia , Horses , Easter , Wave et avec des chansons inoubliables comme Redondo beach , Rock ‘n’ roll nigger , Frederick and the beautiful Car la nuit , où sa poésie se mêle le rock de Bruce Springsteen dans un rendu absolument parfait.

Après un succès retentissant entre 1975 et 1979, Patti Smith s’est longtemps retirée de la scène, ne revenant sur le devant de la scène qu’à la fin des années 90, avec un rock intellectuel et fascinant. Certes, elle n’était plus l’héroïne du rock rebelle et irréductible de la fin des années 70, ni la rock star qui incarnait les rêves et les envies d’une génération et qui rassemblait des dizaines de milliers de personnes à ses concerts. Mais la fierté, la force, la créativité, l’énergie de Patti Smith sont restées intactes et font partie intégrante de son art.

Musique et poésie

Après de nombreuses années, la définition qu’elle a elle-même donnée de sa musique lorsqu’elle a sorti Horses reste toujours vraie : « Trois accords fusionnés avec le pouvoir du mot ». La musique et la poésie, le son et la parole, sont les éléments qui font la musique des disques de son succès mondial et du seul disque des années 80, Dream of life , unique et indubitable , mais aussi de ceux réalisés dans les années 90, après un très long silence. , huit ans de chagrin suite à la perte de son mari, un autre musicien de rock américain légendaire, Fred ‘Sonic’ Smith.

Lentement Patti Smith a changé, elle a grandi, elle ne vit plus dans un monde à part, fait de visions délirantes de démons et d’anges se rencontrant au-dessus de sa tête, de rencontres nocturnes avec la poésie rebelle d’Arthur Rimbaud et avec la peinture de Amédée Modigliani. Cependant, il reste l’une des personnalités les plus fascinantes de la scène musicale américaine, capable de proposer des spectacles où mots et musique se rencontrent, donnant vie à des scénarios souvent surprenants.

Sa production la plus récente, de Gone again (1996) et Peace and noise (1997) à Gung Ho (2000), nous montre une Patti Smith peut-être moins en colère, plus consciente de ses possibilités, capable de regarder le monde avec plus de compréhension. et compassion. Elle nous montre surtout un artiste qui a toujours la ferme intention de lire les choses du monde à travers le prisme de la poésie, comme Bob Dylan et peut-être plus que lui. Patti Smith – et, à part elle, peut-être seulement Michael Stipe – a pris le relais pour continuer à parcourir les chemins que Dylan avait ouverts quarante ans plus tôt, mêlant poésie et rock de manière très originale.

Pas que des concerts

Suivre un concert de Patti Smith reste une expérience remarquable, car ce ne sont pas que des chansons : très souvent ses concerts se transforment en véritables lectures , lectures musicales dont la poésie est le protagoniste. Elle déclare elle-même : « Jouer avec un groupe de rock est toujours passionnant mais c’est quelque chose qui ne me satisfait qu’en partie. Je crois au pouvoir de la parole, au pouvoir de la parole qui, avec la musique, est capable de faire bouger le monde ».

Quand la pop utilise le rock

Le pop-rock est un style musical qui reprend les caractéristiques mélodiques, harmoniques et rythmiques du rock, en y ajoutant une ambiance pop. Également appelé aux États-Unis rock orienté adulte (« rock pour adultes ») ou rock classique, le pop-rock est un terme créé par des critiques spécialisés pour identifier et définir un scénario musical aux contours incertains. Idéalement, il a pris forme au début des années 1970, lorsque le rock a perdu son élan politique avec la fin des mouvements de protestation de la jeunesse aux États-Unis.

Le climat musical des années soixante

Le rock est né comme une entité distincte du rock’n’roll, avec la prise de conscience politique et sociale des auteurs-compositeurs américains – Bob Dylan , Pete Seeger et Phil Ochs – réunis dans le quartier new-yorkais de Greenwich Village et intéressés en folk revival (genre qui, partant du patrimoine national des ballades populaires, avait lancé les interprètes de country et de blues sur le marché ). Le rock a immédiatement revendiqué avec fierté sa diversité dans la musique grand public de groupes plus strictement pop , tels que Monkees et Rascals, qui se sont tournés vers « l’invasion britannique » de groupes tels que les Beatles et les Rolling Stones..

Mais la prétendue pureté du rock ne durerait que l’espace d’une saison. La pop américaine des années 60 atteint des sommets de légèreté impensables portant dans les charts la pop bubblegum d’Archies et de l’Ohio Express, des motifs pop élémentaires et sucrés pour un public guère plus adolescent, mais aussi les atmosphères orchestrales raffinées de Burt Bacharach et Ray Conniff, pour démonstration d’un éclectisme considérable de l’audience radiophonique de l’époque.

L’importance des radiodiffuseurs

Les radios ont joué un rôle fondamental dans la création d’une synthèse entre pop et rock. Pendant une partie des années 1970, les radios AM ( modulation d’amplitude) dominaient les ondes diffusant uniquement des singles faciles à capter, tandis que le déclin rapide du format single 24 tours était déjà en cours, miné par la tendance des groupes à construire des albums comme conceptuels. recueils de chansons. En ce sens, l’exemple de l’album Sgt. Pepper’s lonely hearts club band (1967) des Beatles, fréquemment programmé par les radios des pays anglophones, est éclairant, malgré l’absence d’une stratégie centrée sur la sortie d’un Célibataire.

A la fin des années 70, la radio FM émergente ( modulation de fréquence  » modulation de fréquence « , capable d’éliminer les perturbations qui produisent des altérations de l’amplitude de l’onde radio) focalise l’attention sur le support de l’album et ce qu’on appelle adulte s’installe. ou – avec l’acronyme AOR -, orienté album rock .

La naissance du pop-rock

L’éclatement du rêve d’une contre-culture rock au début des années 1970 a coïncidé avec une transformation progressive d’une partie du rock en pop-rock.

Le pop-rock a été le premier style de musique ouvertement adulte, manquant ouvertement de l’urgence juvénile du rock ‘n’ roll et de l’élan politique du rock. La centralité était encore confiée à la mélodie typique de la pop américaine et britannique, à la magie du refrain parfait et accrocheur, mais les arrangements et les rythmes étaient purement rock.

Dans cette phase, le rock – par définition la voix privilégiée des jeunes à contenu de rébellion – a reconnu son propre échec comme moyen d’émouvoir la conscience collective, choisissant en quelque sorte de s’adresser à chacun de ses auditeurs et d’établir une relation plus intime avec eux. . . . C’est un pop-rock de masse qui parlait aux célibataires, qui refusait de scandaliser les bien-pensants, qui ne cherchait plus à saper l’establishment, et qui ne ressentait pas le besoin d’agir comme un mode de vie alternatif.

Roche adulte

Conscient d’avoir organisé une révolution musicale, et ayant constaté l’impossibilité d’élever le niveau du choc, le rock a incorporé ses caractères apparents en éliminant leur substance. Même les groupes dont l’origine véritablement rock s’était formée dans les années 1960, comme les Rolling Stones britanniques, Led Zeppelin et Pink Floyd , Paul McCartney et sa nouvelle formation, ont succombé aux tentations de l’affirmation dans le domaine de la radio, avec des résultats mitigés. , tandis que des groupes comme Boston, Journey, Kansas et Supertramp prolifèrent aux États-Unis dans les années 1970.

Le rôle prééminent de la famille rock « adulte » appartenait alors aux Eagles, interprètes d’un son entre rock mélodique et country doux, aux harmonies vocales dociles et agréables, fils adoptif de la tradition californienne de Crosby, Stills, Nash & Young (CSN & Y) mais projeté dans les charts pop. Parmi les groupes qui ont remporté un véritable succès planétaire, on retrouve les Américains Toto, un groupe composé de musiciens engagés par quart d’enregistrement d’une stature technique incontestable – élément récurrent dans les groupes pop-rock -, au service d’un rock des charts assurément. Jack. Ce n’est pas un hasard si à cette époque la guitare électrique, élément distinctif du rock, a perdu une partie de sa centralité dans l’économie de la musique pop.

Deux grandes stars de la musique en tête des charts de l’époque, Elton John et Billy Joel, se débarrassent progressivement de la robe rock de leurs premières productions respectives pour donner vie à une pop d’auteur sophistiquée avec des paroles sentimentales destinées à un public qui avait adoré les Beatles et la plage. Garçons à l’adolescence et était maintenant prêt pour une musique plus intime et recueillie. L’impact guitare du rock n’a pas été complètement perdu, restant vivant surtout dans le genre de la power pop (Cheap trick, Knack), c’est-à-dire celui qui a récupéré un son plus primitif, des riffs élémentaires et des intrigues vocales qui rappelaient une certaine pop britannique de les années soixante.

Les nouveaux courants des années 80

La première moitié des années 80 marque l’apogée des productions pop-rock mais aussi la fin du pop-rock en tant que style redevable à un passé plus traditionnellement rock. L’attrait de la technologie des synthétiseurs et la fascination pour l’utilisation de l’électronique ont influencé les sons de groupes de rock progressif tels que Yes et Electric Light Orchestra, mais aussi de groupes avec une formation de hard rock tels que Queen, Aerosmith et Van Halen, des groupes appelés groupes de rock d’arène. pour leur capacité à remplir les stades et les forums lors de tournées pharaoniques.

Une variante pop du heavy metal naissant a trouvé un terrain fertile entre Los Angeles et New York où des groupes tels que Dokken, Mötley Crüe, Bon Jovi et Guns ‘n’ Roses se sont établis. C’est un hard rock aux fortes teintes mélodiques qui privilégie les ballades sentimentales pour trouver de la place dans les radios. Rebaptisé hair metal – pour les mèches duveteuses exposées – ou spandex – pour les combinaisons en acrylique moulantes portées – cette forme hybride de hard rock a connu un succès considérable jusqu’au début des années 1990.

Les dernières tendances

Le mouvement grunge , qui à la fin des années 1980 et au début des années 1990 est né à Seattle en tant que phénomène local et a influencé une grande partie du rock de la dernière décennie du siècle, a également un impact pop sur la programmation musicale des radios FM américaines.

Normalisé par des productions laquées et édité pour obtenir le maximum de réponse radio, le rock des guitares vit une nouvelle jeunesse. Le monde des auteures-compositrices gagne en popularité à travers la musique d’Alanis Morissette, Fiona Apple, Tori Amos, capable de revitaliser les messages musicaux lancés une décennie plus tôt par Tanita Tikaram et Tracy Chapman dans une tonalité rock. L’énergie du rock alternatif s’estompe, des groupes tels que Hootie and the Blowfish, Dave Matthews band et Crowded House proposent un rock ancré dans la tradition des années soixante et soixante-dix, mais remis au goût du jour, entre les tentations des auteurs-compositeurs et les refrains pop gagnants. .

Dans la seconde moitié des années 90, le pop-rock a été contraint de céder la place à de nouvelles formes de divertissement musical. Le genre urbain , variante moderne du rhythm ‘n’ blues et de la soul enrichie d’arrangements et de solutions rythmiques typiques du rap, s’impose dans la programmation des principaux radiodiffuseurs américains et européens : des producteurs comme Babyface et Antonio Reid, à la première personne ou au fond des studios de production tracer les coordonnées d’une pop noire généraliste capable de conquérir même le public blanc et qui voit R. Kelly, Mary J. Blige et D’Angelo comme protagonistes.

La musique afro-américaine est devenue le patrimoine culturel mondial

Le jazz, tradition musicale ancrée dans la culture afro-américaine, est né et s’est développé aux États-Unis au cours du XXe siècle. Les différentes transformations qui ont marqué l’histoire du jazz ont donné lieu à des phénomènes très différents tant du point de vue stylistique que du rapport au public : malgré cela, le jazz a toujours été une musique qui prend corps et vit au moment de exécution. , grâce à la contribution personnelle des musiciens. Né comme une musique d’extraction populaire et étroitement liée à la danse, le jazz est aujourd’hui reconnu comme une expression artistique avec ses propres caractéristiques et constitue un patrimoine musical écouté et pratiqué dans le monde entier.

Les origines

L’image la plus répandue du jazz aujourd’hui est celle d’un genre musical raffiné, joué dans des festivals ou des lieux spécialisés, où les musiciens créent leur propre musique de manière extemporanée et dont l’écoute, pas toujours facile, requiert une certaine compétence. Cela correspond en partie à la réalité d’aujourd’hui, mais pas aux différentes phases stylistiques et changements de public qui ont marqué l’histoire du jazz depuis un siècle environ.

Les origines du jazz – un terme d’argot américain d’origine incertaine – remontent aux premières années du XXe siècle aux États-Unis, dans le contexte des transformations sociales et culturelles que traversait la communauté noire, récemment libérée de l’esclavage. à cette époque, d’Afrique de l’Ouest avait concentré une importante population noire dans le sud des États-Unis, dont la musique comprenait une variété de styles liés à différents contextes et usages. L’église était un lieu de forte agrégation où se pratiquait le spirituel , un chant collectif qui réinterprète la tradition des hymnes liturgiques protestants. Puis il y a eu le blues, une chanson individuelle généralement interprétée avec un accompagnement de guitare qui traite de manière simple et directe des problèmes liés à la vie quotidienne difficile des Noirs en Amérique. Enfin, le ragtime, un genre de piano raffiné qui était l’expression la plus cultivée de la scène musicale afro-américaine de cette période.

Les caractères spécifiques

La pratique de l’improvisation. Si le ragtime est influencé par les formes et les genres musicaux de dérivation, l’européen, le blues et le spirituel constituent le lien principal entre le jazz et la culture musicale héritée de l’Afrique. Fondamentaux sont certains aspects qui distinguent la conception musicale afro-américaine de la conception européenne. Tout d’abord, la musique afro-américaine vit principalement dans le moment de la performance à travers l’apport personnel du musicien : si la musique classique est basée sur la notation musicale, dans le jazz la musique écrite n’est que le point de départ qui permet à l’artiste de développer ses propres idées musicales. pendant la représentation, et parfois la partition est complètement absente. Cet aspect se réalise dans la pratique de l’improvisation, l’un des principes cardinaux du jazz, qui peut être défini comme une composition impromptue, conçu et interprété en même temps et développé sous les doigts du musicien lors de l’exécution d’une pièce. Improviser ne veut pas dire « aller au hasard » ou jouer ce qui vient à l’esprit, mais au contraire cela demande une grande compétence et une grande habileté : généralement l’improvisation doit développer une idée initiale, doit interagir avec les propositions musicales des autres musiciens et doit être globalement cohérente.

Intonation et rythme. Les éléments qui caractérisent l’interprétation jazz ne sont pas faciles à transcrire en utilisant la notation traditionnelle sur portée. L’intonation afro-américaine, par exemple, suit des inflexions qui, du point de vue de la musique classique européenne, seraient « fausses » ; cependant ce sont ces très légères oscillations de la voix qui rendent une chanson de blues particulièrement touchante. Il en va de même pour le timbre des instruments, que tout musicien de jazz essaie de rendre le plus personnel possible, altérant parfois le son traditionnel. Le jazz hérite également d’une sensibilité rythmique particulière de la culture musicale africaine. Même lorsqu’il n’est pas joué pour la danse, le rythme du jazz suggère toujours l’idée de mouvement et est également « entendu » avec le corps. Un exemple est le concept de swing,

Le premier jazz à la Nouvelle-Orléans

Créer un nouveau genre de musique. Il est difficile d’établir précisément comment, à partir des divers genres et styles musicaux présents en Amérique au début du XXe siècle, s’est créé un nouveau type de musique qui a progressivement pris le nom de jazz. Cela est dû au fait que les premiers enregistrements remontent à plusieurs années plus tard, lorsque le jazz était désormais un phénomène répandu et reconnu, nous ne pouvons donc pas vraiment savoir quel était le son du jazz primitif.

La Nouvelle-Orléans, port de commerce de la Louisiane, a joué un rôle fondamental dans la naissance du jazz : au début du siècle, sa population était composite et comprenait des Afro-Américains, des Français, des Espagnols et des Anglais. Des musiques de toutes sortes étaient également jouées à la Nouvelle-Orléans : chaque événement public était l’occasion d’une danse ou d’une fanfare de cuivres, des représentations d’opéra se tenaient dans des théâtres et, tandis que des chanteurs de blues anonymes se produisaient dans la rue, dans le light district roux appelé Storyville employait les meilleurs pianistes de ragtime.

 

Créoles et Noirs . A l’époque de l’esclavage, la population afro-américaine était divisée en deux groupes : les créoles métisses, depuis longtemps affranchis et intégrés à la vie citadine, et les noirs, qui vivaient dans de très mauvaises conditions. De nombreux créoles avaient reçu une éducation musicale de style européen et différaient de ces musiciens noirs (comme les joueurs de blues) qui étaient musicalement autodidactes. Avec la fin de l’esclavage (1865) et l’intensification des sentiments racistes dans le sud des États-Unis, les créoles ont perdu leur position privilégiée et se sont retrouvés victimes de discrimination raciale avec les noirs. Dans les mêmes années, la demande croissante de musique de divertissement favorise la collaboration entre musiciens créoles et noirs, qui tentent d’intégrer leurs différentes conceptions musicales.

Ainsi naissent de petits ensembles formés de quelques instruments à vent (clarinette, cornet, trombone) avec accompagnement de contrebasse (ou tuba basse), banjo et batterie, dont la musique puise autant dans la tradition des groupes européens que dans le ragtime et le blues. Cette façon de jouer, appelée plus tard le style New Orleans, comportait des moments de polyphonie dite improvisée : une manière d’enrichir une mélodie de base où les instruments à vent se poursuivent dans un entrelacement dense de mélodies, à l’origine d’une musique collective festive.

Les années 1920 à Chicago

La musique de la Nouvelle-Orléans a d’abord suscité l’intérêt du grand public américain après qu’en 1917 un groupe de musiciens blancs excentriques (le groupe de jazz Original Dixieland) ait enregistré ce qui est considéré comme le premier disque de jazz. À cette époque, une grande partie de la population noire du Sud se déplaçait à la recherche de travail, se concentrant dans les centres industriels américains les plus importants, tels que Chicago, qui devint le centre de l’activité musicale noire américaine des années 1920. Pour le public noir, le jazz était désormais la principale musique de divertissement et pour satisfaire cette demande, les maisons de disques de la ville ont commencé à puiser dans le riche vivier de musiciens afro-américains. En particulier ceux de la Nouvelle-Orléans, comme le trompettiste King Oliver,

Avec la diffusion croissante du jazz, les musiciens affinent de plus en plus leur capacité à improviser de nouvelles mélodies à partir d’un thème de référence. Parmi eux, un jeune trompettiste de la Nouvelle-Orléans nommé Louis Armstrong s’est immédiatement distingué comme une personnalité musicale exceptionnelle. Grâce à sa maîtrise de l’instrument et à ses idées rythmiques innovantes, Armstrong est rapidement devenu une référence pour tous les jazzmen. Le son de sa trompette et sa façon d’improviser étaient immédiatement reconnaissables et conféraient une vigueur rythmique – un swing – jusqu’alors inconnue. Le parcours d’Armstrong marqua un tournant dans l’idée même du jazz : la performance du musicien solo était née, proposant de nouvelles inventions mélodiques soutenues par l’accompagnement du reste du groupe.

À New York

A la fin des années 20 à New York des lieux dédiés au public blanc voient le jour. Dans le célèbre Cotton club, les spectacles de danse et de cabaret se déroulaient souvent dans une Afrique sauvage et impliquaient, pour la musique de scène, certains des plus importants orchestres de jazz noir.

Dans ce panorama se dresse la figure de Duke Ellington qui a réussi à obtenir de l’orchestre une sonorité indubitable, parfois si mystérieuse et sombre qu’on peut la définir comme un style jungle (« jungle »). Ellington a été le premier musicien noir américain à être reconnu comme un compositeur à part entière et ses performances exigeaient une écoute attentive et concentrée. Parfois, ses chansons dépassaient les trois minutes traditionnelles imposées par les limites de longueur du disque 78 tours.

Ce n’est pas un hasard si Ellington fut aussi le premier musicien de jazz afro-américain à être accueilli dans de grandes salles de concert réservées à la musique classique. A New York, où prévalait une idée de jazz orchestral et sophistiqué, même des compositeurs blancs de premier plan, comme Gershwin , ont tenté d’assimiler la langue.

L’ère du swing

La crise économique qui a frappé les États-Unis en 1929 a également eu des répercussions dans le monde du spectacle, et de nombreux musiciens de jazz ont dû ralentir ou arrêter leur activité musicale. Lorsque l’économie a commencé à s’éveiller, les contours du jazz avaient à nouveau changé. La jeune bourgeoisie blanche américaine ne voyait plus dans cette musique un symbole de transgression et le jazz, qui à l’époque s’appelait swing, était furieux chez les jeunes comme le décor idéal pour danser et s’amuser. C’était l’époque des big bands, orchestres composés de trois sections à vent (généralement trois saxophones, trois trompettes et deux trombones) et une section rythmique (guitare, piano, contrebasse et batterie). À quelques exceptions près, comme Ellington,

À l’époque du swing (entre 1935 et 1945), la musique de danse, diffusée par des émissions de radio très populaires, était plutôt uniforme, mais elle permettait aux jeunes arrangeurs d’expérimenter de nouvelles solutions de composition. De plus, la popularité croissante de cette musique a contribué à améliorer l’image du jazz dans l’opinion publique. Les groupes dirigés par le pianiste Count Basie ont plutôt suivi un chemin différent, dans lequel de plus en plus d’espace a été laissé aux improvisations des solistes. Ainsi s’est généralisée la pratique du jam session, une rencontre entre des musiciens qui décident de jouer ensemble et éventuellement de tester leurs compétences en se défiant dans de longues improvisations. L’originalité du style d’improvisation devient un facteur de plus en plus déterminant,

Une nouvelle façon d’improviser : le bebop

Au cours de ces années, de jeunes musiciens actifs à New York ont ​​essayé de développer de nouvelles façons d’improviser, en construisant des mélodies de plus en plus difficiles et complexes. Dizzy Gillespie (trompette), Charlie Parker (saxophone), Thelonious Monk (piano) et Kenny Clarke (batterie) étaient les hérauts d’une nouvelle idée de jazz qui se développait dans les petits clubs de New York et qui s’appela bientôt bebop .

En dépit d’être des personnalités différentes, les boppers étaient unis par une recherche continue qui a introduit des aspects de plus grande complexité dans le langage du jazz, à la fois dans les lignes mélodiques et dans les rythmes et les accords. L’angularité de cette nouvelle musique et la dissolution de nombreux big bands dans les années d’après-guerre décrétèrent un nouveau changement dans la jouissance du jazz, qui devint définitivement une musique à écouter et non plus à danser.

En bebop, tout vise à renforcer les capacités d’improvisation des solistes : l’ensemble instrumental est réduit et le groupe type est composé de la section rythmique (basse, batterie, piano) et de deux vents (saxophone et trompette). Le travail de composition est marginal et souvent un thème n’est qu’un point de départ pour lancer l’improvisation (de nombreuses compositions bebop sont tirées de chansons de comédies musicales de Broadway). L’exécution d’une chanson bebop suit souvent un schéma standard : après l’exécution du thème par les deux instruments à vent, les différents membres du groupe improvisent à tour de rôle de nouvelles mélodies, tandis que la section rythmique continue d’accompagner sur les accords du thème ; à la fin des différents solos, la mélodie initiale est rejouée en finale.

De nouvelles personnalités : Parker, Miles et Coltrane

Au cours de ces années, il y avait un mécontentement croissant à l’égard de la discrimination raciale subie par les Noirs. La musique bebop, si extrême et difficile à écouter, est devenue un élément de rébellion contre la commercialisation du jazz et Charlie Parker, improvisateur à l’imagination extraordinaire et à la vie indisciplinée, a été considéré, après sa mort prématurée, comme le héros de cette révolution musicale.

À partir des années 1950, les innovations apportées par le bebop ouvrent la voie à de nouvelles personnalités. Parmi ceux-ci se distingue le trompettiste Miles Davis , qui dans une très longue carrière a continué à renouveler son style. Tout en réalisant des projets nouveaux et sophistiqués, Davis a réussi à ne pas trahir l’héritage du bebop : la collaboration avec des musiciens blancs a conduit par exemple au jazz dit cool, avec des sons doux et un swing détendu (cool). Dans le groupe de Davis émergea John Coltrane , un saxophoniste protagoniste d’un parcours très personnel : sa maîtrise de l’improvisation atteignit des niveaux de complexité inimaginables et son inspiration mystique fit de lui une sorte de guide spirituel de la scène jazz.

Free jazz et contaminations

Au début des années 1960, la communauté afro-américaine a été le protagoniste d’un mouvement fort pour revendiquer leurs droits et, par conséquent, la musique de jazz est également devenue un instrument de critique sociale. Cela est apparu, par exemple, dans les titres explicitement politiques des compositions de Charles Mingus et dans les efforts de musiciens tels que Max Roach ; mais le lien entre jazz et engagement politique est surtout représenté par le mouvement free jazz (d’après le titre d’un disque du saxophoniste Ornette Coleman). L’affranchissement des contraintes et des conventions a conduit à une musique entièrement basée sur l’invention impromptue, sans rôles distincts entre les différents instruments et dont le résultat sonore est souvent impulsif, strident et extrême.

Dans le même temps, le jazz est devenu un phénomène d’élite, suivi d’un cercle d’auditeurs proche, tandis que la plupart des jeunes du monde étaient attirés par la musique rock. C’est Miles Davis qui prend conscience de cette fracture et expérimente la rencontre entre les deux genres musicaux : ses disques des années 70 introduisent pour la première fois les sonorités électriques du rock dans le jazz.

La scène jazz des vingt dernières années est très découpée et il est difficile de trouver un dénominateur commun à toutes les tendances actuelles. Dans bien des cas, le jazz est devenu le lieu de rencontre entre différents genres musicaux (comme les collaborations entre le saxophoniste Steve Coleman et certains chanteurs de rap) ou entre traditions de pays lointains ; certains musiciens synthétisent cette multiplicité d’influences, typique de l’ère des médias de masse, construisant des collages stylistiques déroutants (comme le saxophoniste John Zorn). La diffusion du jazz à l’échelle mondiale a fait qu’au cours des dernières décennies, les nouvelles ne sont pas venues uniquement des États-Unis. En Europe, l’idée d’improvisation radicale s’est développée au sein du free jazz.

Un rock psychédélique extraordinaire

Groupe de rock anglais fondé au milieu des années soixante du XXe siècle, Pink Floyd s’est rapidement imposé parmi les groupes les plus innovants. Leur particularité était la réalisation de formes complexes de performances live utilisant des lumières psychédéliques et des effets de scène grandioses.

Les origines du groupe

Pink Floyd est né à Londres en 1965 à l’initiative de Roger ‘Syd’ Barrett (chant et guitare), Roger Waters (basse), Rick Wright (claviers) et Nick Mason (batterie).

Après une formation rock et rhythm and blues dans la capitale anglaise avec des noms différents (Abdabs, Ramblers, Mottos) et des formations irrégulières, ils prennent le nom de Pink Floyd (dérivé de deux musiciens de blues, Pink Anderson et Floyd Council). Sous la pression de leur leader, Syd Barrett, ils ont commencé à développer un son psychédélique, à l’époque de l’avant-garde, dans une tentative de dépasser la forme traditionnelle de la chanson au profit d’un rock plus avancé et fortement influencé. par l’usage des drogues les plus diverses. Et c’est précisément à Barrett que l’on doit l’écriture en 1967 du premier album enregistré pour Emi Records, The piper at the gates of down , l’œuvre psychédélique par excellence de la production du groupe, forte de moments mémorables, commeL’astronomie domine et l’ overdrive interstellaire dilaté et spatial .

Les premières déclarations

L’instabilité mentale de Barrett, due à une consommation massive de drogue, a contraint Pink Floyd à réduire drastiquement la contribution de leur leader qui, à l’occasion du deuxième album de 1968, Une soucoupe de secrets , a été presque entièrement remplacé par le guitariste David Gilmour.

Après avoir renforcé le line-up en se concentrant sur le bassiste Roger Waters, Pink Floyd a édité la bande originale du film More, encore plus que Barbet Schroeder en 1969 et la même année, ils ont enregistré le double album Ummagumma (avec des enregistrements live et du matériel de studio également interprétés par les quatre ), qui est une sorte d’exploration psychédélique du potentiel des instruments individuels. La mère du cœur de l’atome en 1970 a parcouru les mêmes chemins que le Meddle ultérieur (1971), avec des tons orchestraux.

Dix ans au sommet du succès

Après l’éphémère Obscured by clouds , en 1972, ils enregistrent l’année suivante leur chef-d’œuvre, longtemps champion des ventes invaincu, Le côté obscur de la lune , un album consacré aux thèmes de l’aliénation et de la détresse mentale, qui consacre Waters leader du groupe.

Deux ans plus tard, c’est au tour de Wish you were here (1975), un hommage à Barrett (aujourd’hui réduit à un état semi-végétatif en raison de la toxicomanie) souligné par l’ ouverture psychédélique de Shine on you crazy diamond , dans laquelle l’écriture des paroles et de la musique était désormais entièrement l’œuvre du duo Waters-Gilmour. Waters, obsédé par la relation entre l’homme et les mécanismes sociaux rigides qui régissent sa vie, est l’auteur d’ Animals (1977) puis du double album The Wall (1979). Cette œuvre, dont en 1982 un dessin animé expérimental d’Alan Parker ( Pink Floyd the wall), est dominé par un état d’esprit douloureux causé par la mort de son père et par les relations difficiles avec le public et avec la notoriété.

La personnalité égocentrique de Waters a réduit les autres composants au rôle de figurants, à tel point que pendant la réalisation de The Wall , Wright a été licencié et embauché en tant que collaborateur pour les quarts d’enregistrement.

En 1983 The final cut , un album au titre prophétique et dans la continuité idéale de The Wall , marqua la fin d’un voyage. Deux ans plus tard, en effet, Waters a déclaré qu’il ne voulait plus faire partie du groupe .

Désaccords, séparations, retours

En 1986, les survivants Gilmour et Mason ont décidé de ressusciter le thème de Pink Floyd, mais Waters s’y est opposé. Après divers désaccords, les parties sont parvenues à un accord qui prévoit la possibilité pour Gilmour, Mason et le nouveau Wright d’utiliser le nom et les accessoires des concerts live, à l’exception des décors et symboles de The wall (en juillet 1990, à Berlin, Waters l’a joué en direct, avec des idées théâtrales mémorables, pour célébrer la chute du mur ).

Pink Floyd, orphans of Waters, a enregistré A Momentary lapse of Reason en 1987 , et à la fin de 1988 est venu le témoignage en direct de Le délicat son du tonnerre . Après une période d’inactivité, ils sortent en 1994 The division bell , un retour aux sons de la première moitié des années 70, et en 1995 Pulse .

Le groupe de rock des idéaux libérateurs

Les Doors étaient l’un des groupes les plus créatifs et les plus importants de la seconde moitié des années 1960. Leur succès est né d’un mélange de musiques où se mêlent tensions littéraires (amenées par Jim Morrison, artiste au talent poétique indubitable) et influences jazz et blues enrichies de suggestions psychédéliques.

Naissance d’un mythe

Le groupe de rock américain The Doors, actif entre 1965 et 1973, était composé de Jim Morrison (chant), Robby Krieger (guitare), Ray Manzarek (claviers), John Densmore (batterie).

La formation est née en 1965 de la rencontre entre Morrison et Manzarek, étudiants à l’école de cinéma de l’Université de Californie. Bientôt, ils sont rejoints par Krieger et Densmore, déjà ensemble dans le groupe Psychedelic rangers. Le nom choisi est inspiré d’un essai de l’écrivain et philosophe anglais Aldous Huxley, Les portes de la perception (1954 « Les portes de la perception »), titre lui-même tiré d’un vers du poète anglais Willam Blake. Le groupe commence à jouer sur le circuit des groupes de rythmes de l’époque. Il a un son original avec de fortes réminiscences blues, caractérisé par l’utilisation massive de l’orgue continental Vox qui soutient la section rythmique coupée en deux. De plus, le son est au service de la poétique mystique de Morrison, nourrie de textes existentialistes et de références répétées à l’inconnu et à la mort.

En 1966 la notoriété acquise dans les circuits indépendants de Los Angeles vaut au quatuor un contrat pour Elektra, un label pour lequel les Doors débutent la même année avec l’album The Doors , qui contient le frénétique Break on through , le célèbre Light my fire , la réinterprétation de Bertolt Brecht et Kurt Weill in Alabama song , mais aussi des morceaux oniriques comme le très long The end , réinterprétation hypnotique et crue du mythe œdipien.

Le charisme de Morrison

Au centre du succès qui investit le groupe se trouve Jim Morrison, un personnage d’une grande présence scénique et d’une forte charge érotique, avec une capacité hors du commun à entraîner les foules avec des comportements jugés scandaleux, comme la toxicomanie, la liberté sexuelle prêchée et pratiquée. Morrison, qui raconte les côtés les plus sombres et les plus menaçants de la psyché à l’aide de l’instrument de la chanson rock, fait de chaque représentation des Doors un pari, entraînant le groupe et le public dans de véritables rites dionysiaques, guidant le délire comme un véritable chaman officiant collectivement causé par les scénarios psychédéliques créés par le groupe. Il n’est pas rare que les représentations soient interrompues par la police, alarmée par le comportement extrême du chanteur.

Apogée et déclin

En 1967, les Doors publient Strange days . Traversé par les angoisses de l’époque – la contestation des jeunes, les émeutes raciales, la guerre du Vietnam – l’album raconte les « jours étranges » et les tensions d’un monde aliéné avec une vision poétique hallucinée. Les paroles plus immédiates comme Love me two times ne manquent pas , mais la figure émotionnelle de l’œuvre réside dans les chansons plus abstraites comme Horse latitude et la longue et épique When the music’s over . Le troisième chapitre de la discographie du groupe, l’album Waiting for the sun (1968), n’a plus la force iconoclaste de ses débuts. Les idées lyriques sont mises de côté, tandis que la musique puise dans des rivages déjà connus ( Bonjour, je t’aime rappelle le son du groupe de rock britannique contemporain The Kinks).

1970 voit les Doors revenir convaincre avec Morrison Hotel (1970), débiteur du son américain, comme en témoigne Roadhouse blues , qui deviendra la colonne vertébrale du double album Absolutely live (1970), confirmant la bonté de leurs performances légendaires. Parmi les chansons interprétées, il y a aussi Celebration of the lizard , un monologue introspectif plein d’images horribles; l’année suivante LA Femme(1971) réaffirme l’attention portée au blues mais peine à décoller du point de vue poétique. L’arrestation créative de Morrison coïncide avec ses problèmes psychologiques causés par les excès qu’il subit. Le 3 juillet 1971, il est retrouvé mort dans un hôtel parisien. Sans Morrison, les Doors sortent tout de même deux œuvres de peu d’actualité, Other voices (1971) et Full circle (1972). Enfin, Une prière américaine (1978) voit les Doors réunir en musique des poèmes enregistrés par Morrison entre 1967 et 1970.

Le démon de la guitare

Guitariste de rock afro-américain, chanteur et compositeur, Jimi Hendrix était le guitariste le plus important de l’histoire du rock du 20e siècle. Il a contribué de manière décisive à faire de la guitare électrique l’instrument rock par excellence, en innovant dans son style et sa technique et en changeant son rôle au sein de la structure musicale des groupes de rock.

Une guitare pour conquérir l’Europe

Né en 1942 à Seattle aux USA, Jimi (de son vrai nom James Marshall) Hendrix est un guitariste d’ascendance noire, blanche et indienne qui fait ses premiers pas dans le rhythm’n’blues et forme son propre groupe avec lequel il se produit à Greenwich Village (à New York) en 1965.

Très jeune, Jimi est déjà maître d’une technique hors du commun ; le blues coule à l’état pur le long des cordes de sa guitare, mais l’Amérique kidnappée par le beat est toute emportée par de jeunes phénomènes blancs. Jimi ne trouve un public attentif que dans l’Angleterre des Beatles, où il arrive grâce à un ancien membre du groupe Animals, Chas Chandler.

En 1966 Hendrix conquiert l’Europe avec le blues électrique, déchiré et lancinant des singles Hey Joe et Purple Haze , et avec la force de ses concerts qui contribuent à alimenter l’image d’Hendrix, personnage méphistophélique, dédié aux expériences les plus extrêmes de la drogue. et le sexe, armés de la Fender ® Stratocaster électrique guitare qui se transforme en une extension de son corps et se joue avec les dents, les coudes et les vêtements, faisant ramper contre le pied de micro ou contre les haut – parleurs à la recherche de la plus explosive des commentaires .

L’icône du rocher

En 1967 sort Are you experiment , le premier album extraordinaire de Jimi Hendrix Experience, le groupe que le guitariste forme avec le bassiste Mitch Mitchell et le batteur Noel Redding. Hendrix devient rapidement une superstar, sur la vague d’une musique magmatique et psychédélique enrichie de références à l’ésotérisme mais, surtout, pour une façon de jouer de la guitare jamais entendue auparavant.

Le point de départ est le blues, que Hendrix transforme radicalement en utilisant toutes les solutions techniques possibles et toutes les parties de son corps pour faire sortir le plus de sons, de voix, de timbres possibles de l’instrument. Bref, son Fender devient le symbole le plus puissant du rock et ses performances live dépassent de loin toute imagination.

Au Festival de Monterey le 18 juin 1967, premier des grands rendez-vous du rock, Hendrix conclut son concert en mettant le feu à la guitare dans une sorte de rituel qui enflamme le public. En août 1968, Hendrix clôt le Woodstock Festival en déchirant l’hymne américain, dans The star Spangled banner , avec des effets similaires à des bombardements et des explosions, pour critiquer sans équivoque la guerre du Vietnam en musique ; le concert clôt ainsi symboliquement la décennie des grands espoirs des années 1960.

Trois disques très célèbres

Seuls trois sont les disques réalisés au cours de sa courte vie: en plus de ceux mentionnés ci  dessus , Axis: bold as love et Electric Ladyland (tous deux de 1968), mais Hendrix suffit pour trouver une place à côté des Beatles et de Bob Dylan comme l’un des personnages les plus importants pour la naissance et le développement du rock dans les années 60. Trois albums où rien n’est plus comme ce qui a été joué avant, où la guitare se transforme en quelque chose de plus qu’un instrument de musique et devient le symbole même du rock.

En 1969 Hendrix dissout son groupe Experience, monte le Band of gitans, avec Buddy Miles, imagine des collaborations avec Miles Davis, envisage de se projeter au-delà de la musique qu’il a jouée jusque-là et enregistre une quantité extraordinaire de matériel, même dans des domaines musicaux autres que ceux de la roche. Mais il ne réalisera pas ses plans, car la mort le saisit en septembre 1970 à Londres, des suites d’une overdose d’héroïne.

Le groupe qui a révolutionné la musique et le comportement des jeunes

Formé par John Lennon, Paul McCartney, George Harrison et Ringo Starr, le groupe musical britannique des Beatles a connu un succès retentissant dans le monde entier dans les années soixante, devenant l’un des phénomènes les plus importants de la culture populaire du XXe siècle.

La révolution du rythme

Il est difficile d’imaginer la musique moderne sans les Beatles. Vous ne pouvez pas penser au rock sans eux mais aussi à la pop , à la composition et à la chanson légère, tous les genres et styles profondément influencés par l’art, la musique, l’attitude de John Lennon, Paul McCartney, George Harrison et Ringo Starr : les fab four ( » fab four »), les « baronets », les « garçons de Liverpool », comme ils ont été surnommés au cours de leur carrière très réussie et légendaire. Ils ont inventé la musique beat, ils étaient, avec Bob Dylan, les pères du rock, ils ont écrit certaines des chansons les plus belles et les plus célèbres du vingtième siècle, ils ont aidé à rendre les jeunes « visibles », ils ont établi de nouvelles règles vestimentaires, ils ont fait pousser les cheveux génération entière, et bien plus encore. Le tout en moins de dix ans, entre 1962 et 1970, offrant à la presse une dizaine d’albums, à des millions d’exemplaires, tous entrés dans l’histoire.

Les débuts de l’aventure

L’aventure des Beatles a commencé à l’institut de Liverpool, où John Lennon et Paul McCartney étaient inscrits et où le jeune George Harrison est également arrivé. Paul et George ont pris le même bus pour aller à l’école et en peu de temps ils se sont fait des amis et ont commencé à partager leur grande passion pour la musique. En 1958, Harrison a rejoint la gamme Quarrymen, où militaient Lennon et McCartney, une formation qui, en 1961, a changé son nom en Beatles. Les quatre de Liverpool ont ensuite voyagé en Allemagne, où ils ont peaufiné leur style musical dans les clubs de Hambourg. De retour dans leur ville natale, le batteur Pete Best a été remplacé par Richard Starkey, alias Ringo Starr ; avec cette formation, le groupe est parti d’un petit endroit, le Cavern club, pour se déplacer à la conquête du monde. C’est leur manager Brian Epstein qui a poussé le groupe vers la formule gagnante : un riff(« refrain »), une ligne mélodique simple et agréable, une instrumentation essentielle, avec basse, batterie et deux guitares (une rythmique et une soliste) et surtout pas de chanteur et pas de leader car les quatre membres du groupe pouvaient chanter. C’est le « groupe » qui a fait la différence, le groupe en tant que tel, un groupe composé de jeunes qui communiquaient, en plus de leur musique, leur désir d’une vie basée sur des règles complètement nouvelles par rapport au passé.

Entre 1963 et 1965, les Beatles ont sorti quelques singles, mais ils ont rapidement grimpé dans les charts outre-océan, conquérant l’Amérique et déclenchant ce qui allait être connu sous le nom d’ invasion britannique de l’ anglais qui a révolutionné la musique américaine en donnant vie au rock. Des chansons comme Love me do , Je veux te tenir la main , Une dure journée de nuit , Au secours ! ils marquent une époque ; des albums comme Aide ! Rubber soul , Revolver (ce dernier de 1966) a profondément changé les habitudes d’écoute et le scénario de la musique populaire occidentale.

Le grand succès

Les garçons de Liverpool atteignent la splendeur maximale avec l’album de 1967 Sgt. Pepper’s lonely hearts club band , un album concept qui, présentant une série de chansons liées les unes aux autres par un fil conducteur, abandonne la logique des « singles » qui jusque-là dominait. le langage de la musique pop et le marché du disque.

L’année suivante, autre tournant : sous l’impulsion de George Harrison, les quatre se lancent dans un voyage de recherche spirituelle et intellectuelle en Inde et sont arrêtés par le gourou (enseignant spirituel) Maharishi Maheshi Yogi. Ici, Harrison a appris l’utilisation du sitar (un instrument à cordes indien, semblable à un grand luth à long manche) et s’est lié d’amitié avec le musicien indien Ravi Shankar. Harrison a également poussé les autres Beatles sur la voie du mysticisme, bien qu’il aurait été le seul à rester à jamais lié aux philosophies orientales et en particulier au groupe religieux de Hare Krishna, qu’il a souvent aidé aussi en termes économiques. L’Lucy dans le ciel avec des diamants , à travers l’univers .

L’extraordinaire double album The Beatles , plus connu sous le nom de White album , sorti en 1968, a réuni toute la recherche soul et sonore du groupe, devenant l’un des plus grands patchworks de la pop : un disque auquel de nombreux musiciens se réfèrent encore aujourd’hui, où rock, musique psychédélique, avant-garde, chanson mélodique et pop se rencontrent.

La rupture

Mais c’est précisément en 1968 que le groupe entame son chemin vers la dissolution, qui arrivera définitivement deux ans plus tard, en 1970. propres chansons) entre Lennon et McCartney commençait à s’user ; George Harrison, qui jusque-là avait joué un rôle de soutien dans le travail de composition du groupe, faisait pression pour un poids différent, car ses compétences en tant que compositeur et interprète s’étaient considérablement améliorées ; Ringo Starr lui-même, qui avait été jusqu’alors un élément de cohésion au sein du groupe, ne pouvait plus assumer son rôle au sein de la formation. Harrison a été le premier à faire un album solo, Wonderwall, en 1968, suivi la même année par Lennon, qui, avec sa future épouse Yoko Ono, lance un projet singulier, celui de Unfinished music n. 1 , complété par trois disques en 1969 : Musique inachevée n. 2 , Album de mariage et Live peace in Toronto (avec le légendaire hymne pacifiste Give peace a chance ). McCartney et Ringo Starr attendront 1970 pour publier, le premier avec McCartney (dont la sortie a coïncidé avec la fin officielle du groupe) et le second avec Sentimental Journey et Beaucoup of blues .

Les retrouvailles impossibles

Les tensions et querelles entre 1969 et 1970 n’ont pas empêché la sortie de deux autres albums : Abbey Road , à partir de 1969, considéré à juste titre par tous comme le dernier véritable album du groupe (l’album se termine symboliquement par The end ), et Let it be , à partir de 1970, en fait enregistré quinze mois avant sa parution.

Malgré de nombreuses rumeurs imparables d’une éventuelle réunion du groupe, tout au long des années 1970, les relations, notamment entre McCartney et Lennon, sont restées tendues. La mort de Lennon, le 8 décembre 1980, assassiné devant la porte d’entrée de sa maison new-yorkaise, a fait s’évanouir définitivement les rêves des fans du monde entier. En 1995, après avoir résolu les innombrables différends juridiques qui avaient vu les Beatles et Yoko Ono s’affronter pendant des années, McCartney, Starr et Harrison sont revenus enregistrer ensemble, complétant deux chansons composées par Lennon dans les années 70 : ce sont les premières chansons inédites des Beatles en vingt-cinq ans. Harrison est décédé plus tard en novembre 2001.

Le grand renouveau de la chanson

La contribution de la formation anglaise à l’histoire de la musique populaire est incommensurable : le style de composition des Beatles a contribué au grand renouveau de la chanson et aussi dans l’histoire du costume ils ont eu une influence décisive. Bref, ils n’étaient pas seulement un groupe musical, mais un modèle et une référence pour la jeune génération (la beat generation) des années 60.

Les Beatles représentaient un véritable phénomène culturel : les opinions, les comportements, les looks, les crises mystiques et psychologiques du groupe ont autant affecté la culture populaire que les chansons elles-mêmes. Et les chansons, des plus légères des débuts du beat aux plus complexes de la dernière phase du groupe, sont toutes entrées de plein droit dans l’histoire de la musique.

Le rocher qui ne se couche jamais

Groupe de rock anglais né en 1963 à l’initiative de Mick Jagger, Keith Richards, Brian Jones, Bill Wyman et Charlie Watts, les Rolling Stones comptent parmi les formations les plus anciennes et les plus productives de la scène mondiale de la seconde moitié du XXe siècle. et représentent dans l’imaginaire du public le groupe de rock’n’roll par excellence

Les années d’affirmation

La grande popularité des Rolling Stones a atteint son apogée dans les années soixante et soixante-dix du vingtième siècle ; dans ces années, le groupe a produit des chansons et des riffs mémorables ( rock ) et a pris une image subversive, au moins au début, qui a immédiatement contrasté avec l’iconographie rassurante des Beatles . Cette popularité s’est perpétuée dans les années suivantes, alimentant un succès sans précédent en termes économiques et d’image.

C’est en 1962 que Mick Jagger (chant, 1943) et Keith Richards (guitare, 1943), jeunes étudiants du Kent passionnés par le blues de Howlin ‘Wolf’s et le rock’n’roll de Chuck Berry, donnent naissance ensemble à Brian Jones (guitare , 1942) et Ian Stewart (clavier, 1938) aux Rolling Stones, dont le nom est inspiré d’une chanson de Muddy Waters, Rolling Stone blues .

Après une intense activité live dans les clubs londoniens, entre 1962 et 1963 les Rolling Stones finalisent le line-up avec l’entrée dans l’usine permanente de Bill Wyman, pseudonyme de William Perks (basse, 1936), issu du groupe des Cliftons, et par Charlie Watts (batterie, 1941), et avec la sortie de Stewart.

En mai 1964, les cinq signent un contrat avec Decca, une maison de disques pour laquelle ils enregistrent quatre collections en deux ans ( les plus récents fabricants de tubes d’Angleterre , 12 X 5 , Rolling Stones N. 2 , The Rolling Stones, now! ), principalement composés de versions du blues classique, du rock ‘n’ roll et de la soul. Le poids compositionnel de Jagger et Richards se ressent le plus dans Out of our heads (1965), où apparaît l’hymne générationnel (I can’t get no) satisfaction , leur chanson la plus connue. Mais le chef-d’œuvre de l’époque est sans conteste Aftermath (1966), le premier album ne contenant que des chansons originales parmi lesquelles se démarque le beat de Paint it black.Sous mon pouce et la ballade Lady Jane .

La parabole montante des années 60

Le pôle artistique d’ Aftermath marque un moment charnière pour les Rolling Stones. La vague de rock psychédélique déferle sur le groupe et ses albums de 1967 suivants, Entre les boutons et Leurs majestés sataniques demande , le second pour contrebalancer les Beatles de Sergent Pepper . La même année, Jagger et Richards font scandale car ils sont arrêtés (mais immédiatement relâchés) pour possession de drogue.

Le virage « acide » (au sens de l’acide lysergique, c’est-à-dire du LSD) des Stones laisse place en 1969 au retour aux atmosphères sanguines du passé du Beggars banquet , un regard désenchanté sur le monde, comme en témoigne Street Fighting homme et Sympathie pour le diable . Brian Jones décide de quitter le groupe en juin 1969 ; le 3 juillet, il a été retrouvé mort dans la piscine de sa maison du Sussex. Jones est remplacé par Mick Taylor, des Bluesbreakers de John Mayall.

Encore trois décennies de succès

La production des Rolling Stones, à partir de Let it bleed (1969) et tout au long des années 70, connaît un ralentissement quantitatif, même si elle reste toujours d’excellente qualité : Sticky finger (1971), Exile on Main St. (1972), It’s seuls le rock ‘n’ roll (1974) et Black and blue (1976) montrent une veine rock originale et robuste, désormais émancipée des modèles du passé et s’appuyant de plus en plus sur l’inspiration mélodique de Richards. En 1975, Ron Wood (de Small Faces) succède à Mick Taylor.

Some girls (1978) et Emotional rescue (1980) sont en partie influencés par la fièvre disco-music et inaugurent une période éclectique, comme en témoignent les albums des années 80 Tattoo you (1981), Dirty work (1986) et Steel Wheels (1989). Les années 90 sont marquées par le départ de Bill Wyman, qui quitte le groupe en 1993, remplacé par Darryl Jones et des albums tels que Voodoo lounge (1994) et Bridges To Babylon (1998).

En 2005, après la plus longue période de silence entre un album et un autre jamais enregistré dans l’histoire des Rolling Stones, sort A big bang , un retour viscéral aux sons des seventies.

Un mythe qui ne s’installe jamais

Chanteur de rock américain qui s’est imposé au tournant des années cinquante et soixante du vingtième siècle, Elvis Presley est à juste titre considéré comme le plus grand interprète du rock’n’roll. En même temps, il était l’un des modèles les plus célèbres de la culture populaire américaine, capable de répondre aux goûts, aux attitudes et aux vêtements de millions de fans. Son mythe résiste encore près de trente ans après sa mort

Un modèle pour les jeunes

Champion absolu des ventes même après sa mort, Elvis Presley a représenté un modèle de vie pour des générations d’adolescents au tournant des années cinquante et soixante du vingtième siècle, contribuant à la définition des jeunes en tant que catégorie sociale centre d’intérêt et de consommation. et accélérer la libération des mœurs sexuelles adolescentes de l’époque. D’un point de vue musical, Presley a ajouté la syntaxe du blues et de la country en proposant une rencontre inédite entre la culture afro-américaine et la culture blanche anglo-saxonne capable de conquérir le grand public.

Elvis Aaron Presley est né à Tupelo, Mississippi, en 1935. Élevé dans le Tennessee par une famille modeste, Presley a enregistré des auditions pour les disques Sun de Sam Phillips entre 1953 et 1954. Phillips a remarqué le talent du garçon, pas encore vingt ans, et sa voix grave capable d’aborder le répertoire blues avec aisance.

Entouré des musiciens de l’enregistrement décalé, il enregistre son premier single, un morceau d’Arthur Crudup, That’s all right , destiné à devenir l’une des chansons les plus connues de son répertoire.

C’est à cette période qu’Elvis produit ce que les critiques musicaux considèrent comme ses meilleures performances : une poignée de singles pour Sun ( Good rockin’ tonight et Mystery train parmi les chansons les plus célèbres) allant du gospel à la country , en passant par le bluegrass , revu dans un clé rockabilly .

Elvis le bassin

L’« affaire Elvis » a explosé, avec ses mouvements sur scène qui scandalisaient les bien-pensants (le surnom Le bassin « le bassin » date de 1956 , en référence aux mouvements des hanches jugés inappropriés), et les jeunes ont déterminé sa publicité Succès.

Le colonel Tom Parker est devenu le manager de Presley et Sun l’a vendu à RCA au plus fort de sa popularité. Le premier single du nouveau label, Heartbreak Hotel , s’est vendu à 14 millions d’exemplaires et a eu une grande résonance avec des classiques comme Hound dog , Don’t be cruel .

En 1956, il signe un contrat de sept ans avec Paramount pour une carrière cinématographique qui le verra plus tard jouer dans une trentaine de films de calibre douteux, dont beaucoup ont été produits par Hal Willis. En 1958, l’appel aux armes l’amène d’abord au Texas, puis stationné en Allemagne. Au moment où Presley a terminé son arrêt deux ans plus tard, la poussée du rock ‘n’ roll s’était estompée. Elvis lui-même, conseillé par le colonel Parker, s’est rabattu sur le cinéma.

Débordé par de nouvelles idoles pop venues d’Angleterre, comme les Rolling Stones et les Beatles , Elvis n’en continue pas moins de jouir de l’amour inconditionnel de millions de fans. En 1967, il achète le ranch du Mississippi qui deviendra plus tard sa luxueuse demeure, Graceland, et épouse Priscilla Beaulieu dont il divorce en 1973.

En 1968, il a enregistré le spécial télévisé connu sous le nom de Le retour de 68 pour NBC et en 1969 une poignée de chansons ( In the ghetto , Don’t cry , Daddy , Suspicious minds et Kentucky Rain ), qui représentent certaines de ses meilleures choses dans le monde, dix dernières années.

Les dernières années

Après treize ans d’interruption, le roi du rock’n’roll a repris l’activité live avec une série de tournées, mais la nouvelle veine artistique a dû composer avec l’abus de drogues et de médicaments qui minaient son corps et sa santé. Le colonel Parker, dans une démarche contestée par la famille et l’ entourage du chanteur, mais avec le consentement d’Elvis lui-même, a vendu les droits d’ auteur sur l’ ensemble du catalogue Presley à RCA pour cinq millions de dollars.

Entre 1973 et 1976, le chanteur a été hospitalisé trois fois. En juin 1977, il donne son dernier concert à Indianapolis et en août, il meurt à Memphis, Tennessee, d’un arrêt cardiaque suite à la consommation de drogue. Son corps a été enterré à Graceland où chaque année, dans un pèlerinage incessant, ses fans lui rendent hommage, perpétuant l’un des mythes pop les plus résistants de tous les temps.

Musique née d’Afro-Américains en esclavage

Le blues est la forme poético-musicale des esclaves africains et de leurs enfants nés en Amérique à la fin du XIXe siècle. Traditionnellement, c’est une forme de musique vocale et instrumentale et constitue l’une des premières expressions musicales originales qui se sont développées aux États-Unis d’Amérique à partir de la combinaison d’éléments de la culture noire rurale avec des aspects de la tradition européenne.

Une culture enchaînée

Les esclaves noirs américains venaient pour la plupart de la côte ouest de l’Afrique, où il y avait des cultures élaborées qui s’exprimaient à travers des formes d’organisation sociale allant des noyaux tribaux aux royaumes réels, tels que l’empire Songhaï qui s’étendait le long du fleuve Niger. Conduits sur les terres du sud des États-Unis, les Africains ont apporté avec eux les souvenirs, les croyances magico-religieuses, la culture et, bien sûr, la musique de leur terre. Dans la culture afro-américaine de l’ère des esclaves, l’expression musicale prenait une grande importance. La musique, en effet, a marqué divers aspects de la vie sociale du Noir américain : les moments de travail, de loisirs et de liturgie étaient marqués par la musique fonctionnelle,

Les cris et les appels ont été les premières expressions vocales de la culture musicale noire-américaine. Les cris et les gémissements représentaient des formes d’émission vocales moins articulées, des plaintes qui dénonçaient le sentiment de fatigue et le sentiment de frustration provoqués par le travail dans les champs.

L’évangélisation des esclaves au XVIIIe siècle marque un tournant dans l’évolution de la musique afro-américaine. De la rencontre entre la sensibilité musicale noire et les suggestions bibliques , est né le chant spirituel , qui constitue le véritable point de rencontre entre la culture africaine et européenne. L’hymne sacré d’origine anglo-saxonne a été construit à travers les structures typiques des formes musicales africaines. Ainsi, on assiste à la naissance des premières formes de métissage entre différentes expériences culturelles et religieuses, comme dans le cas des ring shouts , des groupes de noirs qui, suivant d’anciennes formes rituelles africaines, se rangent en cercle main dans la main et, traînant leurs les pieds en rythme, ils invoquaient le Dieu de la Bible.

Les chansons de travail

Pour la construction de grandes infrastructures, comme le réseau ferroviaire ou les ports fluviaux, un grand nombre d’esclaves affectés aux tâches les plus lourdes étaient employés. Cela a donné naissance et s’est propagée aux worksongs collectifs « work songs » qui étaient chantés à l’unisson, c’est-à-dire avec la même ligne mélodique pour tout le monde, ou sous forme antiphonique, c’est-à-dire avec un soliste auquel le reste du groupe répondait. Leur fonction était de soulager la fatigue et, en même temps, de coordonner les efforts collectifs au cours des différentes opérations.

Suite à la victoire des États du Nord dans la guerre de Sécession et à l’émancipation des esclaves en 1865, les Noirs américains se sont retrouvés libres, mais presque tous très pauvres et avec d’énormes difficultés à trouver un travail, même s’il était très bas. Ce sont les années de la ballade nègre , une ballade folklorique en solo qui narre le désespoir mais aussi la volonté du noir émancipé. La musique purement noire n’est plus cantonnée au contexte de travail et, lorsqu’elle sort des confins des plantations, elle est influencée par la ballade folk d’origine européenne. Les chansons des spectacles de médecine étaient également importantes pour l’évolution de la musique afro-américaine, théâtres itinérants qui furent les premières tentatives grossières de combiner la publicité spectacle-commerciale, dans laquelle des artistes noirs exécutaient des chants et des danses.

Histoires racontées avec cinq notes

C’est à la fin du XIXe siècle que se créent les véritables prémisses du blues : en effet, des techniques spécifiques de guitare – bottleneck , finger-picking et autres – et de chant se développent, et les sujets caractéristiques du blues émergent, chanter l’esprit nomade et le mythe du chemin de fer alimenté par le besoin de déplacements permanents. N’étant plus lié à la communauté paysanne, le Noir américain s’empare de la guitare, instrument facilement transportable, et sur la structure musicale traditionnelle européenne, basée sur sept notes, il superpose une atmosphère sonore nouvelle et particulière obtenue à l’aide d’une gamme à cinq notes. et en utilisant pour les deux notes résiduelles une sorte de glissato, c’est-à-dire une sorte de glissement d’une note à l’autre qui donne lieu à l’effet blues.

La technique de la guitare, selon la théorie dominante, reprise par les pianistes de boogie-woogie – actifs dans les barriques de Louisiane – le style percussif et, surtout, la contrebasse , l’accompagnement typique et constant fait avec les notes les plus basses de la pièce. Le peuple afro-américain a confié au blues la description d’une nouvelle condition sociale, et surtout l’histoire de sa propre histoire, à la fois en termes directs – histoires de voyage et d’amour, d’alcool et de prison – et à travers l’utilisation de métaphores récurrentes. , comme celui du train, qui servait à exprimer les malaises de l’existence mais aussi à lancer des messages érotiques.

Le blues forme

Les premiers joueurs de blues, les bluesmen , ont commencé à se déplacer à travers le Sud, jouant lors de fêtes, mariages ou autres célébrations rituelles, occasions où ils pouvaient compenser l’alcool, la nourriture et la compagnie. Ces rendez-vous constituèrent une sorte de laboratoire pour les pionniers du blues, qui, au cours de leurs pérégrinations, se rencontrèrent et s’influencent. C’est ainsi que nous sommes progressivement arrivés à la définition de la « forme du blues ».

Le schéma de base de la forme blues est né pour répondre au besoin de donner à l’artiste le temps d’improviser et d’inventer des histoires qui pourraient s’adapter aux circonstances dans lesquelles il se produisait. Ce schéma se compose de douze mesures : dans les quatre premières, le bluesman commence l’exposition d’un thème par une phrase qui se répète dans les quatre mesures suivantes ; cette répétition laisse au bluesman le temps de préparer la fin de l’histoire, qui accompagne la dernière série de mesures. Les douze mesures correspondent à une séquence d’accords sur la gamme pentatonique, c’est-à-dire basée sur les cinq notes du blues. Mais ce n’est qu’une trace de la forme blues, car la liberté d’élargir, de diluer et de varier le motif est une prérogative que les bluesmen ils n’ont jamais abandonné.

Au fil des années et de l’urbanisation progressive et de l’intégration des noirs, le blues s’électrise et se modernise, et devient l’axe principal autour duquel se développent le jazz, le rhythm’n’blues, le rock’n’roll. Son son caractéristique est arrivé, à travers de grands auteurs et interprètes, jusqu’à nos jours, en gardant intacte son extraordinaire force expressive.

Poésie et musique pour chanter la paix

L’auteur-compositeur-interprète Bob Dylan est considéré comme le plus grand représentant de la chanson folk américaine de la seconde moitié du XXe siècle. Mais il représente aussi une figure décisive dans le développement du rock et de la culture américaine, pour son travail de diffusion de messages pacifistes et de soutien à la cause des droits de l’homme.

Le chanteur des années 60

Bob Dylan (de son vrai nom Robert Allen Zimmermann) est né en 1941 à Duluth, Minnesota, d’une famille d’origine juive. Le jeune Bob développe une véritable passion pour la musique rurale, country et blues américaine , et pour le rock’n’roll naissant . Étudiant à l’université de Minneapolis, pour se produire dans les clubs folk et rock locaux, il choisit le nom de Bob Dylan, l’empruntant, dit-on, à celui du poète Dylan Thomas (mais nié plus tard). Attiré par les ferments culturels new-yorkais du début des années soixante, il s’y installe sur les traces de son idole Woody Guthrie, le plus grand interprète de la chanson folk contestataire entre les années trente et cinquante.

La renommée qui se crée autour du jeune Bob à Greenwich Village le conduit à enregistrer l’album Bob Dylan en 1961 , qui le voit encore lié à la tradition populaire dont il propose quelques classiques. L’année suivante, cependant, il se concentre sur ses ambitions d’auteur-compositeur et sort ce qui est considéré comme son chef-d’œuvre, The Freewheelin ‘Bob Dylan (1963). L’album contient des chansons devenues de véritables hymnes générationnels, comme Blowin’ in the wind , Masters of war , A hard rain’s a-gonna fall , fortement influencées par les tensions politiques et sociales déchaînées par la guerre froide et le conflit du Vietnam.

Ce sont des années dorées pour l’auteur-compositeur-interprète, qui publie en 1963 The times they are a-changin’ , le sommet de la popularité dans les cercles progressistes américains. La solidarité et la communauté de valeurs avec l’auteur-compositeur-interprète et militant Joan Baez soulignent l’engagement pour la cause des droits civiques.

De la contestation politique à la recherche poétique

Peu de temps après, pour échapper à l’étiquette d’auteur-compositeur-interprète politique, il compose Another side of Bob Dylan (1964), où la démarche devient plus littéraire et riche en métaphores, et Bringing it all back home (1965), dans lequel il prend ses distances. du passé folk au profit de choix plus orientés rock électrique.

Une poésie pleine d’humour et un regard rêveur et parfois surréaliste, accompagnés d’une nouvelle conscience rock’n’roll caractérisent à la fois Highway 61 revisited (1965), porté par l’un des singles les plus réussis de Dylan, Like a Rolling Stone , et le suivant Blonde on blonde (1966), le premier double album de l’histoire du rock.

Suite à l’accident de voiture qui a mis sa vie en danger en 1966, Dylan embrasse une vision plus spirituelle, comme le révèle John Wesley Harding (1967), influencé par les Saintes Écritures. L’album country Nashville skyline (1969) clôt la décennie de sa gloire et en ouvre une où sa production, selon les critiques, est fluctuante. Autoportrait (1970) déçoit, New morning (1970) marque le retour du musicien dans une dimension plus country rock, Planet waves le voit s’essayer à des ambiances plus intimes, et Blood on the tracks (1974) le ramène au haut de sa ‘conversion électrique’. Vient ensuite Désir (1976), porté parHurricane , une chanson de protestation sur le cas du boxeur noir Rubin ‘Hurricane’ Carter accusé à tort de meurtre.

Le tournant spirituel et le message

Après une intense activité live, au tournant des années soixante-dix et quatre-vingt, on assiste à sa conversion à la religion des chrétiens renaissants, une parenthèse spirituelle témoignée par une poignée d’albums puis contredite par la sortie de l’important Infidèles (1983).

Les années quatre-vingt et quatre-vingt-dix ont ensuite vu Dylan traverser un moment de reflux culturel tout en maintenant un niveau qualitatif important, comme en témoignent Oh Mercy (1989), World gone wrong (1993), Time out of mind (1997), Love and theft (2001 ).

En conclusion, Bob Dylan, d’abord porte-parole des besoins d’une génération à la fin des années soixante, a su s’affranchir des limites de la chanson contestataire pour créer un nouveau langage plein de références littéraires, ramenant le vers poétique au centre. d’attention du grand public et s’affirmant comme l’un des plus grands conteurs du vingtième siècle.

Rock : Un genre aux multiples genres. C’est ainsi que l’on peut définir ce genre musical qui trouve sa genèse dans la guitare et qui porte l’électronique comme emblème. Jouer de la guitare électrique, c’est jouer du rock. Le succès mondial de cette musique tient à sa capacité à enfermer de nombreuses formes et genres déjà existants et joués par de nombreux artistes autour d’un nouveau son. Les artistes qui jouent ont leur propre « vision du monde » dans laquelle on retrouve de nombreux rêves et philosophies de jeunes pour toujours. Une culture, un phénomène qui a bouleversé les règles de la musique.

Un grand artiste comme Frank Sinatra a défini le rock comme :  » La forme d’expression la plus dégoûtante, la plus brutale et la plus diabolique, un aphrodisiaque pestilentiel, la musique préférée de tous les criminels de la terre « .

Le rock est né vers le milieu des années cinquante aux États-Unis et en Grande-Bretagne. Il y a beaucoup de musiciens qui ont contribué à rendre ce genre important : Elvis Presley, Beatles, James Brown, Little Richard, Led Zeppelin et U2 , dans certains exemples, le faisant rester vivant même au fil du temps, le transformant d’une simple manie en un genre de la consommation pour ensuite devenir la bande-son de l’ère moderne.

Le rock’n’roll se répand grâce à l’un des plus grands interprètes américains de tous les temps : Elvis Presley . Il parvient à réunir et à amalgamer les traditions musicales européennes et africaines dans la musique  » Race music  » et  » Hillbilly  » (appelée plus tard rhythm and blues et country), entre les années 40 et 50, avec les influences du jazz, du blues, du boogie-woogie. , country, folk et gospel.

Le succès du rock

Le succès est né en combinant de nombreux autres genres tels que le rhythm and blues et le country, avec des références habituelles également à la musique folklorique. La base musicale est basée sur le son de la guitare électrique, généralement accompagné de la basse électrique et de la batterie. Le schéma musical est basé sur des mélodies simples et des rythmes non syncopés en quatre quarts, tendanciellement répliqués et avec un accent sur les deuxième et quatrième mouvements.

L’évolution instrumentale de l’univers musical mondial a créé divers sous-genres : la fusion et le progressif ont été créés avec le blues, le jazz et d’autres formes de musique orchestrale. En même temps, il a également absorbé des influences de la soul, du funk et de la musique latine. Il est sûr de dire que le rock est un aimant de genres : pop rock, hard rock , psychédélique, glam, heavy metal et punk. L’ouverture culturelle a également vu fleurir la tendance new wave, le punk hardcore, le rock électronique et l’alternatif, par la suite nous avons assisté à la diffusion du grunge, de la britpop, de l’indie et du post-rock.

La liste des genres et des cultures formées et façonnées par le rock est innombrable : les générations se succèdent, mais le rock reste éternel .

Innovateurs, voix d’or, interprètes uniques, compositeurs, instrumentistes et chanteurs. Ce sont les femmes du rock. Mais quelles sont les rock stars féminines qui ont fait l’histoire de ce genre ? Voici notre classement.

Mais qui a dit que le rock était réservé aux garçons ? Clairement, comme dans tous les secteurs, les femmes luttent aussi davantage dans la musique. Mais quand vous les entendez, c’est une toute autre histoire. L’apport est essentiel. Et n’oublions pas que toute cette coquetterie qui caractérise le côté féminin de chacun est nécessaire pour percer. Bref, ce qui suit, ce que nous vous proposons maintenant, est un regard audacieux sur un panorama déjà audacieux en soi. Voici les 10 femmes rock qui ont changé l’histoire.

10) PATTY SMITH

Comme Brian Ferry avec Dylanesque , Patty Smith sort en 2007 un disque de reprises, Twelve . Parmi ceux-ci se trouve la relève de la garde de Bob Dylan . Le disque est phénoménal et peut-être taquin, puisque Patty Smith est connue pour une chanson de Springsteen ( Because the night ). Elle n’est que la confirmation d’une grandeur qui ne s’improvise pas. Et ce que vous retrouverez pour toujours – c’est que ça finit toujours comme ça : la version de Patty Smith qu’on n’a jamais fini de l’écouter. C’est le genre de rock qui a grandi sur les cendres de la destruction provoquée non sans dommage par le mouvement punk. Patty Smithen Italie, il est également connu pour le thème d’ouverture de Fuori Ora ( Parce que la nuit ), un programme nocturne de la RAI 3 organisé par Enrico Ghezzi .

9) GRACE SLICK

C’est elle qui a chanté l’hymne d’une génération, partie d’une génération avec une belle voix. De cette génération dédiée à Woodstock à l’été d’amour de 1969. Elle est aussi une auteure aux manières intellectuelles. On ne sait pas pourquoi ; mais une musique similaire, si elle est faite à NY , ne passe pas pour psychédélique. Et si la musique de Frisco , San Francisco , triomphera alors dans le monde sur les ailes de Pink Floyd , c’est en grande partie grâce aux grâces vocales de Grace Slick , chanteuse de Jefferson Airplane .

8) TORI AMOS

Tori Amos était une nouveauté dévastatrice, un carrousel de nouveaux mots pour tout le monde. Le premier album, Little Earthquake, est beau, mais ce n’est pas suffisant. Il a fallu attendre la fille des corn flakes , mannequin cornflakes , pour allumer la lumière sur une nouvelle histoire. Elle est professeur de piano. Elle est l’amante des pianos Bosendorfer. Avec l’instrument, il met en scène des orgasmes compulsifs de lap dance . C’est la plus belle voix des années 90. La charge érotique l’éloigne de son bien-aimé Robert Plant . L’intelligence artistique est la fille de sa révérence pour Roger Waters . Et il y a encore très peu à dire. 

7) JEANNE JETT

La marraine du punk n’est pas là par hasard. Pouvoir placer le Jett parmi les dix meilleurs dîners de rock n’était pas difficile. Il y a des chiffres, et ils sont tous là. Trois disques d’or et une chanson éternelle : I love Rock And Roll. Ce n’est pas une merveille unique mais une présence constante dans le curcuito rock. Aimée en Europe et au Japon, elle a enfin trouvé le moyen d’être aimée et beaucoup aussi en Amérique.

6) PJ HARVEY

La révolution de velours et intellectuelle de PJ Harvey a été acclamée presque partout. Les sons sont extrêmes, tout comme sa pensée extrêmement libre et radicale. Avec Tori Amos, il a pratiquement divisé les goûts du public en deux. Son genre, plus plaçable et traitable, est devenu un véritable enseignement. Un avertissement pour les nouvelles générations, non seulement de rockeurs, mais de femmes en révolte pacifique et de pensée.

5) ARETHA FRANKLIN

Même avec Franklin, vous êtes du bon côté, même s’il s’agit d’une carrière plus croisée et transversale. Vous existez pratiquement depuis aussi longtemps que le rock and roll existe. Il excellait presque partout. Son être noir la place en effet parmi les précurseurs, les prototypes du genre, le modèle sur lequel construire une grande histoire. Le fait est que lorsque tous les genres musicaux coulent dans vos veines, la musique qui jaillit de vos lèvres est une pure force culturelle et de pensée.

4) SHERYL CROW

Elle est la star incontestée du rock féminin des années 90. Entre Barbara Streisand et Tina Turner, elle a toujours tenu un discours d’une puissance artistique raffinée et incontestée. Avec d’innombrables top dix et numéro un, il n’a pas raté un record depuis une décennie. Et maintenant, elle est numéro un dans le monde du rock féminin.

3) NINA HAGEN

Nina Hagen a une histoire vraiment intrigante. Les premiers succès arrivent chez elle, avec elle toute jeune, dans l’ancienne Allemagne de l’Est . Puis il parvient tant bien que mal à s’installer en Occident

Issue de la vibrante scène musicale berlinoise ( Bowie , Reed , Iggy Pop ), elle est l’un des rares produits de la nouvelle vague féminine. Elle est actuellement très active sur les réseaux sociaux. Nous l’avons choisi pour une raison très simple. Nous l’avons choisi pour avoir toujours utilisé le médium de la musique pour les batailles civiles et pour les droits de l’homme.

2) DEBBIE HARRY

Selon toute vraisemblance, avec l’Amiga , le célèbre ordinateur des années 80, et Basquiat , Debbie Harry est, en quelque sorte, la dernière création d’ Andy Warhol. Véritable perle de la nation alternative américaine, la vôtre devient immédiatement une question de classement. Et les chiffres parlent pour vous. Blondie , nom de scène et de son groupe historique, est un élément fondamental de la culture américaine et du business de la musique. Et pour faire court, elle a été l’alarme videodromica Max, James Wood , le film phénoménal Videodrome de Cronenberg .

1) JANIS JOPLIN

Peut-être qu’elle est la plus grande. Le seul à avoir interprété au maximum toute la riche parabole du grand mythe du rock and roll. Pure, elle a volé le travail à ses collègues noirs, avec sa voix intense et mordante. Émotionnel, perturbateur, toujours attentif aux meilleures chansons à chanter et presque toujours mieux que les originaux – surtout l’historique Bobby McGee . Mourir prématurément, vraie rock star. Mais comme tant d’étoiles de première grandeur, il a eu le temps d’éclairer la nuit des cieux musicaux pour toujours – ah ouais… .. Pleurez bébé , maintenant… .mais c’est juste une chanson….

Cheval de bataille du guitariste volcanique, la mystérieuse femme renarde marque les débuts de Jimi Hendrix dans le monde sensuel du rock. Quelle est la muse qui l’a inspiré ?

Foxy Lady ( ou Foxey Lady) est l’une de ces chansons cimentées dans l’histoire du rock. Non seulement il ouvre le premier album de Jimi Hendrix Experience , ARE YOU EXPERIENCED (1967) , mais il inaugure  l’accord Hendrix . Un accord de guitare particulier, fils du jazz, qui rend la touche de Jimi distinctive et sera également adopté par Steve Vai et Paul McCartney, qui l’utilise souvent en live dans son Let Me Roll It . Mais surtout la chanson se distingue par son parcours sinueux et le transport passionné de l’histoire racontée , même trop, selon Hendrix lui-même, qui a utilisé unapproche moins audacieuse et poussée des femmes . C’est précisément pour cette raison que lui et son manager, Chas Chandler , étaient indécis quant à la publication. Mais à la fin, la réplique poivrée et incisive de la chanson a trouvé sa brillante réalisation. Cependant, un doute subsiste, parfois ignoré même par les propres biographes du guitariste. Qui est la mystérieuse femme renard ?

Selon le biographe d’Hendrix, Harry Shapiro , l’inspiration de la dame énigmatique serait Heather Taylor. C’est un mannequin très connu dans les années 60 , qui a également fréquenté Jeff Beck et Jimmy Page , avant d’épouser, en 1967 , Roger Daltrey des Who . Il semble qu’elle et Hendrix se soient rencontrés à Londres en 1966 et que le guitariste ait été fasciné par la beauté douce de la jeune fille. Cependant, il y a aussi ceux qui disent que la chanson est en fait dédiée à l’ écrivain Kathy Etchingham , reine du Swinging  London et célèbre pour sa relation avec Hendrix à l’époque. Mais de telles hypothèses ne cachent pas ce que l’on pense être la véritable et sous-estimée muse d’Hendrix . La femme qu’il a aimée toute sa vie, mais qui n’a jamais été la seule. Il s’appelle Lithofayne (Fayne) Pridgon .

Un nom aussi imaginatif ne peut qu’accompagner une créature poétique, entourée de personnalités musicales influentes telles que Marvin Gaye, James Brown, Ike Turner et Sly Stone , sans oublier la meilleure amie Etta James . Ainsi, sa rencontre avec Hendrix s’est écrite dans les étoiles et a eu lieu lors d’ une fête à Harlem, New York, en 1962.  Les deux ont ainsi commencé une relation fluctuante et fragmentaire d’amour et d’amitié. Car Fayne était à cette époque une amante polyamoureuse , pleinement insérée dans l’ambiance dionysiaque et libertine de la fin des années soixante. À côté d’elle, il n’y avait donc pas seulement Hendrix, mais aussi Sam Cooke et Little Willie John. Mais Jimi n’aimait pas ça, car il voulait une relation exclusive avec Fayne et, peut-être, dans un avenir alternatif, il l’épouserait.

S’il ne pouvait pas me trouver, se souvient Lithofayne, tout le monde à Harlem savait qu’il me cherchait. Elle visitait ses repaires habituels et les gens lui disaient : Fille, Jimi, elle était là, tu ferais mieux d’y aller.

Ainsi The Guardian  rapporte l’un des moments quotidiens entre Jimi et Fayne. Et le même journal anglais fournit une description complète et détaillée de la figure mystique de Pridgon, remettant également en cause Winona Williams , qui avait des relations avec David Bowie et Paul McCartney . Mais, en plus de la figure de Lithofayne en tant que fêtarde à la mode, il y a aussi des détails qu’elle seule pouvait peut-être connaître. Par exemple, Hendrix a appelé  chacun de ses animaux de compagnie Foxy  . Non seulement cela, il définissait les belles filles comme des  foxies. Fayne elle-même se souvient quand elle portait certains vêtements et il lui dit : « Wow tu ressembles à un renard avec ça.»  Mais il n’y a pas que l’extrême certitude de Williams, qui a vécu aux côtés de Fayne, pour en témoigner.

En effet, il semblerait que plusieurs chansons de ARE YOU EXPERIENCED? sont dédiés à cette femme renard. Les plus accréditées sont  Love Or Confusion et  Can You See Me. Ainsi, en amont de ces considérations,  Foxy Lady  prend un nouveau visage, non seulement passionné, mais avide d’une relation fidèle. Comme l’a dit Williams: « Vous voulez toujours ce que vous ne pouvez pas avoir. Et il l’avait, mais il ne l’avait pas exclusivement, et cela l’a poussé à la limite. »

Auteur-compositeur et multi-instrumentiste, McCartney a donné vie à certaines des chansons les plus poétiques et évocatrices des Beatles. Voici 10 des meilleurs. 

Tout mon amour (1963)

Jamais sorti en single, All My Loving est l’une de ces compositions de McCartney qui n’ont été réévaluées en tant que chefs-d’œuvre que plus tard . A l’époque, en effet, il sortait en tant que troisième morceau de WITH THE BEATLES (1963) et obtint un succès catalyseur avec l’apparition des Beatles au Ed Sullivan Show , sur la vague de la vorace Beatlemania . Il semble que Paul ait commencé par le texte, probablement dédié à sa petite amie Jane Asher , puis est passé à la composition, très appréciée, notamment pour sa touche à la guitare, de John Lennon.

Hier (1965)

Je pense qu’hier – si ce n’était pas aussi réussi – pourrait être ma chanson préférée.

C’est ainsi que McCartney décrit sa célèbre chanson de 1965 , sortie avec l’album HELP! et à ce jour détenteur du record du plus grand nombre de pochettes, environ 1 600 . Une pièce Grammy Award , un beau et délicat poème entre quatuors à cordes et guitare acoustique. Le jeune Macca n’avait que 22 ans lorsqu’il a écrit cette élégie de l’amour.

Je viens de voir un visage (1965)

Guitares, pinceaux et maracas écrivent I’ve Just Seen A Face . Et McCartney, compositeur et chanteur, l’a décrit comme un peu western et un peu country . Dès les premières notes, en effet, on comprend comment ce morceau d’AIDE ! vous embrassez un ton conversationnel et poivré , qui implique et attire l’auditeur. Sa beauté réside dans le choix acoustique et dans cette familiarité d’écoute qui développe un charme intemporel.

Eleanor Rigby (1966)

En 1966 , REVOLVER devient le porte-parole d’un style avant-gardiste imprégné de psychédélisme , de philosophie et de spiritualité. Un album kaléidoscopique dans lequel Eleanor Rigby se démarque sur tous les morceaux. Dans un imposant cadre de cordes, la pièce libère toute son intensité dramatique, épelant des thèmes tels que la mort et la solitude , dans la couverture funèbre des âmes visant une fin sans équivoque.

Le fou sur la colline (1967)

Face à un produit comme le film Magical Mystery Tour , les Beatles ont pris du recul. Et, malgré le fait que le produit ait fait un flop sur le petit écran, le double EP du même nom sorti en 1967 contient des chansons très intéressantes. Parmi ceux-ci, une mention spéciale mérite The Fool On The Hill , un morceau hypnotique, onirique et céleste , entouré de flûtes et de guitares acoustiques . Sa composition est presque certainement influencée par la proximité spirituelle des Beatles avec le gourou Maharishi Mahesh Yogi .

Penny Lane (1967)

Penny Lane a rendu une rue de Liverpool célèbre dans le monde entier, où, en 1967 , McCartney s’est arrêté en bus en attendant Lennon. Sûrement un morceau d’empreinte iconique spécifique , ce morceau particulier a récemment suscité la polémique pour une connexion possible de la rue honorée avec le nom d’un marchand d’esclaves . Voici donc comment une seule référence revient au fil du temps avec une présence vivante. Dans notre cas, cependant, cette magnifique chanson est un hommage à l’enfance des Beatles.

Hé Jude (1968)

Titre de l’énigmatique WHITE ALBUM (1968) , Hey Jude fait partie de ces chansons qui s’impriment dans la mémoire et ne la quittent jamais. Il est impossible de ne pas l’imaginer chanté à haute voix par un chœur de personnes, avec toute sa puissance rythmique magique . Et qu’elle soit subtilement dédiée à John Lennon ou un hommage affectueux au fils de ce dernier, Julian, la chanson reste une perle unique. Qu’il suffise de dire qu’avec ses sept minutes de durée , c’est l’un des singles les plus longs à avoir jamais atteint le sommet des charts.

Merle (1968)

On reste sur le mystique WHITE ALBUM avec une chanson d’ une beauté poignante . Il s’agit de Blackbird , dont la simplicité de composition se conjugue à une profonde signification politique . Macca parle d’ égalité et de droits civiques , en chantant, à travers l’image allégorique du merle aux ailes brisées , les Noirs américains opprimés par les discriminations et les injustices des répressions de 1968. McCartney se retrouve seul avec sa guitare, pour raconter d’une voix à peine suggérée une souffrance qui ne peut être réduite au silence .

Quelle est l’inspiration pour le single extrêmement populaire et très réussi de Kiss, datant de 1985 « Tears Are Falling » ? En fait, il semble que l’inspiration pour Paul Stanley soit venue d’une certaine situation et d’un environnement qui n’a vraiment rien à voir avec le hard rock et le métal. Essayons de vous donner un indice : c’est un genre musical très sectoriel et il a à voir avec Prince , Michael Jackson , Stevie Wonder et Ray Charles . L’avez-vous deviné ? Ce n’est pas si facile. Cependant, c’est bien d’avoir des inspirations autres que les styles hard rock et métal habituels. Voyons donc l’histoire choquante de la chanson« Les larmes tombent ».

D’OÙ VIENT L’INSPIRATION DE LA CHANSON KISS ?

Le guitariste du groupe Kiss, Bruce Kulick, a rappelé cette période avec grand plaisir. Il a déclaré : « J’ai de bons souvenirs de cette époque où Paul Stanley m’a fait écouter ‘Tears Are Falling' ». En fait, je dois dire qu’il est difficile pour les fans d’entendre cette chanson même s’ils l’aiment, aussi parce qu’elle a une influence très particulière. Paul Stanley s’est inspiré de la Motown. Et en fait, maintenant, nous savons tous que le groupe solo de Stanley, Soul Station, est follement amoureux de la Motown ». En fait, il semble que l’ensemble du riff, s’il est joué avec quelques changements rythmiques, rappelle beaucoup « I Can’t Help Myself (Sugar Pie Honey Bunch) » des Four Tops .

LES RÉFÉRENCES MOTOWN DE LA PIÈCE KISS

Bruce Kulick n’a d’abord pas compris exactement ce qui l’avait frappé. Il a dit qu’il n’avait compris quelque chose que plus tard, mais qu’il avait vraiment beaucoup aimé cette pièce. Il se sentait vraiment très heureux et excité parce qu’il comprenait qu’il y avait des éléments qu’il avait déjà entendus et qu’ils l’intéressaient beaucoup, mais il ne comprenait pas lequel. Le morceau est sorti en septembre 1985 en tant que premier single du groupe qui a accueilli Bruce Kulick en tant que nouveau guitariste. La pièce a été un énorme succès et a été vue et vue sur MTV , aidant à augmenter la renommée de Kiss .

LE FANTASTIQUE CLIP VIDÉO DE « TEARS ARE FALLING »

Kulick a admis que faire la vidéo était quelque chose d’incroyable et d’ hilarant . Le clip vidéo est en fait plein de vêtements vraiment sauvages et exagérés et nous voyons le groupe Kiss sous une toute nouvelle apparence. Le groupe avait en effet temporairement abandonné les astuces qui les avaient rendus célèbres. Notamment, celui qui semblait avoir le plus de difficultés était le bassiste et fondateur Gene Simmons . Kulick, d’ autre part, était à l’aise d’avoir rejoint le groupe sur la pointe des pieds lors de la tournée de l’album précédent Animalize .

LE RÊVE DE BRUCE KULICK ÉTAIT ENFIN DEVENU RÉALITÉ

« Tears Are Falling » est également devenu célèbre pour avoir vu Bruce Kulick faire un solo de guitare très valable et composé dans des circonstances incroyables. En fait, il semble que le guitariste ait composé le riff de guitare alors qu’il était sous la douche. Et il était tout habillé sous la douche, vous pensez. Kulick était également un grand fan de Gene Simmons et pour lui, jouer dans Kiss était vraiment un beau rêve devenu réalité. Voici l’histoire choquante de la chanson « Tears Are Falling ».

Jim Morrison était le chanteur principal de The Doors , le groupe qui a marqué l’histoire du rock, ou plutôt qui a changé l’histoire du rock. Aujourd’hui, cela fait exactement 48 ans qu’il est décédé et nous voulons lui rendre hommage en racontant quelques curiosités sur sa vie et sa musique.

Qui était Jim Morrison ?

Jim Morrison est né le 8 décembre 1943 à Melbourne , en Floride. Malheureusement, comme d’autres légendes du rock, lui aussi a rejoint le Club J27.

De quoi s’agit-il? C’est une expression journalistique qui fait référence à certains artistes, principalement des chanteurs de rock, décédés à l’âge de 27 ans. Il existe la variante J27, qui désigne tous les artistes rock décédés à 27 ans et dont le nom ou prénom commençait par J. Morrison décédé le 3 juillet 1971 à Paris à l’âge de 27 ans. Au Club 27 on retrouve de grands noms du rock, pour la plupart décédés, entre les années 70 et le début des années 90. Quelques exemples d’artistes du Club : Brian Jones, Kurt Cobain, Jimi Hendrix et Janis Joplin.

Dans cet article, cependant, nous ne voulons pas nous concentrer sur sa mort, encore entourée de mystère, mais sur sa vie. Jim avait une âme agitée. Depuis son enfance, il était convaincu que l’esprit d’un Indien était entré en lui. À cet égard, il aimait raconter le moment où il pense que la rencontre avec cet esprit a eu lieu. Il était un enfant et voyageait à travers le désert du Nouveau-Mexique. En chemin, il a vu un accident de voiture et des Indiens étendus sur le sol, saignant et mourant.  » Je pense vraiment qu’à ce moment-là, l’âme de l’un de ces Indiens, ou peut-être les esprits de beaucoup d’entre eux, couraient comme un fou et m’ont traversé la tête « , a déclaré Jim.

Les portes

Jim Morrison était un enfant très intelligent avec d’excellentes notes à l’école, jusqu’à ce qu’il décide à un moment donné que tout cela ne l’intéresse plus. Poussé par ses parents, il entre cependant à l’université. Il écrit pour un cours de cinéma et c’est ici qu’il rencontre Ray Manzarek , le futur claviériste des Doors. Ensemble, ils décident de former un groupe. Pour choisir le nom du groupe était Jim, « The Doors ». Pourquoi exactement « les portes » ? Ce nom est inspiré du poème de William Blake, leur but était « d’ouvrir les portes de l’inconnu » .

Jim a toujours eu une personne importante à ses côtés : Pamela Courson, belle, longs cheveux auburn, visage pâle parsemé de taches de rousseur. Leur histoire était pleine d’amour et de difficultés. On sait que Jim Morrison était aussi un célèbre coureur de jupons, mais malgré cela et les excès de la chanteuse Pamela a toujours été à ses côtés. Jusqu’à la fin.

Le 27 novembre n’est pas un jour ordinaire, car en 1942 à cette date naissait l’une des plus grandes légendes du rock : Jimi Hendrix. Talentueux, excentrique, virtuose, il a révolutionné l’usage de la guitare électrique. Une vie vécue intensément, totalement consacrée au feu sacré du rock, jusqu’à la fin prématurée dans un hôtel londonien à l’âge de 27 ans.

James Marshall Hendrix, c’est son nom complet, est né à Seattle (Washington) le 27 novembre 1942 , dans une famille d’origine africaine, européenne, amérindienne et mexicaine. C’est son père qui l’initie à la musique en lui offrant sa première guitare pour droitier, alors qu’il était gaucher. Hendrix ensuite de le jouer à l’envers, une caractéristique qui le distinguera tout au long de sa carrière. 

La vie de Jimi est couronnée d’excès et d’une passion pour la musique. Peu de gens savent que Hendrix a également été arrêté. La police lui a fait choisir : la prison ou l’armée. Il choisit la deuxième option et devient parachutiste pour l’armée américaine. Malgré son immense talent pendant longtemps il a sauté d’un groupe à l’autre, à une certaine période il a également commencé à jouer pour de grands noms de la musique.

S’installant à New York, Hendrix forme son premier groupe en 1965, « Jimmy James and the Blue Flames », avec qui il se produit à Greenwich Village, un quartier légendaire de la contre-culture américaine. Jimi obtient un contrat et une première stabilité. Son talent est remarqué par l’ancien bassiste des Animals , un important groupe britannique des années 60, Chas Chandler. Le musicien, aujourd’hui manager, l’emmène avec lui à Londres et lui fait enregistrer « Hey Joe », un blues traditionnel qu’Hendrix transforme en une chanson rock sauvage.

A partir de ce moment, la carrière de Jimi décolle vraiment. Ce qui le rend unique, c’est sa façon d’être et de jouer. Hendrix révolutionne la façon de jouer de la guitare dans le rock et aussi d’être sur scène. Ses performances sont de plus en plus transgressives, avec Hendrix qui vient mimer les relations sexuelles avec la guitare. Il la joue aussi avec ses dents, derrière son dos, contre le pied de micro et contre l’amplification.

Il y a deux événements qui sont surtout restés dans la mémoire du public : l’un est le Monterey Pop Festival de 1967 et l’autre la représentation de 1969 à Woodstock. A Monterey pour la première fois, Jimi Hendrix termine sa prestation en mettant le feu à la guitare. A Woodstock, Hendrix triomphe avec une version profanatrice et balafrée de l’hymne américain (« Star Spangled Banner »). Une sorte de protestation contre la guerre du Vietnam, à tel point qu’elle simule avec ses bruitages les bombardements et les mitrailleuses sur les villages vietnamiens.

Une vie légendaire qui s’est éteinte prématurément à 27 ans. La mort d’Hendrix, suivie 16 jours plus tard par celle de Janis Joplin et neuf mois plus tard par le leader des Doors Jim Morrison , mettra fin à une ère d' »enfants des fleurs », de mouvements de protestation et de rassemblements océaniques.

Brown Sugar est l’une des chansons les plus célèbres des Rolling Stones : elle est sortie le 16 avril 1971 en Grande-Bretagne. Écrit par Mick Jagger et Keith Richards, le single « Brown Sugar » fait partie de l’album Sticky Fingers, le 9e album de la longue histoire du groupe (9e en Europe, 11e sur le marché américain). Brown Sugar a précédé la sortie de l’album, qui a été lancé en mai de la même année.

L’histoire de la chanson des Stones

Le single a occupé la première place du hit-parade pendant deux semaines aux États-Unis, au Canada et en Hollande, tandis qu’en Grande-Bretagne, il n’a occupé « que » la deuxième place.

La chanson « Brown Sugar » commence par un riff de guitare électrique (long solo) et les paroles de Jagger, se poursuivant ensuite avec la batterie et le saxophone, un instrument qui devient le protagoniste de la chanson à partir de la minute 1’38 ».

Le chant de Mick Jagger est également accompagné par le refrain des autres membres du groupe, mais il prend une importance moindre que les instruments de musique, qui ont le dessus dans la chanson. La chanson a probablement été composée par Jagger lors du tournage du film « The Kelly Brothers », en Australie, en 1969. En fait, la chanson a été enregistrée en 1969 mais n’a pas été publiée immédiatement en raison de problèmes de droits d’auteur. Jagger l’a dédié à sa partenaire secrète, la mère de son fils Karis.

Le texte de Brown Sugar

Les paroles de la chanson sont très scandaleuses : le titre lui-même fait allusion à la fois à un type d’héroïne (« brown sugar » signifie littéralement « sucre brun » en référence au sucre brut, le sucre brun ; toutefois, dans l’argot de la rue, il désigne principalement l’héroïne) et à une jeune fille noire. L’intrigue parle en fait d’esclavage, de sadomasochisme, de sexe, de drogue et de perte de virginité. Il y est question d’une femme mûre qui fait l’amour avec son esclave noir, d’une jeune fille qui perd sa virginité, mais de manière voilée. Souvent en effet, grâce à la mélodie connue et entraînante, le texte est toujours passé au second plan.

Le 18 décembre 1970, lors de l’anniversaire de Keith Richards, a été enregistrée une version avec Al Kooper au piano et Eric Clapton à la guitare. Pour la version finale de l’album, le groupe était indécis quant à savoir s’il fallait publier ce dernier ou l’original : finalement, ils ont opté pour celui déjà enregistré, car ce dernier était trop spontané dans les arrangements.

Paroles originales de la chanson

Un bateau d’esclaves de la Gold Coast en route pour les champs de coton, vendu dans un marché à la Nouvelle-Orléans.

Le vieux slaver balafré sait qu’il s’en sort bien ;

Je l’ai entendu fouetter les femmes vers minuit ;

Ah, la cassonade, comment se fait-il que tu aies si bon goût ?

(A-ha) Brown Sugar, comme une jeune fille devrait le faire A-huh ;

Les tambours battent, le sang froid anglais est chaud ;

La dame de la maison se demande où ça va s’arrêter ;

Le garçon de maison sait qu’il s’en sort bien ;

Vous auriez dû l’entendre vers minuit ;

Ah le sucre brun, comment se fait-il que tu aies si bon goût ?

(A-ha) Brown Sugar, comme une fille noire devrait le faire A-huh ;

Je parie que ta mère était une reine du spectacle, et que tous ses garçons ;

Les amis avaient seize ans ;

Je ne suis pas un écolier, mais je sais ce que j’aime ;

Vous auriez dû m’entendre vers minuit ;

Ah, la cassonade, comment se fait-il que tu aies si bon goût ?

(A-ha) Sucre brun, comme une jeune fille devrait le faire ;

J’ai dit ouais, j’ai dit ouais, j’ai dit ouais, j’ai dit ouais, j’ai dit ;

Oh, juste comme une, juste comme une fille noire devrait ;

J’ai dit ouais, j’ai dit ouais, j’ai dit ouais, j’ai dit ouais, j’ai dit ;

Oh juste comme, juste comme une fille noire devrait.

La traduction italienne du texte

Navire négrier de la Gold CoastNen route vers les champs de coton ;

vendu dans un marché en bas de la Nouvelle-Orléans :

L’esclavagiste sait qu’il s’en sort bien :

Écoutez comment il fouette les femmes autour de minuit ;

Ah, le sucre brun :

Tu as si bon goût ;

(A-ha) Sucre brun comme une petite fille devrait le faire

Les tambours résonnent, le sang froid anglais est chaud ;

La maîtresse de maison se demande où il s’arrêtera ;

Le gars sait qu’il se débrouille bien ;

Vous auriez dû l’entendre vers minuit ;

Ah, le sucre brun ;

Tu as si bon goût ;

(A-ha) Sucre brun comme une petite fille devrait le faire ;

Je parie que ta mère elle était la reine du cirque, et toutes ses petits amis avaient 16 ans ;

Je ne suis pas un écolier, mais je sais ce que j’aime ;

Vous auriez dû m’entendre vers minuit ;

Ah, le sucre brun ;

Tu as si bon goût ;

(A-ha) Sucre brun, comme une petite fille devrait le faire

J’ai dit oui, j’ai dit oui ;

J’ai dit oui, j’ai dit ;

Oh juste comme un ;

comme une fille noire devrait le fair ;

J’ai dit oui, j’ai dit oui ;

J’ai dit oui, j’ai dit ;

Oh juste comme un,

comme une fille noire devrait le faire

Curiosités

Certaines des phrases les plus scandaleuses (« écoutez-le quand il fouette les femmes vers minuit ») ont été éditées pour être moins offensantes (« vous devriez l’écouter vers minuit »).

La chanson a également été incluse dans la collection « Hot rocks » 1964-1971, la première collection des Rolling Stones publiée aux États-Unis grâce à la maison de disques ABKCO, appartenant au manager Allen Klein. La collection était en fait une initiative de la maison de disques pour obtenir plus de ventes et plus d’argent du groupe et a été un grand succès. En Angleterre, il n’est sorti qu’en 1990 mais, malgré les années écoulées, il a obtenu la troisième place dans les charts.

En 1998, la chanson Brown Sugar est également devenue la bande-son d’une publicité pour Pepsi Cola, mais pas la version originale.

Slippery When Wetle 

Sorti en 1986, l’album « Slippery When Wet » est considéré comme le plus réussi parmi ceux réalisés par le groupe Bon Jovi. En Amérique, l’album obtient le « disque d’or » et une douzaine de « disques de platine », tandis que dans le reste du monde, ce chef-d’œuvre musical, symbole du hard rock, se vend à environ 33 millions d’exemplaires. En même temps que l’album, une collection de clips vidéo est également lancée pour la promotion.

Les quatre singles extraits de l’album (« Wanted Dead or Alive », « You give Love a Bad Name », « Never Say Goodbye », « Livin’ on Prayer ») atteignent de très bonnes positions dans les hits musicaux, restant longtemps en tête des charts mondiaux.

Critique

Par rapport aux albums précédents, qui n’ont pas eu le succès escompté et ont même été pris pour cible par les critiques, ce troisième album de Bon Jovi comporte des collaborations précieuses : le célèbre compositeur Desmond Child, Bruce Fairbaim comme producteur et Bob Rock comme ingénieur du son.

La plupart des chansons contenues dans « Slippery When Wet » ont été écrites par Richie Sambora et Jon Bon Jovi. Sambora avait initialement décidé de ne pas inclure dans l’album la chanson « Livin’ on Prayer », mais il a ensuite cédé à leur insistance, et la chanson est ainsi devenue l’une des plus célèbres de tout l’album. Quelle est la raison du titre de l’album « Slippery When Wet » ? (qui signifie en français « glissant quand il est mouillé »).

C’est le claviériste du groupe, David Bryan, qui révèle que pendant l’enregistrement de l’album, le groupe se rendait dans un club de striptease où de belles filles se mouillaient avec de l’eau et du savon, à tel point qu’il était difficile de les tenir tant elles étaient glissantes. À un moment donné, un membre du groupe s’exclame : « Slippery When Wet », et les autres réalisent immédiatement que cela aurait été le titre du nouvel album !

Affiche polémique

À l’origine, la couverture de l’album devait montrer une photo avec un énorme sein, mais pour éviter les dénonciations d’une association moralisatrice dirigée par le vice-président des États-Unis de l’époque, Al Gore, le groupe a décidé d’opter pour une autre solution moins risquée. La nouvelle couverture est conçue par Jon Bon Jovi, et représente un sac d’ordures mouillé sur lequel le chanteur écrit le titre.

Vingt ans après la sortie de l’album, le 20 septembre 2005, « Slippery When Wet » est réédité en double disque (face CD et face DVD, avec les cinq clips vidéo extraits). Bon Jovi, héritant du rock traditionnel des années 80 (dont Bruce Springsteen est le représentant le plus important), est devenu le représentant le plus célèbre du hard rock émergent, atteignant en peu de temps le succès planétaire. Les chansons contenues dans ce troisième album sont imprégnées du style métropolitain et traitent des choix, des peurs et des désagréments de la jeunesse.

Thématique de l’album

Il y a évidemment des allusions autobiographiques, parfois entourées de mélodies romantiques. L’album contient également des « ballades » au goût nostalgique, comme la célèbre « Never Say Goodbye ». La chanson contient un avertissement de se laisser aller à l’existence, sans rester bloqué sur des idées et des choix définitifs, mais toujours prêt à se remettre en question. La formule musicale gagnante de ce groupe américain est devenue un modèle pour les groupes qui se sont formés par la suite, mais aucun n’a réussi à égaler le hard rock mélodique original de Bon Jovi.

Concerts

Le groupe américain, originaire du New Jersey, s’est formé en 1983. Au cours de sa carrière, le groupe a sorti onze albums studio, un album live et trois collections. Bon Jovi a donné plus de quatre mille concerts dans le monde entier. Actuellement, le groupe est composé de : Jon Bon Jovi (chanteur), David Bryan (claviériste), Richie Sambora (guitariste principal), Tico Torres (batteur).

Si vous vous considérez comme un véritable amoureux des Beatles et que vous passez par Hambourg, Liverpool ou New York, vous ne pouvez pas manquer ces lieux. Si vous n’avez pas encore lu Lieux que tout fan des Beatles devrait connaître, nous vous encourageons à le faire afin de poursuivre votre lecture et d’en découvrir davantage sur l’histoire de ce célèbre groupe.

Blue Angel Pub

Dans le centre de Liverpool, entre les rues Seel et Berry, se trouve le célèbre pub où le célèbre groupe a commencé à jouer comme substitut jusqu’à ce qu’il se fasse une place dans le lieu. Dans cette rue légendaire, non seulement ils ont joué, mais aussi les Rolling Stones, Bob Dylan et bien d’autres stars des années 60. L’agent original des Beatles, Allan Williams, était autrefois le propriétaire du lieu. De multiples auditions pour le célèbre groupe y ont eu lieu.

Memorial Imagine

Au milieu du Central Park de New York se trouve un monument dédié à l’une des personnalités musicales les plus importantes de son siècle : John Lennon. Là, une section du parc a été baptisée Strawberry Fields et une plaque indique « Imagine » en l’honneur du célèbre Beatle et de la chanson qui lui a donné une place importante en tant que symbole de paix dans le monde.

Top Ten Club

En 1960, un bâtiment en bois de style germanique situé dans la rue Reeperbahn devient le célèbre Top Ten Club, un lieu que le groupe doit quitter car George Harrison n’a pas encore atteint sa majorité. L’année suivante, ils sont revenus pour signer un contrat de concert de trois mois. C’est là que l’éditeur de musique Schacht leur a obtenu leurs premiers enregistrements.

Penny Lane

C’est le nom d’une des chansons les plus célèbres du groupe et, bien qu’elle soit souvent considérée comme une femme, Lennon a en fait passé les cinq premières années de sa vie près de cette rue de Liverpool. Il avait l’habitude de rencontrer McCartney à ce carrefour pour prendre un bus vers le centre ville.

Rue Hope

Cette rue de Liverpool relie la cathédrale anglicane à la cathédrale catholique. Les environs de cette rue de Liverpool rappellent l’adolescence de Cynthia Powell, John Lennon, George Harrison et Paul McCartney. À son intersection avec Mount Street, où se trouvent la Liverpool School of Arts et le Liverpool Institute of Applied Arts, ils se réunissaient pour des soirées musicales.

En outre, il y a la célèbre sculpture « A case history » qui rassemble les valises et les étuis de guitare des grands de Liverpool tels que McCartney et Lennon.

Champ de fraises

Il est surprenant de voir la renommée de ce lieu grâce à la célèbre chanson du groupe. Cet orphelinat a été inauguré en 1870 et ce n’est qu’en 1967 que Lennon a écrit la chanson Strawberry Field avec laquelle il est devenu célèbre. Un groupe y jouait et ce fut l’une des premières approches musicales du célèbre artiste.

Désormais, en plus de transférer les chansons et les albums déjà présents sur votre ordinateur vers votre nouveau lecteur MP3, vous souhaitez télécharger de la musique sur Internet pour mettre à jour votre catalogue musical sans dépenser un centime et, en même temps, sans vous heurter à des pratiques illégales. Cependant, n’ayant jamais fait cela auparavant, vous craignez que vous ne puissiez pas le faire. Découvrez comment télécharger légalement de la musique gratuite sur des ordinateurs, des smartphones et des tablettes

Services permettant de télécharger de la musique gratuitement et légalement

Il existe plusieurs services qui vous permettent de télécharger légalement de la musique gratuite, tels que les sites qui collectent de la musique non protégée par le droit d’auteur ou les plateformes sur lesquelles les artistes eux-mêmes mettent leur musique à disposition pour le téléchargement. En voici quelques-unes qui pourraient vous convenir.

Jamendo

L’une des premières solutions que vous pouvez envisager pour télécharger légalement de la musique gratuite est Jamendo. Si vous n’en avez jamais entendu parler, sachez qu’il s’agit d’une plateforme qui rassemble la musique produite par des artistes et des labels indépendants et qui vous permet de diffuser et de télécharger de la musique sans limite. Pour télécharger de la musique avec Jamendo, connectez-vous au site web du service et cliquez sur le bouton Démarrer, puis sélectionnez l’option Créer un compte dans la barre latérale gauche et choisissez de vous inscrire en utilisant votre compte Facebook, votre compte Google ou votre adresse électronique. Dans ce dernier cas, entrez les informations requises dans les champs Email et Mot de passe, appuyez sur le bouton Créer un compte et choisissez de personnaliser votre compte en entrant vos informations dans les champs Nom affiché, Date de naissance, Sexe, Pays et Ville ou d’éviter cela en cliquant sur l’option Ignorer. Enfin, appuyez sur le bouton X pour ne pas recevoir d’e-mails de Jamendo et cliquez sur le bouton OK pour terminer la création de votre compte.

Vous êtes maintenant prêt à télécharger de la musique. Dans l’écran d’accueil de Jamendo, vous pouvez voir les chansons du moment que vous pouvez filtrer par genre en cliquant sur l’option Tous les genres et en sélectionnant celle qui vous intéresse. Vous pouvez également rechercher une chanson ou un album en utilisant le moteur de recherche. Inscrivez ensuite le titre de la chanson qui vous intéresse ou le nom de l’artiste dans le champ « Recherche de musique indépendante », attendez les résultats de la recherche et cliquez sur la chanson, l’artiste ou l’album qui vous intéresse. Si, en revanche, vous souhaitez accéder à la liste complète des titres et albums disponibles sur Jamendo, cliquez sur l’élément Découvrir dans la barre latérale gauche, sélectionnez l’onglet #Communautés pour voir tous les genres musicaux disponibles et cliquez sur celui qui vous intéresse. Sur la page nouvellement ouverte, choisissez l’onglet Chansons pour afficher la liste des chansons disponibles, cliquez sur l’élément Albums pour la liste des albums ou sélectionnez l’option Artistes pour afficher la liste des chanteurs et groupes du genre précédemment choisi.

Une fois que vous avez trouvé la chanson ou l’album que vous souhaitez télécharger, cliquez sur l’icône de la flèche vers le bas et appuyez sur le bouton « Téléchargement gratuit pour une utilisation personnelle en qualité MP3 » pour commencer le téléchargement au format MP3. Vous devez savoir que les morceaux disponibles sur Jamendo sont sous licence Creative Commons et peuvent être utilisés dans des projets personnels, tels que des vidéos, des sites web et d’autres utilisations non commerciales. Pour utiliser les pistes à des fins commerciales, vous devez toutefois acheter une licence spéciale. Pour en savoir plus sur ce sujet, il vous est suggéré de lire les informations fournies dans la section « Licences » du site web de Jamendo. Ce service est également disponible sous forme d’application pour les appareils Android et iOS. Toutefois, la fonction de téléchargement n’est pas disponible sur l’iPhone et l’iPad.

Donc, si vous avez un smartphone ou une tablette équipée d’Android et que vous voulez télécharger de la musique de Jamendo, lancez l’application officielle du service, appuyez sur le bouton Login, saisissez les détails de votre compte dans les champs Saisissez votre nom d’utilisateur et entrez un mot de passe, puis appuyez sur le bouton Login. Si vous n’êtes pas encore inscrit sur Jamendo, appuyez sur l’option Créer un compte, saisissez votre adresse électronique et un mot de passe à associer à votre compte dans les champs appropriés et appuyez sur le bouton Créer un compte. Maintenant, appuyez sur l’icône de la loupe pour rechercher une chanson, un album ou un artiste, sinon appuyez sur le bouton ≡ et choisissez l’option Découvrir pour voir la liste des titres et albums disponibles sur Jamendo, divisée par genre. Une fois que vous avez trouvé la chanson ou l’album que vous voulez télécharger, appuyez sur son icône en forme de flèche vers le bas et vous avez terminé.

SoundCloud

SoundCloud est une plate-forme qui permet aux artistes, DJ, producteurs de musique et amateurs de musique de télécharger et de promouvoir leurs créations musicales. En plus de permettre la diffusion gratuite et illimitée de contenu en continu, certains morceaux peuvent également être téléchargés sur SoundCloud, à condition que l’auteur ait autorisé leur téléchargement. Malheureusement, il n’est pas possible de visualiser uniquement les chansons disponibles au téléchargement, de sorte que trouver une chanson à télécharger peut être un processus assez long. Si vous pensez que SoundCloud est la meilleure solution pour vos besoins, allez à la page principale du service et cliquez sur le bouton « Créer un compte » pour créer votre compte, qui est utile pour télécharger les chansons qui vous intéressent.

Sur la page nouvellement ouverte, saisissez votre adresse électronique dans le champ approprié et cliquez sur le bouton Continuer, puis créez un mot de passe à associer à votre compte en le saisissant dans le champ Votre mot de passe et en appuyant sur le bouton Connexion. Maintenant, tapez le titre de la chanson que vous voulez télécharger dans le champ de recherche et cliquez sur l’icône de la loupe pour voir les résultats de la recherche. Ensuite, localisez la chanson qui vous intéresse, appuyez sur le bouton Plus et sélectionnez l’option Télécharger le fichier dans le menu qui apparaît pour commencer à la télécharger. Si vous vous demandez si SoundCloud est également disponible sous forme d’application pour les appareils Android et iOS, la réponse est oui, mais sur les appareils portables, il ne permet pas de télécharger des chansons hors ligne.

Free Music Archive

Free Music Archive est une plateforme qui rassemble à la fois de la musique qui n’est plus protégée par le droit d’auteur et des chansons et albums que leurs auteurs respectifs ont décidé de les diffuser gratuitement. Il n’est pas nécessaire de s’inscrire pour télécharger des titres. Pour télécharger légalement de la musique sur Free Music Archive, connectez-vous à son site web, cliquez sur Genres dans le menu principal et choisissez le genre de musique qui vous intéresse en cliquant sur l’une des options disponibles parmi Blues, Classique, Country, Electronique, Folk, Hip-Hop, Instrumental, Pop, Rock, etc. Dans la nouvelle page ouverte, indiquez également le sous-genre si vous souhaitez filtrer davantage votre recherche Maintenant, localisez le titre qui vous intéresse, appuyez sur le bouton ▶︎ pour le lancer et, si vous l’aimez et souhaitez commencer à le télécharger au format MP3, cliquez sur l’icône correspondante de la flèche vers le bas. En outre, vous devez savoir qu’en cliquant sur le titre de la chanson, vous pouvez voir le type de licence sous laquelle elle est distribuée.

Archive.org

Archive.org est un autre site Internet à considérer pour télécharger de la musique légalement. Il est proposé comme une véritable archive numérique dans laquelle tout le matériel qui n’est plus couvert par le droit d’auteur est collecté et qui permet le téléchargement gratuit sans enregistrement. Pour télécharger de la musique gratuite à partir d’Archive.org, établissez un lien avec la page principale du service, cliquez sur l’icône de la caisse enregistreuse en haut et choisissez l’option Tous les sons pour voir tout le contenu musical disponible. Maintenant, sélectionnez la catégorie qui vous intéresse en cliquant sur une des options disponibles parmi Community Audio, Live Music Archive, Radio Programs, Old Time Radio, Music, Art Pour mieux comprendre, si vous cherchez de la musique de jazz à télécharger sur votre ordinateur, choisissez d’abord la catégorie Musique, Art Une fois que vous avez trouvé le morceau qui vous intéresse, cliquez sur son titre et, sur la nouvelle page ouverte, appuyez sur le bouton ▶︎ pour commencer à le jouer. Si vous l’aimez, localisez la boîte d’options de téléchargement, choisissez le format de téléchargement parmi ceux disponibles et cliquez sur l’icône de la flèche vers le bas pour commencer le téléchargement.

Téléchargez de la musique gratuite et légale sur YouTube

Si vous avez l’intention de télécharger légalement de la musique gratuite sur YouTube, sachez que la populaire plateforme propriétaire de Google vous permet de télécharger des chansons en local pour les écouter hors ligne via l’application YouTube Music pour les appareils Android et iOS. Bien que le service vous permette d’écouter de la musique gratuitement sans limitations, pour télécharger des titres et profiter de fonctionnalités supplémentaires, vous devez vous abonner à Music Premium. Toutefois, les nouveaux utilisateurs ont la possibilité d’utiliser le service gratuitement pendant 30 jours. Après avoir téléchargé et démarré YouTube Music, sélectionnez le compte Google pour vous connecter au service et appuyez sur le bouton Démarrer l’essai gratuit. Si vous disposez d’un appareil Android, saisissez vos informations personnelles dans les champs appropriés, sélectionnez le mode de paiement entre carte de crédit et PayPal, saisissez vos coordonnées et appuyez sur le bouton Acheter. Si vous utilisez un iPhone ou un iPad, confirmez votre essai en appuyant deux fois de suite sur le bouton de droite ou en entrant votre mot de passe Apple ID.

Vous êtes maintenant prêt à télécharger de la musique en local avec YouTube Music. Pour continuer, tapez sur l’icône de la loupe et cherchez la chanson qui vous intéresse en tapant le titre dans le champ de recherche, puis tapez sur l’icône à trois points de la chanson que vous voulez télécharger et choisissez l’option de téléchargement dans le menu qui apparaît. Vous pouvez voir les chansons téléchargées en appuyant sur l’élément Collecte et en sélectionnant l’option Téléchargement. Vous voudrez savoir qu’en activant la version d’essai gratuite de YouTube Music, vous avez également activé le renouvellement automatique de l’abonnement Premium. Pour le désactiver et éviter les frais, si vous avez un appareil Android, tapez sur votre photo dans le coin supérieur droit, choisissez l’option Abonnements payants, appuyez sur le bouton Gérer à côté de YouTube Music Premium et choisissez l’option Ouvrir à côté du navigateur installé sur votre appareil.

Sur la page nouvellement ouverte, saisissez les informations de connexion de votre compte Google dans les champs appropriés, appuyez sur le bouton Suivant, sélectionnez Annuler l’abonnement et confirmez votre intention en appuyant sur le bouton Oui, Annuler pour désactiver le renouvellement automatique de votre abonnement à YouTube Music. Si vous avez un iPhone ou un iPad, allez plutôt dans les réglages d’iOS en tapant sur l’icône de la roue dentée sur l’écran d’accueil, appuyez sur votre nom et choisissez l’option iTunes Store et App Store. Tapez maintenant sur votre Apple ID, choisissez « View Apple ID » dans le menu qui s’affiche et entrez votre mot de passe si vous y êtes invité, puis tapez sur « Subscriptions and Music Premium » et sur « Cancel » pour désactiver le renouvellement automatique de Music Premium.

Services de streaming musical

En plus de YouTube Music, vous devez savoir qu’il existe d’autres services de streaming musical qui vous permettent de télécharger des chansons sur votre smartphone ou votre tablette pour les écouter hors ligne. Toutefois, cette fonctionnalité n’est disponible qu’en activant un abonnement. Cela dit, les nouveaux utilisateurs peuvent presque toujours activer un essai gratuit qui leur permet de tester le service pendant une période limitée.

Spotify

Ce service de streaming musical très populaire vous permet de télécharger des chansons et des albums pour vous assurer de pouvoir les écouter même lorsqu’une connexion Internet n’est pas disponible. Les nouveaux utilisateurs peuvent bénéficier d’un essai gratuit de 30 jours, mais disponible à la fois en version payante.

Apple Music

Est le service de streaming musical payant d’Apple. En plus de donner accès à un riche catalogue de titres et d’albums, il permet également des téléchargements locaux. Il est possible de tester gratuitement son fonctionnement pendant 3 mois, mais disponible à la fois en version payante.

Google Play Music

Le service de streaming musical de Google disponible à la fois en version gratuite et en version payante. Vous pouvez télécharger les morceaux qui vous intéressent pour les écouter hors ligne.

Amazon Music

C’est le service de streaming musical d’Amazon avec un catalogue de plus de 50 millions de titres, disponible à la fois en version gratuite avec un essai gratuit de 30 jours et en version payante. Les abonnés d’Amazon Prime peuvent accéder gratuitement au service, mais dans une version réduite qui offre un accès à 2 millions de titres et limite l’écoute à 40 heures par mois. Dans les deux cas, vous pouvez télécharger les morceaux sur votre appareil pour les écouter hors ligne.

Vous aimez la musique rock ? Vous voulez connaître les festivals et les célébrations qui se déroulent autour de ce genre ? Vous voulez profiter de votre musique préférée dans les endroits les plus reculés du monde ? Ne manquez pas cet article, où nous vous présentons la plus importante tournée rock des États-Unis. 

1. Lieu de culte de la musique rock : 924 Gilman

Il s’agit du nom de l’Alternative Music Foundation située au 924 Gilman Street à Berkeley, en Californie. Il est célèbre pour être un lieu de culte de la musique punk, où se tiennent depuis 1986 des concerts de Green Day, Rancid ou The Offspring.

2. La boite de nuit Emo’s

Il s’agit d’une boîte de nuit située sur Riverside Drive, à Austin, au Texas. Il s’agit du lieu officiel du festival de musique South by Southwest, qui se tient également au même endroit. Ce club a commencé par jouer de la musique punk rock et, à ce jour, vous pouvez danser sur une grande variété de musique punk rock. Si vous aimez le punk, c’est votre endroit.

3. La salle de concert Slowdown

Le Slowdown a été construit comme une salle de concert dans la ville de Nodo, à Omaha, dans l’État du Nebraska. Il fait partie d’un des locaux de la société de divertissement Saddle Creek Records. Le lieu accueille des événements de musique rock alternative en direct et propose une variété d’alcools, de bières, de vins et de cidres.

4. La salle de concert Double Door

Le Double Door est une salle de concert et une boîte de nuit située dans le centre-ville de Wicker Park, dans la ville de Chicago. Il dispose de deux étages, dont un avec des machines d’arcade et des billards. Dans cette salle sont organisés des concerts de hip-hop, de heavy metal, de funk, de rock, etc. De nombreux artistes célèbres ont eu l’occasion de jouer au Double Door, comme Chevelle, Wilco, Emilie Autumn ou les Rolling Stones.

5. Studio Sun

Il a été créé comme studio pour Sun Records et est devenu si populaire qu’il a été déclaré site historique américain en 2003. Ne le manquez pas !

Comédie musicale entrée dans l’histoire du cinéma également grâce à son casting, « The Blues Brothers » est devenu culte au fil des ans. Le film est entré dans le livre Guinness des records grâce à la scène présentant le plus grand nombre d’accidents de voiture de tous les temps.

« TheBlues Brothers » est un film de 1980 réalisé par John Landis, avec John Belushi dans le rôle de Jake, Dan Aykroyd dans le rôle d’Elwood, Ray Charles dans le rôle de Ray, Matt Murphy dans le rôle de Matt, Lou Marini, dans le rôle de Lou, Aretha Franklin, dans le rôle de la femme de Matt et Carrie Fisher, dans le rôle de la femme mystère.

Trajectoire du film

Après avoir repris possession de ses affaires personnelles, Joliet Jake Blues est libéré de la prison de Joliet et confié à la garde d’Elwood, son frère. Jake est en semi-liberté, et s’était retrouvé en prison à cause d’un vol commis pour payer un dîner avec les membres du groupe Blues Brothers.

Jake, cependant, se met en colère dès qu’il apprend que son frère est venu le chercher au volant d’une Dodge Monaco qui appartenait auparavant à la police locale. Après un premier moment de tension, cependant, Jake reconnaît les qualités de la voiture et la désigne comme la nouvelle Bluesmobile. Les deux frères arrivent à l’orphelinat catholique qui les a vus grandir. Ils y apprennent que l’établissement devra fermer s’ils ne trouvent pas 5 000 dollars pour payer les taxes sur la propriété du bâtiment. Si Jake explique qu’il est possible de trouver cet argent facilement, la « Pingouin », comme on appelle la religieuse qui dirige le bâtiment, rétorque qu’elle n’a pas l’intention d’accepter de l’argent sale. Les deux frères sont donc mis à la porte de l’établissement, tandis que la religieuse ferme simplement la porte par la force de sa pensée.

C’est alors que Curtis, l’homme qui a initié les frères au blues lorsqu’ils étaient enfants, les invite à l’église baptiste Triple Rock. C’est là que Jake reçoit l’illumination divine (le révérend est joué par James Brown), et la révélation qu’il doit réunir l’ancien groupe afin de récupérer l’argent pour sauver l’orphelinat. La tâche de Jake, en bref, est de réunir les anciens membres du groupe pour qu’ils jouent à nouveau ensemble, et de rembourser la dette de l’orphelinat avec les recettes des concerts.

Les frères se retrouve en difficulté

Les frères partent en mission pour Dieu, mais se retrouvent immédiatement en difficulté. Après avoir grillé un feu jaune, ils sont poursuivis par deux policiers locaux. Elwood s’échappe, car il conduit avec un permis suspendu. Les Blues Borthers, après une course poursuite imprudente, parviennent à se sauver en fonçant dans un centre commercial où ils causent de très graves dégâts.

Lorsqu’ils arrivent au petit hôtel où se trouve Elwood, les deux hommes sont accueillis par une mystérieuse femme munie d’un bazooka. Ils parviennent ensuite à entrer dans leur chambre, et malgré le terrible bruit émis par la boucle de Chicago, ils se reposent. Le lendemain, le couple reçoit la visite des policiers qui les poursuivaient. Alors que leur arrestation est sur le point de se concrétiser, la mystérieuse femme qu’ils avaient précédemment rencontrée avec des bombes radiocommandées fait exploser l’hôtel. Les Blues Brothers émergent des décombres et s’enfuient, avec une mission en tête : réunir le Blues Brother Band.

Les « Blues Brother Band » réunis

Les premiers membres se retrouvent au Holiday Inn, où ils se produisent sous le nom de « Murph and Magic Tones » dans une reprise de « Quando Quando Quando ». Sans trop de difficultés, on les persuade de réintégrer le groupe. M. Fabulous, c’est-à-dire le trompettiste, travaille plutôt comme maître d’hôtel au restaurant « Chez Paul ». Après une réticence initiale, il est forcé de rejoindre le groupe par Elwood et Jake, qui harcèlent les clients et commandent des plats coûteux jusqu’à ce que leur ancien partenaire se décide à accepter.

Sur le chemin du saxophoniste Lou Marini et du guitariste Matt Murphy, les membres du nouveau groupe rencontrent une manifestation organisée par le White American Socialist Party, qui occupe un pont. Alors qu’ils avancent, les Blues Brothers en font tomber plusieurs dans l’eau. Ils arrivent ensuite au restaurant de Matt, où il travaille avec Lou. Les commandes d’Elwood et de Jake leur permettent d’être reconnus par Murphy, et d’être accueillis avec enthousiasme. Lou et Matt n’hésitent pas à retourner dans leur ancien groupe, malgré les tentatives de la femme de Matt de le convaincre de rester. Enfin réunis, le groupe achète les instruments de musique à Ray l’aveugle et le paie en billets à ordre.

Jake, cependant, a un problème. Il ne sait pas où faire jouer ses camarades de groupe. Par hasard, le groupe se retrouve au Bob’s Country Bunker, où un groupe de country est censé se produire, naturellement, les Blues Brothers prennent sa place. Le Blues Brothers Band est rapidement humilié par les clients du club, qui n’aiment pas leur rythme et leur blues. Après avoir conquis le cœur des clients avec la ballade « Stand by Your Man », Jake et Cie ont cependant du mal à payer, car ils ont bu plus de bière qu’ils n’en ont gagné. Lorsque le vrai groupe de country qui était censé jouer arrive, le groupe s’enfuit.

Toujours rechercher par la police

Après avoir obtenu la possibilité de donner un concert dans le grand hall du Palace Hotel, les Blues Brothers commencent à faire de la publicité pour l’événement. Le soir de la représentation, cependant, tous ceux qui ont été lésés par Jake et Elwood se présentent à l’hôtel. Sur scène, le groupe interprète « Everybody Needs Somebody to Love » et « Sweet Home Chicago ». C’est un succès retentissant, mais la police gâche la fête en encerclant la salle. Le groupe s’échappe par une trappe située sous la batterie, et tombe à nouveau sur la mystérieuse femme. L’ex-petite amie de Jake, armée d’un fusil de chasse. Les Blues Brothers, cependant, parviennent à lui échapper à nouveau.

Recherchés par la police, les frères se dirigent vers Chicago, au milieu de sauts périlleux et de sauts de voiture, tandis qu’un cratère se crée sur la route qui bloque leurs poursuivants. Ils arrivent au Centre Richard J. Daley pour payer la dette de l’orphelinat. Alors que le reçu est tamponné, des centaines de militaires arrêtent les frères Blues.

Mais cela n’a pas d’importance, car l’orphelinat est en sécurité et la mission est accomplie. La scène finale montre le Blues Brother Band en prison, jouant « Jailhouse Rock » pour leurs codétenus.

Vous souhaitez visiter un endroit charmant, loin de tout ? Nous vous avons déjà parlé de quelques enclaves cachées qui méritent d’être connues, mais cette fois-ci, nous vous faisons découvrir une île très solitaire. Un endroit où vous pouvez vous perdre, vous amuser et vous détendre. Un endroit spécial pour ceux qui aiment la solitude. Vous voulez en savoir plus sur cette île solitaire ?

Fastnet Rock

Fastnet Rock est une île isolée avec un phare sur la côte sud du comté de Cork. Il s’agit de la dernière carte postale que les Irlandais ont vue de leur territoire lorsqu’ils ont émigré en bateau vers l’Amérique.

Pour cette raison, cet endroit a été appelé « la larme de l’Irlande », en raison de toutes les larmes qui sortaient des yeux de ceux qui quittaient leur terre pour peut-être ne jamais y revenir. Une triste réalité, mais réelle en fin de compte.

Historique

Le nom irlandais de cette île est Carraig Aonar (rocher solitaire), cette dénomination vient à poil car l’île est située à 7 kilomètres de Cape Clear, étant la partie la plus méridionale de l’Irlande. Selon la fable, c’est un grand être qui a pris un morceau du Mont Gabriel et l’a jeté dans la mer, donnant ainsi naissance à cette île. Une histoire magique qui est toujours vivante aujourd’hui.

Le premier phare a été construit en 1854, mais deux décennies plus tard, les vagues de l’Atlantique l’ont détruit et poussé au fond de la mer. On en a donc construit un nouveau, avec de la roche de Cornouailles, solide et résistante, qui a commencé à fonctionner en 1906. Fantastique.

Caractéristiques

La vérité est que le Fastnet est un point stratégique de navigation sur la mer Atlantique et que la construction du phare a mis fin à un grand nombre de naufrages et de catastrophes maritimes. Les habitants concluent qu’il y a une bonne ou une mauvaise mer en fonction de la visibilité du rocher depuis le rivage : si vous ne voyez pas le rocher, n’allez pas vous promener dans le port.

Il existe deux façons de copier le contenu d’un DVD ou d’un CD vers un autre. Vous pouvez graver vos données sur un DVD ou un CD vierge. Cette technique s’appelle la duplication. Une autre stratégie vous permet de copier des données sur le disque à l’aide d’un formulaire : c’est le pressage. Vous pouvez trouver des services sur internet qui vous permettent de créer ou de lire des DVD ou des CD en cas de vente en gros par exemple. Voici quelques critères à prendre en compte pour trouver un expert en pressage cd en ligne.

1er critère : trouver un spécialiste dans le pressage CD en ligne qui propose une livraison gratuite

Il existe une usine de pressage CD ou DVD leader dans le secteur de l’audiovisuel, de la production et la duplication de DVD et CD en France qui propose de la livraison gratuite de vos imprimantes CD et DVD sans minimum de commande. Vous pouvez en bénéficier. Après avoir pressé des CD ou des DVD, son service emballage prépare les colis (cerclage, mise en carton, installation d’un film de garantie, etc.) avant de les livrer au service expédition. Lors de la livraison des marchandises, en fonction de la taille et du poids du colis, le transport est acheminé via des « coursiers », « fret » ou des prestataires tels que Colissimo, UPS, etc. L’usine est capable de livrer vos commandes de production de CD ou DVD à votre domicile le plus vite possible. Concernant les demandes urgentes, elles peuvent envoyer votre commande en express.

2ᵉ critère : trouver un expert en pressage CD en ligne qui offre des services au meilleur rapport qualité/prix

Impression de DVD et CD bon marché, brochures, couvertures de CD-DVD, livres de CD, boîtes en carton, digipacks, etc. Pour l’impression ou la copie en petites quantités : il existe des usines d’imprimantes CD et DVD qui vous proposent des services correspondants à vos besoins à un prix hyper attractif !

La société produit tous les produits multimédias, DVD vidéo, CD de jeux vidéo, CD audio, CD-ROM interactifs, Blu-ray, etc. Pour votre univers, que vous soyez éditeur indépendant, artiste musicien, agence média, producteur, vous trouverez les produits et services dont vous avez besoin. Pour être toujours au plus près de vos interrogations et vos préoccupations  et répondre aux nouveaux défis technologiques, l’équipe est à votre disposition par mail ou par téléphone en contactant leur service en ligne.

3ᵉ critère  : trouver un professionnel en pressage CD en ligne qui possède un savoir-faire en la matière

Si vous possédez un ordinateur avec un graveur de DVD ou de CD, vous avez probablement gravé un DVD ou un CD. Cependant, il est préférable que vous confiiez votre projet à un expert en pressage CD et DVD. Bien sûr, il est possible de trouver un spécialiste de la production de CD et de DVD en petites et grandes quantités. Un savoir-faire inégalé dans le secteur du pressage CD, DVD et Blu-ray. Un service urgent de sauvegarde de CD et DVD à un prix très bas !

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Si vous êtes batteur débutant et que vous souhaitez appendre à lire une partition de batterie, vous devez d’abord maîtriser les bases afin de progresser plus vite. Voici donc les principales notations rythmiques que vous devez comprendre pour pouvoir déchiffrer une partition de batterie.

Les mesures : piliers de toute structure musicale  

La première notation à connaître pour savoir lire une partition de batterie est la portée. Celle-ci regroupe les 5 lignes horizontales où sont écrites les notes. Elle est décomposée en plusieurs mesures représentées par deux barres verticales et définissant un fragment de temps plus ou moins long. La durée de chaque mesure est déterminée par la signature rythmique qui est placée au début de la partition de batterie. Elle est symbolisée par deux chiffres superposés, l’un sur l’autre. Le chiffre du dessus représente le nombre de temps pour une mesure tandis que le chiffre du dessous désigne la durée d’un temps. Ainsi par exemple une mesure 6/4 signifie que le morceau possède 6 temps avec une durée de 4 pour chacun d’eux.

Apprendre par cœur les notes pour une meilleure interprétation

Que ce soit en batterie electronique ou acoustique, les notes s’écrivent de la même façon qu’en piano. Chaque symbole sur la portée correspond donc à un élément sur l’instrument. Les fûts sont représentés par des ronds et les cymbales par des croix pour indiquer les éléments de la batterie où vous devez taper. À cela s’ajoutent des signes pour distinguer les différentes cymbales ou les sons sur la batterie, qu’il faut aussi comprendre, à savoir la note ronde, la blanche, la noire, la croche, la double croche, la triple croche et la quadri-croche. Sachez toutefois qu’il n’existe pas de notation standard pour lire une partition de batterie. Les symboles utilisés sont variables d’un batteur à un autre et chaque partition comporte souvent des légendes.

Les figures de silence : parfois il est mieux de se taire

Tous les morceaux comprennent également des figures de silence qui désignent la durée pendant laquelle vous devez cesser de jouer. Elles contribuent toutefois à la bonne concordance musicale. Elles sont particularisées à l’aide des symboles spécifiques pour faciliter la lecture.  Ce sont le bâton de pause, la pause, et la demi pause, puis le soupir, le demi-soupir, le quart de soupir, le huitième de soupir, le seizième de soupir et le trente-deuxième de soupir. Chacune des figures de silence possède une note équivalente. Autrement dit le batteur arrête de jouer durant une durée équivalente à celle du jeu de la note. Ainsi, le symbole pause équivaut à la note ronde, la demi pause à la note blanche et le signe de soupir à la note noire. De même pour le demi soupir avec la croche, le quart de soupir avec le double croche, etc.

Avril Lavigne fête son anniversaire tous les 27 Septembre depuis l’année 1984 où elle vît le jour sous le ciel de Belleville en Ontario au Canada . Avec son frère Matthew, l’ainé, et sa soeur Michelle, la cadette, elle passa son enfance à Napanee. Leurs parents Judy et John les élevèrent dans un climat propice à la musique, avec notamment la présence d’une guitare sèche à la maison. Jean-Claude Lavigne, le père d’Avril d’origine française, en jouait, et avec son épouse Judith Loshaw, il encouragea les penchants évidents de la petite Avril pour la guitare et les chansons.

A douze ans, Avril Lavigne écrit ses premières compositions. Elle fait alors ses armes dans la chorale de son église et ne rate jamais l’occasion de chanter lors des festivités de sa ville. Elle prit son envol lorsque le directeur de R.C.A RECORDS, après avoir été convaincu de son talent, lui fit signer un contrat. Paroliers et producteurs furent dépêchés à son chevet à Manhattan, mais la future princesse du rock-punk voyait les choses autrement. Avril Lavigne voulait rester elle-même et revendiqua la liberté de chanter ses propres compositions, ce qui l’amena à Los Angeles où elle put profiter des services de Clif Magness pour les arrangements, qui a déjà œuvré pour Céline Dion ou Sheena Easton.

« Let Go », son premier opus, cartonne avec les singles « Complicated » et « Skater boy », lui ouvrant d’emblée la porte du succès dans la cour des grands avec 16 millions de disques vendus. Le succès de son second album  » Under my skin » sorti en 2004 confirmera son accession au trône du mouvement teen-punk. Elle devient ainsi l’égérie de toute une génération, en imposant un nouveau look qui fait fureur chez les jeunes ados: Baggy et baskets de skateboardeurs sont comme un signe de ralliement. Son succès l’amena jusqu’aux rives du 7ème art, plus précisément dans des films comme « Going the distance ». Elle a entre autres partagé l’écran avec Richard Gere dans « The Flock ». Avril devient officiellement Madame Deryck Whibley, le leader du groupe Sum41, le 15 juillet 2006.

Bob Marley est né en Jamaïque le 06 Février 1945. De son vrai nom, Nesta Robert Marley, il est le fils de Norval Marley, d’origine anglaise, et de Cedella Booker, une jamaïcaine. Il n’a été en contact avec son père, avec qui il a brièvement vécu à Kingston, que pendant très peu de temps. Dès l’adolescence Bob Marley s’est consacré à la musique reggae, issue du blues, ainsi qu’à la musique ska, et il a fini par universaliser ce type de musique.

Il crée le groupe « The Wailing Wailers » en 1963 avec, notamment, Peter Tosh et Bunny Wailer avec qui il jouera jusque dans les années 70. En 1971, Bob Marley a pris un tournant décisif pour sa carrière en collaborant avec Chris Blackwell. Le premier réel succès du chanteur sera «No woman no cry » enregistré en 1975 à Londres.

Bob Marley a exercé une grande influence sur la génération de son temps et les suivantes ; il est d’ailleurs l’emblème du mouvement artistique appelé « rastafari » qui dénonce, depuis sa création dans les années 30, l’oppression dans toutes ses formes. Il est aussi connu pour avoir revendiqué l’appartenance à l’identité africaine et pour avoir représenté un certain esprit de liberté. Toute sa vie, il aura pleinement assumé ce rôle de symbole de la lutte des opprimés et des défavorisés. Terrassé par la maladie le 11 Mai 1981 alors qu’il vit en Floride, il succombera finalement à un cancer qui n’a pas été traité.

Carla Bruni est incontestablement une artiste née. Fille de Alberto Bruni Tedeschi, compositeur d’opéra, et de Marysa Borini, pianiste concertiste, elle évolue depuis sa tendre enfance dans le monde de la musique. Toute jeune déjà elle s’initie à la guitare et s’oriente vers des études d’ Art et d’Architecture.

Carla Bruni entame sa carrière de mannequin à dix neuf ans chez City Modèle. Très vite elle en franchira les échelons et deviendra en 1988 un top model célèbre au même rang que Linda Evangelista, Naomi Campbell et Karen Mulder. Grande star des magazines de mode, la jeune fille défile pour les grands créateurs de renommée mondiale : Lagerfeld, Rykiel, Dior, Lacroix, Saint Laurent. En même temps, côté cinéma, elle obtient le premier rôle dans le film de Richard Leacock, « Catwalk », en 1995. L’actrice jouera également dans « Paparazzi », film d’Alain Berberian en 1997.

Grande passionnée de l’écriture, elle révèle son talent de compositeur en écrivant pour l’album de Julien Clerc, « Si j’étais elle », la chanson phare, en 2000. Carla Bruni reçoit la récompense de ses efforts en 2003 en recevant de la Sacem le prix Raoul Breton. En janvier 2007, la chanteuse enregistre son deuxième album, « No promises ». Cette jeune femme au talent exceptionnel est devenu première dame de France en 2008 en épousant Nicolas Sarkozy.

Né en 1978 à Cambridge, Matthew Bellamy est le chanteur, le compositeur et l’auteur des chansons de Muse, un groupe qu’il créa en 1992 avec deux autres amis musiciens. Il assure également les fonctions de guitariste et de pianiste. Outre ses qualités de musicien et de compositeur, il est reconnu pour sa voix de ténor qui couvre pas moins de 3,5 octaves.

Baigné dans le milieu musical dès son plus jeune âge (son père est guitariste), Matthew Bellamy commence à apprendre le piano dès l’âge de cinq ans. C’est durant son adolescence que son rapport à la musique va devenir plus intense : s’il se met à la guitare à 14 ans, il éprouve également le besoin de se plonger dans des univers musicaux comme le jazz ou le blues. Suite au divorce de ses parents, il ira vivre chez sa grand-mère, dans le Devon, et en profitera pour se perfectionner dans son art. Autodidacte, il ne prend aucun cours et a l’avantage d’apprendre très rapidement. Il intègre finalement la prestigieuse Royal Academy of Music et en ressort avec un diplôme quelques années après. Il y sera particulièrement apprécié et remarqué par ses professeurs.

La carrière musicale de Matthew Bellamy est évidemment intimement liée à celle de Muse, un groupe dont il est actuellement le leader charismatique. Cet artiste polyvalent à la voix puissante est notamment connu pour ses envolées lyriques. Bête de scène, il est l’auteur et le compositeur de la plupart des chansons de Muse bien que ses deux comparses s’impliquent de plus en plus souvent dans la création de ces dernières.

Passionné par la musique classique depuis toujours, Matthew Bellamy a la particularité d’être un pianiste émérite. Souhaitant élargir son horizon musical et ses compétences, il s’est essayé à bien d’autres instruments au cours de sa carrière. Parmi ces derniers, on peut citer l’orgue mais également le keytar. En 2010, la chanteur a utilisé une guitare à deux manches, conçue en son honneur par le luthier Manson. Matthew Bellamy a lui-même confectionné la Manson MB-1.

Le chanteur Bono, de son vrai nom Paul David Hewson, est né en Irlande (Dublin) en 1960. Il fait partie du groupe de rock U2 dont il est le chanteur.

Son enfance fut très mouvementée, Paul David étant d’une nature révoltée, curieuse et très éveillée. Passionné d’arts, d’histoire, d’échecs et de théâtre (jeune, il montera souvent sur scène), il s’essaye également à la guitare mais le résultat est peu probant. Sa déception le mène à commencer le chant, discipline qu’il ne quittera plus. Amateur de rock, il répondit un jour à une annonce publiée à l’école par un certain Larry Mullen Junior : c’est ainsi qu’il rejoint le groupe U2.

Bono est aujourd’hui le leader du groupe, personnalité charismatique et complexe qui ne fait pas les choses à moitié. Il a écrit la quasi-totalité des titres du groupe et à côté de cela s’est engagé dans plusieurs associations humanitaires telles que Amnesty International, Artists Against Apartheid, War Child, Greenpeace, Jubilee 2000. Il n’a de cesse d’entretenir son côté mystérieux, à plusieurs facettes afin de faire perdurer le mythe qui entoure son personnage. Il entre régulièrement dans la peau d’un nouveau personnage afin de ne jamais répondre à ce qu’on attend de lui et de constamment surprendre son public et les médias. Bono ne supporte pas être catalogué par les médias et joue avec eux de manière incessante. Il côtoie les plus grandes personnalités du monde du spectacle mais également de la politique. Malgré cela, il garde la tête froide et reste accessible et proche de son public. Bono est marié (à Alison Stewart) et a aujourd’hui quatre enfants : Jordan, Memphis Eve, Elijah Bob Patricus Guggi Q Hewson et John Abraham.

Bono aime chanter avec d’autres et a ainsi collaboré avec divers artistes de courants musicaux très différents : Pavarotti, Beyoncé, Paul Mc Cartney, Johnny Cash, pour ne citer qu’eux !

Bono a la particularité d’avoir une voix singulière, avec une tessiture très étendue. Sa voix n’a cessé d’évoluer au long de sa carrière, s’adoucissant peu à peu, puis s’éraillant avec l’alcool et les cigarillos. Bono a donc repris des cours, a rendu sa voix plus précise, plus distincte. Aujourd’hui, elle est considérée une des voix les plus sexy du rock ! Sa voix est reconnaissable et elle plaît.

En 2003, il reçut de la part de Jacques Chirac (alors président de la République française) la Légion d’honneur pour ses divers engagements humanitaires et politiques. En 2005, le magazine Time le déclare « Personnalité de l’année » pour ses actions en faveur du continent africain. Ensuite il sera sacré chevalier de l’Ordre de l’empire britannique par la reine Elisabeth. En 2003 et 2005, il fait partie des personnalités en lice pour le Prix Nobel de la paix.

Jeffrey Phillip Wielandt, plus connu sous le nom de Zakk Wylde, est né en 1967 dans le New Jersey. Personnage emblématique du heavy metal américain, il a su s’imposer en tant que guitariste dans un premier temps mais s’est également illustré en tant que chanteur et en tant que compositeur. En parallèle, Zakk Wylde se passionne pour la gestion de projets divers et variés : la création d’un label de musique, l’écriture d’un script pour le cinéma…

Zakk Wylde commence la guitare à l’âge de huit ans pour mieux l’abandonner et y revenir, six ans plus tard. S’il étudie la guitare classique à l’adolescence, il commence également à se produire sur scène avec son premier groupe, Stone Henge, avec lequel il joue des reprises. C’est finalement sous le nom de Zakari Wyland qu’il intègre un nouveau groupe, Zyris. Ses études terminées, il enchaîne les petits jobs et c’est à 20 ans qu’il rejoindra le groupe d’Ozzy Osbourne. Il en profite pour changer de nom et se fait désormais appeler Zakk Wylde. Après avoir tourné avec Ozzy Osbourne et participé à la création de plusieurs albums, il décide de fonder son propre groupe, Lynyrd Skynhead.

Quelques années plus tard, Ozzy Osbourne ayant décidé de prendre sa retraite, Zakk Wylde fonde le groupe Lynyrd Skynhead. Leur album, Wylde’s Things, sorti en 1993 ne sera pas un succès populaire. Le groupe change son nom en Pride & Glory. Leur album éponyme sera, cette fois-ci, salué par la critique. En 1995, Ozzy Osbourne revient sur le devant de la scène. Pendant l’enregistrement, Wylde devient ami avec les membres des Guns N’ Roses qui lui proposent de les rejoindre. Après maintes hésitations, le guitariste se retrouve sans groupe officiel. Il se consacrera alors à son projet solo et sort l’album Book of Shadows en 96.

En 98, Wylde, Phil Ondich et Nick Catanese créent le groupe Hell’s Kitchen qui sera finalement rebaptisé Black Label Society. Le groupe enchainera les tournées et les albums. En 2001, Zakk Wylde fait son retour auprès de Ozzy Osbourne mais participera également à des projets musicaux annexes. A la fin de la tournée, il revient avec Black Label Society et enregistre un nouvel album : 1919 Eternal où une importante évolution musicale est notable. L’album suivant, Hangover Music Vol.VI sera encore plus surprenant car uniquement composé de ballades acoustiques.

Toujours passionné par son métier de guitariste, Wylde gère également une filiale de E1 Music ainsi que de nombreux produits dérivés (bière, café, bœuf séché…).

Pour beaucoup Thom Yorke est avant tout le chanteur au ton plaintif de la ballade Creep avec son groupe Radiohead. Si ce single de 1992 leur a apporté succès et gloire très tôt, il ne faut cependant pas négliger la carrière de l’un des artistes les plus complexes et importants de ces vingt dernières années. Thomas Edward Yorke naît le 7 octobre 1968 à Wellingborough, ville du Northamptonshire, en Angleterre.

Sa paupière gauche est paralysée à sa naissance et malgré plusieurs opérations dans son enfance son œil gauche ne s’ouvre jamais complètement. Ce trait particulier attire les moqueries de ses camarades de classe. Son enfance est solitaire et il passe son temps libre à jouer de la guitare pour ressembler à son idole de l’époque Brian May, guitariste du groupe Queen. Il rencontre par la suite, à Abingdon, les futurs membres de Radiohead. Ils jouent pendant plusieurs années ensemble sous le nom On A Friday.

En 1991, une fois leurs études finies ils s’installent à Oxford et signent sur le label Parlophone. Le groupe est renommé Radiohead et sort son premier album, Pablo Honey, pour beaucoup célèbre grâce au single Creep. Le succès a très vite un goût amer pour Thom lorsqu’il réalise que la plupart des gens ne viennent à leur concert que pour écouter Creep et ne s’intéressent pas à leurs autres chansons. Radiohead sort néanmoins The Bends (1995) et Ok Computer (1997), l’album de leur consécration. La tournée qui suit fatigue les membres du groupe et tout particulièrement Thom qui refuse son nouveau statut de célébrité. Les années 2000 marquent un tournant plus electro dans ses inspirations, aussi bien avec Radiohead, comme le montrent les albums Kid A (2000) et Amnesiac (2001), que sur son projet solo The Eraser (2006).

De nombreuses collaborations ont lieu avec des artistes tels que U.N.K.L.E ou Flying Lotus, montrant sa nouvelle passion pour l’electro. Depuis 2010, Thom est le leader d’Atoms For Peace, super-groupe incluant notamment Flea des Red Hot Chili Peppers, créé afin de lui permettre d’interpréter en live les morceaux de son album solo. Son actualité au sein de Radiohead n’est pas en reste avec Hail To The Thief (2003) et les très remarqués In Rainbows (2007) et The King Of Limbs (2011).

James Hetfield est un musicien américain né en août 1963 en Californie. Co-fondateur mais également chanteur et guitariste du groupe Metallica, il a pour groupes de prédilection Aerosmith, Black Sabbath et Iron Maiden.

Fils d’un chauffeur de poids lourds et d’une mère chanteuse, James Hetfield profite très tôt des conseils musicaux de son frère aîné. Batteur et guitariste dans un groupe amateur, ce dernier pousse en effet James à apprendre la guitare et à s’initier à la batterie. Sa mère, qu’il perd à l’adolescence, lui imposera également quelques rudiments de piano. Après ses études, James Hetfield enchaîne les petits boulots tout en jouant dans divers groupes. Il acquiert sans doute son expérience musicale la plus probante durant sa collaboration avec le groupe Phantom Lord, devenu Leather Charm.

Suite à une annonce passée dans un journal, James Hetfield fait une rencontre déterminante pour son avenir musical. En effet, Lars Ulrich, batteur, lui permet de rencontrer plusieurs grands noms du heavy métal. C’est ensemble qu’ils enregistreront un morceau pour une compilation de groupes de metal. Cette participation marque les débuts du groupe Metallica. Dès lors, James Hetfield sera connu autant pour son jeu, puissant et dynamique, que pour sa posture originale étant donné qu’il porte la guitare beaucoup plus bas que la plupart des guitaristes. Son implication est telle qu’il a la particularité d’être le principal compositeur et auteur du groupe.

James Hetfield connu quelques mésaventures au cours de sa carrière. En juin 86, il se casse le poignet et ne peut, par conséquent, pas assumer son rôle de guitariste pendant un temps. Six ans plus tard, en 92, il est victime d’un accident au stade olympique de Montréal : un effet pyrotechnique explose non loin de lui. Grièvement brûlé au visage mais également au bras, au dos et à la main, il voit sa carrière de musicien être remise en question et doit encore une fois être remplacé. Suite à une longue période de soins, il pourra néanmoins rejouer de la guitare. Outre sa passion pour la musique, James Hetfield est également marié et père de plusieurs enfants. La chasse ainsi que des sports comme le snowboard et le jet-ski font partie de ses activités annexes préférées. On le connait également pour son amour pour les voitures de collections.

Musicien et chanteur anglais, Sting est né en 1951 près de Newcastle.

Les débuts

Alors bassiste et chanteur dans un groupe, Sting se fait repérer en 1977 par d’autres artistes et formera avec eux le célèbre groupe « The Police ». Le trio connaîtra un grand succès, notamment avec les titres « Roxanne », « So Lonely » ou encore « Message in a bottle ». En 1980, le groupe entame un tour du monde. Lassé de ces nombreuses tournées, Sting décide de quitter le groupe pour entamer une carrière solo.

La carrière du chanteur

Sting entame une carrière solo en 1985. Son premier album, »The Dream of the Blue Tortles » est déjà un succès. Chanteur engagé, Sting aborde avec le titre « Russians » le point de vue des Européens concernant la guerre froide ainsi que leur opinion envers les Russes. Ce titre connaît un immense succès. En 1987, il réalise un album aux sons plus rock. On retiendra notamment « Englishman in New York ». Pour cet album, Sting collabore avec des musiciens tels qu’Eric Clapton ou encore Mark Knopfler. Le troisième album de Sting connait un moins grand succès. Il comporte des titres plus nostalgiques et intenses et s’inspire notamment du décès de son père. Après cet album plus personnel, Sting sort un nouvel album en 1995 qui connaît à nouveau le succès. Intitulé « Ten Summoner’s Tales, cet album plus lyrique mêle les sonorités de l’harmonica, du violon et de la guitare.

Sting sort ensuite plusieurs autres albums en 1996, 1999, 2003, 2006 et 2009.

« Mercury Falling » sort en 1996. Il sort un best of contenant 17 titres en 1994. Il réalise également des tournées mondiales reprenant ses plus grands succès. Parmi ces albums, le single « Desert Rose » de l’album « Brand New Day » sorti en 1999, chanté en duo avec Cheb Mami, sera numéro 1 un peu partout dans le monde. En 2006, il sort un album de musique baroque intitulé « Songs From the Labyrinth ». L’album sorti en 2009 et intitulé « If on a Winter’s Night » comporte quant à lui des chants religieux.

En 2007, Sting reforme le groupe « The Police » et ils entament ensemble une grande tournée mondiale.

Brian Johnson a vu le jour le 5 octobre 1947 dans la ville de Newcastle en Angleterre. Dès l’âge de 14 ans, il prend chaque matin le chemin de l’usine de turbines où il travaille en tant qu’ajusteur. Dans cet environnement qu’il juge sans âme, il est à mille lieues de sa passion, la musique. Dix années s’écoulent et à 24 ans, Brian tente le tout pour le tout. Adieu usine, adieu Newcastle, il se rend à Londres accompagné de son groupe Geordie. Même si le succès le frôle de temps à autre, c’est surtout la misère qui le guette. Il ne réussit même pas à trouver de quoi se nourrir tous les jours.

Trois années de déception plus tard, Brian, alors âgé de 27 ans, décide non sans regrets que c’en est fini de la musique. Il retourne alors à Newcastle, travaille durant le jour et donne des concerts dans les bars le soir venu. Après cinq ans de ce régime, travail le jour, musique la nuit, une connaissance lui téléphone pour l’informer que le groupe AC/DC est présentement en processus d’auditions à Londres pour dénicher un nouveau chanteur. Il tergiverse et décide de s’y rendre. Heureuse décision car fascinés par la voix et la personnalité de Brian, les guitaristes et frères Angus et Malcom Young font de lui le nouveau membre du groupe. Adieu misère, bonjour passion.

L’intégration du petit nouveau au sein du groupe se fait sans heurt et somme toute assez rapidement. Il écrit les paroles de son premier album Back in Black en un temps record. C’est plutôt le public, du moins une partie, qui refuse de reconnaître son talent. Il demeure pendant longtemps pour trop de gens le remplaçant de…

Pourtant, la contribution de Johnson au succès d’un des groupes les plus populaires de l’histoire du rock n’est pas insignifiante. Il faut dire que la complicité évidente qui le lie aux frères Young, sa voix éraillée, sa présence sur scène, son sourire qui reste accroché à ses lèvres et sa modestie malgré tout ne sont pas non plus étrangers à ce succès. Et il est visiblement fier de faire partie de l’un des groupes qu’il considère le meilleur au monde.

Bon Scott est décédé en 1980. C’est Brian Johnson qui à eu la difficile tâche de lui succéder. Mais en dur à cuire qu’il est, il a su relever le défi avec brio.

Les débuts

Riley B. King naît en 1925 à Itta Bena, dans l’Etat du Mississipi. Il vit une enfance difficile, marquée par la séparation de ses parents puis par la mort de sa mère. Son inspiration, il la trouve à l’église en faisant partie d’un chorale de gospel, où il apprend le chant et les rudiments de la guitare. Il abandonne l’école alors qu’il est adolescent pour travailler dans les plantations. Durant son temps libre, il chante dans la rue des villes voisines afin de gagner un peu d’argent puis décide de partir tenter sa chance à Memphis.

De Riley King à B.B. King

C’est au bout d’un an qu’il parvient à chanter sur une radio populaire, puis à jouer régulièrement dans des night clubs de la ville. Il est alors connu sous le nom de Blues Boy King. Il fait son premier enregistrement en 1949 et sort six singles cette année là. Son septième single « Three O’Clock Blues » connaît un succès phénoménal et reste numéro un pendant quinze semaines. Blues Boy King se lance alors dans une tournée à travers le pays. C’est à New York qu’il transforme son nom de scène en B.B. King. Il devient un des poids lourds de la musique blues, en chantant des mélodies à la fois gospel, jazz, pop, et blues.

Les succès

Dans les années 50, le succès de King s’amoindrit, pour reprendre de plus belle au milieu des années 60. Il enregistre en 1965 un album live « Live at the Regal » et connaît à nouveau un vrai succès avec le titre « Don’t Answer the Door, Part I » l’année d’après. Les jeunes rockers comme Eric Clapton, Jimi Hendrix ou encore George Harrison sont très influencés par sa musique, et King gagne une nouveau public parmi les fans de rock. C’est en 1970 que le chanteur devient une institution nationale avec la chanson « The Thrill is Gone ». En 1988, il enregistre une chanson avec le groupe U2. Encore une fois, la chanson connaît un grand succès. En 1991, il ouvre le B.B. King’s Blues Club à Memphis, puis à New York, à Los Angeles et même dans le Connecticut. Son autobiographie « Blue All Around Me » est publiée en 1996. A ce jour il continue de faire de nombreux concerts par an, partout dans le monde. C’est sans doute un des guitaristes blues les plus imités de son vivant, et son influence sur la musique dans le monde entier est tout simplement incalculable.

Né à Pau en 1964, Bertrand Cantat est un chanteur et compositeur dont le destin musical a été directement lié à celui de Noir Désir, un groupe dont il fut l’un des fondateurs, durant les années 80. Connu pour sa voix puissante mais également pour ses textes, emprunts de poésie, Bertrand Cantat s’est également illustré pour ses nombreuses prises de positions politiques au cours de sa carrière.

Passionné par la musique punk mais également par des groupes tels que les Doors, Bertrand Cantat écrit ses premiers textes dès le début de l’adolescence. C’est au tout début de ses années lycées qu’il rencontre ceux qui deviendront ses compagnons de route durant l’aventure Noir Désir. Ne sachant jouer d’aucun instrument, il opte pour le chant et s’implique artistiquement dans leur groupe, alors nommé Psychoz qui deviendra Noirs Désirs puis Noir Désir. Où veux-tu qu’je r’garde ?, leur premier album, sort en 1987 et marque le début d’un succès qui ne se démentira pas lors des années suivantes. L’année 2003 de Bertrand Cantat sera à jamais marquée par l’homicide de l’actrice Marie Trintignant, sa compagne de l’époque.

Commis à Vilnus, ce crime passionnel sera suivi par une peine de prison de quatre ans et un contrôle judiciaire qui prendra fin en 2010. En plus de son travail pour Noir Désir, Bertrand Cantat participe à des projets annexes. En 1998, il prend part à la Black session de Yann Tiersen. Il y enregistrera A ton étoile accompagné par un quatuor à cordes. Il travaillera également avec Alain Bashung, les Têtes Raides et Brigitte Fontaine. En parallèle, le chanteur s’implique pour plusieurs causes. Contre la mondialisation, en 1999 il s’oppose également aux lois liées à l’immigration. Depuis, le chanteur revient peu à peu sur le devant de la scène. On l’a notamment vu aux côtés de groupes tels que Shaka Ponk ou Eiffel. En mars 2012, il a même confirmé la sortie d’un album solo pour 2013, soit près de trois ans après la fin officielle de Noir Désir. A la fois artiste inspiré et homme déchu, Bertrand Cantat reste au cœur d’une polémique qui continuera sans doute de porter préjudice à sa vie artistique.

La location d’une salle est la phase la plus importante lors d’une organisation d’un spectacle. En effet, trouver une salle adéquate n’est pas évident, surtout en France. Cependant, il existe une très large gamme de choix selon vos goûts et vos envies. Un événement se prépare ? Que ce soit un mariage, un spectacle, une réception ou tout simplement une répétition, la location salle spectacle est l’étape la plus importante. Elle doit être adéquate au nombre d’invité, mais aussi aux thèmes choisis. La salle doit se conformer avant tout aux exigences des organisateurs. Si vous êtes à la recherche d’une salle de spectacle à louer, il existe plusieurs salles adaptées à vos besoins et vos envies dans toute l’île de France

Comment choisir une salle de spectacle à louer

Le choix d’une salle de spectacle ne semble pas évident face aux nombreuses salles présentent sur le marché. Afin de vous aider dans votre choix, voici quelques conseils. La taille de la salle de spectacle doit correspondre au type de spectacle. En effet, le nombre d’invités ou de spectateurs varie selon le genre de spectacle. La salle idéale n’est ni trop grande, ni trop petite, afin que les spectateurs, les musiciens et les artistes soient à l’aise. Ensuite, le type de salle doit convenir au genre de présentation. Par exemple, un amphithéâtre pour le théâtre ou une salle d’opéra pour les concerts classiques. Effectivement, l’ambiance, le décor doivent correspondre au genre de spectacle pour la réussite de ce dernier.

Critères pour un spectacle réussi

Quel que soit le type de spectacle, assurez-vous que la sonorisation soit bonne, c’est la base d’un spectacle réussi. À part, la sonorité, faites attention au visuel. Il doit y avoir un bon visuel pour que chaque spectateur puisse profiter pleinement du spectacle. Réserver votre salle de spectacle quelques semaines avant le jour J. Cela afin d’éviter que la salle soit déjà pris pour la date que vous avez fixée. Sachez qu’il y a des normes que les salles de spectacles doivent suivre. Ces normes concernent l’implantation des sièges, la sortie, l’accès, la circulation et enfin la banque d’accueil. Assurez-vous que la salle de spectacle que vous voulez louer respecte ces normes.

Les procédures à suivre pour louer une salle de spectacle

Avant de louer une salle, vous devez fournir quelques papiers au préalable pour faciliter votre travail. Tout d’abord, vous devez avoir une photocopie de votre pièce d’identité ainsi que le programme de votre spectacle et la liste des organisateurs, etc. Précisez bien la date du spectacle, l’heure du commencement et la fin du spectacle dans votre cahier de charge. Cela vous permet de trouver une salle qui convient à votre situation sans perdre beaucoup de temps. N’oubliez pas aussi de créer la publicité du spectacle. Vous avez le droit de demander un devis pour faire une comparaison.

Pour mieux choisir le système de sonorisation, il faut dans un premier temps, identifier le type de prestation ou d’événement à organiser. Il faut alors avoir les renseignements utiles pour mieux adapter les enceintes à l’événement en question. Pour l’organisation d’une soirée, on peut penser à une tonne de choses comme la salle à louer, la décoration, le menu ainsi que les boissons à servir aux invités, le nombre d’invités et beaucoup d’autre encore. Par contre, il ne faut pas oublier que la sonorisation est un élément indispensable pour réussir une organisation festive. De ce fait, il faut bien choisir le type, le genre de matériel à mettre en place pour que la salle soit bien sonorisée et que le son soit agréable à écouter ou à entendre. Il ne faut surtout pas que le son soit un élément perturbateur, car cela pourrait nuire à l’ambiance.

Qu’en est-il de la taille de la salle ?

Le premier point nécessaire à considérer avant de sonoriser une salle est ce qui concerne la dimension de la salle. En effet, le matériel à utiliser et à installer dépend grandement de la grandeur de l’espace en jeu afin que le son puisse bien être diffusé sans nuire l’ouïe. Il faut savoir que la distance et l’audio ne sont pas de bons amis : plus l’espace est plus large et long, plus le rendement est nécessaire. Mis à part cela, le nombre d’invités prévus joue aussi un rôle important dans le domaine de la sonorisation. De ce fait, il n’est pas recommandé de trop pousser le son s’il existe un comité de personnes malgré que la salle soit spacieuse.

S’agit-il de sonoriser l’intérieur ou l’extérieur ?

Pour la sonorisation de l’intérieur, il faut bien s’assurer que les enceintes de sono ne puissent pas cacher l’esthétique de la salle en question. En cas de sono soirée ayant lieu à l’extérieur, il faudrait tenir en compte de la météo, car les agressions extérieures peuvent avoir des impacts négatifs sur la puissance de la sono. Considérons par exemple la présence d’un climat humide, il sera préconisé de choisir des haut-parleurs, des amplificateurs ou des tweeters pouvant résister au mauvais temps.

Qu’en est-il du transport des enceintes ?

Pour gagner en déplacement et de puissance, les systèmes amplifiés sont fortement recommandés. Il est aussi plus pratique d’opter pour des matériels de sono plus légers, car ils sont plus faciles à transporter. De ce fait, l’installation ainsi que la désinstallation seront faites en moins de temps, car après la cérémonie, les matériels pourront être facilement positionnés dans un coffre de voiture. L’enceinte sono portable est la meilleure solution pour tous surtout s’il y a des déplacements réguliers, elle est également facile à installer.

Pour commencer à apprendre, se remettre à jouer ou pour perfectionner son jeu, le choix d’un piano ne s’effectue pas à la légère. Une fois ce moment arrivé, la question de piano numérique acoustique se pose. Chacun présente des avantages et inconvénients, selon leur mode d’utilisation et autres critères.

Le piano acoustique

Cet instrument de musique émerveille les virtuoses du piano. Le piano acoustique se base sur des marteaux qui frappent les cordes. Cela entraîne une vibration qui crée le son. Par l’intermédiaire de la table d’harmonie, ce son s’amplifie afin de couvrir toute une salle de concert.

Le piano acoustique se décline en deux variantes. Primo, le piano à queue se reconnaît par tout le monde à travers sa forme. Il constitue l’idéal pour un pianiste professionnel. Le toucher, le son et l’amplification séduisent les virtuoses.

Secundo, le piano droit se remarque souvent dans les maisons et bars. Ce modèle occupe moins d’espace et peut se coller à un mur ou à un endroit discret de la maison. Pour ceux qui souhaitent s’exercer au toucher d’un vrai piano, le piano droit reste jusqu’à aujourd’hui une excellente alternative.

Le piano numérique

Dans ce choix du piano numérique acoustique, l’instrument numérique, quant à lui, ne possède pas un système de marteau. Il se base sur des enregistrements du son du piano acoustique. À l’aide de microphones de haute qualité, les sons réels passent par une numérisation afin d’obtenir des sons échantillonnés. Le principe reste très simple, à chaque touche appuyée, les sons enregistrés résonnent à travers les haut-parleurs.

Au niveau du prix, le piano numérique reste plus accessible à hauteur de dix fois moins que le piano acoustique. Les constructeurs proposent toute une panoplie de claviers numériques. Pour les débutants, les pianos bas de gamme suffisent. Pour ceux qui souhaitent de plus amples performances, les claviers haut de gamme représentent des options plus rentables que les pianos acoustiques.

Le grand avantage réside dans le fait que le piano numérique peut se jouer au casque. Sans nuire aux voisins, le système silencieux permet de profiter des heures d’exercices durant la journée ou la nuit. Pour se divertir en musique dans son appartement, le piano numérique représente la meilleure option.

Pour commencer : un piano numérique comme premier piano

Le premier conseil à une personne qui s’initie au piano consiste à choisir le piano qui facilite l’apprentissage. De ce fait, le piano acoustique ne fait pas affaire. Il nécessite un entretien régulier pour rester accordé. Puis, sans une option de jeu silencieux, le pianiste dérangerait son entourage.

Dans une hésitation sur piano numérique acoustique, il reste préférable d’apprendre directement sur un piano acoustique. Toutefois, le prix du piano acoustique reste cher. Les exercices à la maison peuvent s’effectuer sur un piano numérique, objet des prochains paragraphes.

L’archet violon est l’accessoire essentiel pour le violoniste. Celui-ci est aussi utilisé pour d’autres instruments, l’archet est une baguette à choisir avec soin – tant au niveau de sa prise en main qu’au niveau des matériaux utilisés pour sa conception.

Comment sélectionner un meilleur archet pour violon ?

La caractéristique la plus évidente du choix sera le son que produit l’archet. Ici pas besoin d’avoir beaucoup d’expérience pour apprécier ou voir la différence d’un archet à l’autre. Par contre, vous constaterez que le son produit par certains archets sera mieux adapté à la personnalité de votre violon. Généralement, si vous achetez un archet de bonne qualité, l’appréciation finale de celui-ci se fera après un certain temps voire même quelques mois après et c’est à ce moment que l’on appréciera le nouvel archet à son maximum. Il est impératif de savoir que chaque archet est adapté pour une taille particulière de violon. La partie beaucoup moins évidente est sa maniabilité. Avec un archet de qualité supérieure, vous constaterez que l’exécution des mouvements plus difficiles sera plus aisée, mais faut-il que vous soyez en mesure d’exécuter ces mouvements avec un certain contrôle.

Les critères relatifs au maniement de l’archet

Avant d’entamer les recherches, il est capital de bien choisir la taille de son violon. L’archet doit être adapté à la taille du violon. Il faut savoir que les instruments vont de 37 à 58 cm de longueur totale. En effet, de cet élément découlera forcément le choix de l’archet et par conséquent sa taille. Après avoir identifié son violon, place à la recherche de l’archet. Ainsi, il convient de choisir avec soin la taille de celui-ci dans l’optique de jouer dans les conditions parfaites.  Outre les matériaux utilisés pour sa composition, l’acheteur doit pouvoir apprécier l’archet – que ce soit en termes de maniabilité, de son ou de taille. Pour cela, avant tout achat, il devra le tester avec son instrument.

Les matériaux de l’archet du violon

Il est important de bien choisir la baguette d’archet. En général, plus l’archet est cher, plus il est confectionné dans des matériaux de qualité. Il est possible de trouver des baguettes en matériaux composites et en bois. Traditionnellement, un archet en bois bénéficie d’une meilleure confection qu’une baguette synthétique, même s’il convient de faire très attention à l’essence utilisée : il est vivement recommandé de se limiter au bois du Brésil et au pernambouc, dont les essences sont parentes. À la fois rigides et légères, les baguettes d’archet en fibre de carbone assurent un excellent ratio résistance/ poids. Leur qualité offre des performances nettement supérieures aux baguettes en bois d’entrée de gamme. Le contrôle de leur fabrication permet de prédéterminer, aussi bien leur rigidité, leur équilibre que leur réponse. Composées de plastique renforcé par du verre, les baguettes d’archet en fibre de verre se moulent très facilement, ce qui réduit leur coût de fabrication. Elles sont particulièrement adaptées pour les enfants, car elles s’avèrent très résistantes aux chutes et aux abrasions. Sans oublier le prix, très attractif, qui permet de mieux accompagner l’apprentissage de l’enfant, puisqu’avec l’évolution de la taille de son instrument, il devra faire évoluer celle de son archet.

Laquelle choisir entre guitare acoustique et guitare électrique ? Cette question est très fréquente, notamment, quand une personne débute. Il est essentiel d’avoir un instrument adaptée à son niveau et surtout à son style. Si vous achetez la mauvaise guitare pour débuter, il est probable que vous n’ayez pas beaucoup d’envie d’y jouer. De ce fait, vous ne progresserez pas, ou même dans le pire des cas, il est aussi probable que vous vous décourageriez et vous ne joueriez plus de la guitare. Cet article vous guidera en vous donnant des recommandations pour votre achat.

Les types de guitare

Il faut savoir qu’il y a 3 types de guitare : la guitare électrique, la guitare classique et la guitare folk. (La guitare classique et la guitare folk ont toutes les deux, une caisse de résonance qui permet de propager ou d’amplifier le son ; d’où leur appellation : guitare acoustique). Chaque famille de guitare a leur propre spécificité. Le son d’un type de guitare est très différent de celui d’un autre. En effet, on ne joue pas tous les styles de musique avec un seul type de guitare, l’utilité de chaque guitare est différente.

La guitare acoustique

Comme susmentionné, la guitare classique et la guitare folk sont des guitares acoustiques (guitare sèche).

La guitare classique :

Elle est effectivement la guitare la plus vieille. Elle est assurément la guitare parfaite pour les personnes qui aiment et qui souhaitent jouer de la musique classique ou hispanique.

Si vous voulez jouer des accords en chantant ou si vous souhaitez gratter des solos, elle n’est pas le type de guitare adapté.

Elle est équipée de 3 cordes nylons et 3 cordes en acier. Cependant, même s’il  est plus facile de faire sonner les cordes avec ses cordes nylons, sa manche est plus large que celle des autres guitares. De ce fait, elle n’est pas idéale pour un enfant ou un débutant.

La guitare folk :

Elle est faite pour jouer des accords avec  son manche fin. Elle est également préférable si vous décidez de jouer du folk, de la variété, du pop… On l’évite souvent à cause de ses cordes en acier qui pourraient faire mal aux doigts. Toutefois, ces membres s’habituent et s’endurcissent très rapidement.

Vous serez également satisfait de cette guitare si vous souhaitez jouer des rythmiques.

Vous pouvez ainsi jouer des solos. Néanmoins, elle est plus difficile à maîtriser, à cause de ses cordes tendues.

La guitare électrique

Si vous êtes particulièrement fan de rock, blues… Il vaut mieux avoir une guitare électrique. Vous pouvez y jouer beaucoup de solos et avoir de multiples sons (effets). En revanche, la grande différence entre guitare acoustique électrique, c’est que l’électrique nécessite un amplificateur. Si voulez donc jouer à l’extérieur d’une maison, choisissez plutôt une guitare acoustique.

La majorité des gens qui veulent apprendre à jouer d’un instrument se tourne généralement vers la guitare. Pour cause, la guitare est un instrument facile à transporter, et peut être jouée en accompagnement, ou seul sur de nombreux genres de musique.

La guitare

Composé d’une manche, d’un caisson et des cordes, la guitare est un instrument avec lequel on peut jouer des notes en appuyant sur les cordes. Les doigts de l’autre main appuient les cordes sur les touches de la manche et se déplacent pour former des notes et des accords, tandis que l’autre main pince ou glisse sur les cordes pour les jouer. On peut jouer de la guitare avec le bout de ses doigts, ou avec l’aide d’un médiator, aussi appelé plectre. Le caisson creux de la guitare ou la caisse de résonance convertit la vibration des cordes, lorsqu’on joue des notes, en son. Cependant, les guitares électriques ne nécessitent pas d’une caisse, car on y trouve des microphones qui récupère les vibrations des cordes, les envoient à un amplificateur électronique et sorte par des haut-parleurs. Il existe de nombreuses façons de la guitare, mais la plupart ont recours aux mêmes techniques de jeu.

Le rock

Le rock est un genre musical qui a vu le jour aux États-Unis vers la fin des années 40 et début des années 50, et s’est divisé en de nombreux sous-genres. Il emprunte ses couleurs du rhythm and blues, de la country, du blues, du jazz et de nombreux autres genres de musique. Qui dit rock dit forcément guitare, car cet instrument est toujours présente lorsqu’on joue ce genre musical. Toutes personnes pratiquantes de la guitare connaissent assurément un morceau de rock, ne serait-ce que quand elles ont commencé à pratiquer. Le rock est un genre de musique très populaire, et est par conséquent réputé pour être facile à apprendre et à jouer à la guitare.

 Les morceaux de rock les plus faciles à jouer à la guitare

Apprendre à jouer de la guitare est relativement simple, surtout si on la compare à d’autres instruments musicaux comme la batterie ou le violon. Guitare rock facile sont les trois mots prononcés quand on commencer à pratiquer. Les morceaux de rock réputés pour être les plus faciles à apprendre sont ceux composés d’accords standards, avec les variations mineure et majeure. Ils sont faciles à jouer, car les notes sont formées avec deux ou trois doigts, pas comme les accords barrés. Voici quelques exemples de ces morceaux : Dead flower des Rolling Stones, Turn the page et Nothing else matters de Metallica, Heroes de David Bowie, Yellow submarines des Beatles, I love rock and roll de Joan Jett, ou encore Come as you are de Nirvana.

Trouver des musiciens peut s’avérer une étape complexe. En effet, pour monter un groupe, il vous faut recruter des partenaires fiables et de qualité. Vous pouvez choisir de rechercher des musiciens amateurs ou professionnels en fonction du type de groupe à monter. Un climat de confiance doit régner entre tous les membres du groupe pour garantir sa réussite.

Comment trouver des musiciens pour créer un groupe musical

Dans l’optique de vouloir partager votre pratique musicale, vous pouvez vous lancer dans la création d’un groupe. Si vous ne pouvez pas contacter des musiciens dans votre entourage, vous pouvez recourir à d’autres moyens pour en trouver. Avec l’avancée de la technologie, vous pouvez facilement poster des annonces en privilégiant le type de musicien que vous recherchez. Vous pouvez également rejoindre des groupes ou des forums mettant en exergue votre recherche. Par ailleurs, vous pouvez trouver des musiciens dans des magasins de musique. Il est possible de profiter de ces endroits pour trouver des musiciens partageant la même passion que vous.

Groupe musical : savoir choisir les bons musiciens

En rejoignant des écoles de musique, il est possible de se former et de progresser par rapport à la pratique d’un instrument. Il s’agit d’un bon endroit pour trouver des musiciens. De plus, vous y trouverez des panneaux affichant des petites annonces pour favoriser les rencontres entre musiciens. Force est de constater qu’un grand nombre de groupes se sont formés par l’intermédiaire des écoles de musique. Il n’est pas facile de trouver des musiciens. Votre recherche peut s’étendre dans les locaux de répétition. Il s’agit d’un moyen de mieux repérer les musiciens correspondant à votre recherche. Un des meilleurs endroits pour rencontrer des musiciens compétents est la scène. En effet, durant les concerts, vous pouvez faire partie du public et trouver les musiciens compétents pour votre groupe musical. Dans un contexte assez similaire aux concerts, il vous est possible de partager la scène avec un ou plusieurs musiciens pendant les jam-sessions.

Tout ce qu’il faut savoir concernant la recherche des musiciens pour créer un groupe

Afin de trouver vos futurs collaborateurs, vous devez investir de votre temps. Le bouche-à-oreille peut vous aider à trouver des partenaires musicaux répondant à vos attentes. Vous pouvez parier sur vos connaissances pour monter votre projet. Poster des annonces dans les studios de répétition serait une idée intéressante en vue de trouver des musiciens. Il est fortement appréhendé de s’adonner à des soirées à thème spécialisé pour rencontrer des musiciens spécifiques (jazz, reggae, rock, métal…). Le recrutement de musiciens n’est pas une étape facile à réaliser. Vous devez vous pencher par rapport aux critères des musiciens recherchés. Si vous souhaitez poster des annonces, il vous faut être précis et clair afin de trouver votre partenaire musical.

Plus de 25 ans maintenant que ce symbole de la musique et de la culture grunge s’est éteint. Toutefois, Kurt Cobain reste gravé dans la mémoire, car il a incroyablement influencé le monde musical et ses millions de fans.

Son histoire : de sa naissance à son suicide

Kurt Cobain est né en 1967. Enfant, il rêvait de devenir un rock star. Plusieurs années après, il devient le leader du groupe Nirvana. C’est notamment leur album Nevermind, sorti en 1991, qui les propulse tout en haut de la scène. Mais c’est aussi ce succès qui le pousse à combattre l’industrie du disque. Toute sa vie, Kurt Cobain a lutté contre la culture de masse.

Cobain était une personne pleine de contradiction, mais au fond, c’est cette touche de sincérité qui faisait de lui un humain parmi tant d’autres

En 1992, sa femme Courtney Love tombe enceinte. Ils se marient, puis Courtney accouche de leur fille unique, Frances. Mais les parents étaient à deux doigts de ne pas avoir la garde de la petite. Étant tous les deux des drogués, il était assez difficile de les imaginer assumant leur rôle de parent.

Finalement, c’est en 1994 que le chanteur commet l’irréparable. Pour se donner la mort, il s’est drogué avant de se tirer une balle dans la tête. Une mort tragique qui a marqué l’Amérique tout entière et encore plus moins au-delà des frontières.

Quelles sont ses œuvres les plus marquantes ?

Comme dit plus haut, le plus grand succès du groupe a été l’album Nevermind. Depuis sa sortie, il s’est vendu jusqu’à 30 millions d’exemplaires à travers le monde. Jusqu’à maintenant, Smell Like Teen Spirit berce les fans. Il confia même que durant les concerts, le public réclamait sans cesse la chanson. L’élément déclencheur de la haine de Cobain contre l’industrie musicale fut justement le fait que le public était focalisé sur cette chanson.

Pourquoi il a tant marqué une génération ?

Déjà, car il s’est engagé dans de nombreux combats politiques. Comme le féminisme, la lutte contre le viol, le port d’arme, mais aussi la communauté LGBTQ. On peut dire qu’il était en avance sur son temps. De même quand il a publiquement humilié une personne en soutenant que ses blagues étaient sexistes.

Il a réussi à imposer une vision du monde, que ce soit à travers ses paroles, sa façon d’être et sa musique. En fait, les ados l’admiraient, car il était provocateur et osait dire non au principe de l’époque. C’est pourquoi il a su se faire une place dans le cœur de beaucoup.

Jimi Hendrix, qui n’a jamais entendu ce nom ? Même ceux qui ne savent pas qu’a fait Jimi Hendrix ou comment il est, ce qui est indéniable c’est que tout le monde a déjà entendu ce nom. Un nom célèbre, un homme légendaire, un artiste complet : à la fois chanteur, guitariste et auteur-compositeur, il a aussi fondé le groupe The Jimi Hendrix Experience qui a cartonné en son temps.

Jimi Hendrix : brève historique

De son vrai nom Johnny Allen Hendrix rebaptisé par son père James Marshall Hendrix a été tiré son nom de scène Jimi Hendrix. Né le 27 novembre 1942 à Seattle, Etats-Unis. Il n’a pas eu une enfance facile, le divorce de ses parents, la mort de sa mère qui est alcoolique, la ségrégation raciale, etc. il s’est engagé dans l’armée mais a aussitôt quitté cette dernière. Grâce à son talent pour la guitare, il n’a pas tardé à en faire son métier en jouant dans des groupes. Pendant encore son heure de gloire musicale, le 18 septembre 1970 à Londres dans sa chambre d’hôtel, Jimi Hendrix fut décédé alors qu’il n’avait que 27 ans.

Le succès planétaire musical de Jimi Hendrix

Ayant fait ses débuts modestes comme guitariste dans des groupes, il a déjà joué avec des artistes et guitaristes de renom comme Eric Clapton, Sam Cooke, Ginger Baker ou encore Johnny Halliday. Puis il a fondé son propre groupe, The Jimi Hendrix Experience qui n’a pas tardé à sortir des singles tout aussi célèbre les uns que les autres. Puis son premier album en 1967, « Are You Experienced », un album inédit et à succès mondial qui fut suivi par trois autres albums. Sa carrière musicale a duré quatre ans (1966-1970) ; certes relativement courte pour un artiste cependant il a écrit l’histoire et même jusqu’à maintenant il n’a pas perdu sa célébrité. Purple Haze, Gypsy Eyes, The Wind Cries Mary, Hey Joe, etc… ; des belles musiques immortelles.

Jimi Hendrix, le Roi de la guitare et un vrai showman

Quand on parle de Jimi Hendrix, c’est la guitare qui nous vient tout de suite à l’esprit. Il était gaucher mais manie parfaitement les guitares de droitier. Considéré comme le plus grand joueur de guitare de tous les temps voire comme le Roi de la guitare. Un véritable showman sur scène, des véritables spectacles : il joue de la guitare avec les dents, en jouant en faisant des grands écarts, des styles derrière le dos, les roulades au sol, les déhanchements et tout un tas de style qui fait que Jimi Hendrix soit Jimi Hendrix. Le spectacle le plus inoubliable a été le jour où il a fracassé sa guitare contre le sol et l’a même brûlé sur scène : quel showman.

Dans le monde de la musique, quand on parle de guitare, Eric Clapton est la référence. C’est un musicien britannique, il est guitariste, chanteur et compositeur de blues rock. Il est classé au deuxième rang après Jimi Hendrix parmi les cent plus grands guitaristes de tous les temps en 2011. Il est également le seul artiste à avoir été intronisé trois fois au sein du Rock and Roll of Fame : en tant qu’artiste solo ensuite en tant que membre des Yardbirds et de Cream. Mais Eric avait eu des bas et des hauts dans sa vie et sa carrière.

Les débuts d’Eric Clapton

Il est né le 30 Mars 1945 à Ripley dans le Surrey au Royaume-Uni. Fils d’un soldat canadien et d’une mère anglaise. Sa mère âgée de 16 ans ne pouvant s’occuper de lui et son père soldat repartit pour Canada après sa naissance. Eric fût alors confié à ses grands-parents, et sa mère repartit pour le Canada au bras d’un autre soldat. Alors élevé par ses grands-parents, il était bercé par le blues de Muddy Water et de Robert Johnson. Très vite il a développé des aptitudes pour la guitare. Il a alors monté son premier groupe en 1963, les Roberts, puis il rejoint brièvement les Casey Jones and the Engineers. Et sa carrière prend de l’ampleur vers 1964 en intégrant les Yardbirds, dont il est devenu le guitariste et le leader. D’ailleurs, leur musique est toujours disponible sur internet.

Il enregistre ses premiers titres : I wish you could, A certain girl, le succès de For your love et aussi Tears in Heaven. Et en 2010, il sort l’album « Clapton », cette année a été pour lui full.

Mauvaise période pour Eric

Au début des années 80, Eric Clapton passe par une période sombre, il retombe dans l’alcool et à la cocaïne. Il subit son divorce avec Pattie Boyd en 1988, puis en 1990, il pleure la perte d’un guitariste aussi doué que lui. Ensuite Steve Ray Vaughan se tue dans un accident d’hélicoptère, et un an plus tard son fils Conor, 4 ans  meurt défénestré. Ces drames l’ont conduit à « Tears un heaven », qui est récompensé par un Grammy Award. Cette chanson le relance dans le top de sa carrière. Puis l’album Unplugged en 1992 où il reprend des vieux standards de blues.

Son retour fulgurant

Le nouveau disque From the craddle marque son retour sur les devants de la scène. Il a retrouvé son assurance et se met à essayer la musique électronique en 1997 avec Retail Therapy ou TDF. En 2004, il rend hommage à Robert Johnson, l’année suivante Eric reforme le groupe Cream. Ensuite, il effectue une double compilation marquant ses quarante ans de carrière.

Pour les fans de hard rock, Guns N’Roses s’avère toujours être dans la playlist, et quand on parle de ce groupe on pense tout de suite à Axl Rose le chanteur et compositeur ou Slash. Les morceaux Don’t cry, November rain ne cesseront de nous donner ce petit pincement au cœur, accompagnés de la voix d’Axl Rose qui donne tout le charme.

William Bruce Rose, Jr

Né le 06 février 1962 à Lafayette en Indiana, il est le fils unique de Sharon E. Lintner âgée de 16 ans et de William Bruce Rose 20 ans. Axl est moitié écossais et Allemand. Son père les abandonne quand il avait 2 ans et sa mère fait la rencontre de Stephen L. Bailey à son église en 1965 et ils se marièrent. Sa mère change par la suite le nom de son fils en William Bruce Bailey. Le contexte de la famille est assez trouble, sa demi-sœur, son demi-frère et sa mère  étaient victime de violence physique par M. Bailey. Ce dernier dont il a pensé que c’était son père biologique. Axl a grandi dans l’environnement de la chorale, il suivait des cours de piano ce qui a fait naître en lui le goût de la musique d’où le groupe Guns N’Roses dont les titres sont disponibles sur internet.

Axl Rose trouve sa voie dans la musique

Dans cette ambiance familiale trouble, Axl trouve refuge dans la musique, la chorale et le piano à l’église. Mais dès son plus jeune âge il eut des problèmes avec la police et se devait de quitter la maison familiale. Au cours de son adolescence, il écopait des séjours en prison. À l’âge de 17 ans, il découvre des papiers montrant que son mon n’est pas Bailey mais Rose.  Et c’est à cette période qu’il réalise que la musique était sa voie. Alors, il décide de changer son nom par W Axl Rose : W pour William, Rose de son père biologique et Axl d’après le nom de son groupe. Ensuite Axl Rose qui est l’anagramme d’Oral sex.

La naissance du groupe

Il quitte Lafayette et part pour Los Angeles et retrouve Izzy Stradlin et forme le groupe Guns N’Roses en 1985 après avoir fait le groupe Hollywood Rose. Axl est sans domicile jusqu’à la sortie de l’album Appetite for Destruction. Peu de temps après, le groupe prend de l’ampleur et les membres emblématiques sont Slash, Duff, McKagan et Steven Adler. Axl Rose rejoint AC/DC en 2016 pour remplacer Brian Johnson qui était forcé au repos. Axl était connu aussi pour sa violence au cours de sa carrière, il avait des excès de rage. Mais contrairement aux autres membres, il n’a pas été connu pour usage excessif de drogue.

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