Histoire d’un style musical : le jazz

La musique afro-américaine est devenue le patrimoine culturel mondial

Le jazz, tradition musicale ancrée dans la culture afro-américaine, est né et s’est développé aux États-Unis au cours du XXe siècle. Les différentes transformations qui ont marqué l’histoire du jazz ont donné lieu à des phénomènes très différents tant du point de vue stylistique que du rapport au public : malgré cela, le jazz a toujours été une musique qui prend corps et vit au moment de exécution. , grâce à la contribution personnelle des musiciens. Né comme une musique d’extraction populaire et étroitement liée à la danse, le jazz est aujourd’hui reconnu comme une expression artistique avec ses propres caractéristiques et constitue un patrimoine musical écouté et pratiqué dans le monde entier.

Les origines

L’image la plus répandue du jazz aujourd’hui est celle d’un genre musical raffiné, joué dans des festivals ou des lieux spécialisés, où les musiciens créent leur propre musique de manière extemporanée et dont l’écoute, pas toujours facile, requiert une certaine compétence. Cela correspond en partie à la réalité d’aujourd’hui, mais pas aux différentes phases stylistiques et changements de public qui ont marqué l’histoire du jazz depuis un siècle environ.

Les origines du jazz – un terme d’argot américain d’origine incertaine – remontent aux premières années du XXe siècle aux États-Unis, dans le contexte des transformations sociales et culturelles que traversait la communauté noire, récemment libérée de l’esclavage. à cette époque, d’Afrique de l’Ouest avait concentré une importante population noire dans le sud des États-Unis, dont la musique comprenait une variété de styles liés à différents contextes et usages. L’église était un lieu de forte agrégation où se pratiquait le spirituel , un chant collectif qui réinterprète la tradition des hymnes liturgiques protestants. Puis il y a eu le blues, une chanson individuelle généralement interprétée avec un accompagnement de guitare qui traite de manière simple et directe des problèmes liés à la vie quotidienne difficile des Noirs en Amérique. Enfin, le ragtime, un genre de piano raffiné qui était l’expression la plus cultivée de la scène musicale afro-américaine de cette période.

Les caractères spécifiques

La pratique de l’improvisation. Si le ragtime est influencé par les formes et les genres musicaux de dérivation, l’européen, le blues et le spirituel constituent le lien principal entre le jazz et la culture musicale héritée de l’Afrique. Fondamentaux sont certains aspects qui distinguent la conception musicale afro-américaine de la conception européenne. Tout d’abord, la musique afro-américaine vit principalement dans le moment de la performance à travers l’apport personnel du musicien : si la musique classique est basée sur la notation musicale, dans le jazz la musique écrite n’est que le point de départ qui permet à l’artiste de développer ses propres idées musicales. pendant la représentation, et parfois la partition est complètement absente. Cet aspect se réalise dans la pratique de l’improvisation, l’un des principes cardinaux du jazz, qui peut être défini comme une composition impromptue, conçu et interprété en même temps et développé sous les doigts du musicien lors de l’exécution d’une pièce. Improviser ne veut pas dire « aller au hasard » ou jouer ce qui vient à l’esprit, mais au contraire cela demande une grande compétence et une grande habileté : généralement l’improvisation doit développer une idée initiale, doit interagir avec les propositions musicales des autres musiciens et doit être globalement cohérente.

Intonation et rythme. Les éléments qui caractérisent l’interprétation jazz ne sont pas faciles à transcrire en utilisant la notation traditionnelle sur portée. L’intonation afro-américaine, par exemple, suit des inflexions qui, du point de vue de la musique classique européenne, seraient « fausses » ; cependant ce sont ces très légères oscillations de la voix qui rendent une chanson de blues particulièrement touchante. Il en va de même pour le timbre des instruments, que tout musicien de jazz essaie de rendre le plus personnel possible, altérant parfois le son traditionnel. Le jazz hérite également d’une sensibilité rythmique particulière de la culture musicale africaine. Même lorsqu’il n’est pas joué pour la danse, le rythme du jazz suggère toujours l’idée de mouvement et est également « entendu » avec le corps. Un exemple est le concept de swing,

Le premier jazz à la Nouvelle-Orléans

Créer un nouveau genre de musique. Il est difficile d’établir précisément comment, à partir des divers genres et styles musicaux présents en Amérique au début du XXe siècle, s’est créé un nouveau type de musique qui a progressivement pris le nom de jazz. Cela est dû au fait que les premiers enregistrements remontent à plusieurs années plus tard, lorsque le jazz était désormais un phénomène répandu et reconnu, nous ne pouvons donc pas vraiment savoir quel était le son du jazz primitif.

La Nouvelle-Orléans, port de commerce de la Louisiane, a joué un rôle fondamental dans la naissance du jazz : au début du siècle, sa population était composite et comprenait des Afro-Américains, des Français, des Espagnols et des Anglais. Des musiques de toutes sortes étaient également jouées à la Nouvelle-Orléans : chaque événement public était l’occasion d’une danse ou d’une fanfare de cuivres, des représentations d’opéra se tenaient dans des théâtres et, tandis que des chanteurs de blues anonymes se produisaient dans la rue, dans le light district roux appelé Storyville employait les meilleurs pianistes de ragtime.

 

Créoles et Noirs . A l’époque de l’esclavage, la population afro-américaine était divisée en deux groupes : les créoles métisses, depuis longtemps affranchis et intégrés à la vie citadine, et les noirs, qui vivaient dans de très mauvaises conditions. De nombreux créoles avaient reçu une éducation musicale de style européen et différaient de ces musiciens noirs (comme les joueurs de blues) qui étaient musicalement autodidactes. Avec la fin de l’esclavage (1865) et l’intensification des sentiments racistes dans le sud des États-Unis, les créoles ont perdu leur position privilégiée et se sont retrouvés victimes de discrimination raciale avec les noirs. Dans les mêmes années, la demande croissante de musique de divertissement favorise la collaboration entre musiciens créoles et noirs, qui tentent d’intégrer leurs différentes conceptions musicales.

Ainsi naissent de petits ensembles formés de quelques instruments à vent (clarinette, cornet, trombone) avec accompagnement de contrebasse (ou tuba basse), banjo et batterie, dont la musique puise autant dans la tradition des groupes européens que dans le ragtime et le blues. Cette façon de jouer, appelée plus tard le style New Orleans, comportait des moments de polyphonie dite improvisée : une manière d’enrichir une mélodie de base où les instruments à vent se poursuivent dans un entrelacement dense de mélodies, à l’origine d’une musique collective festive.

Les années 1920 à Chicago

La musique de la Nouvelle-Orléans a d’abord suscité l’intérêt du grand public américain après qu’en 1917 un groupe de musiciens blancs excentriques (le groupe de jazz Original Dixieland) ait enregistré ce qui est considéré comme le premier disque de jazz. À cette époque, une grande partie de la population noire du Sud se déplaçait à la recherche de travail, se concentrant dans les centres industriels américains les plus importants, tels que Chicago, qui devint le centre de l’activité musicale noire américaine des années 1920. Pour le public noir, le jazz était désormais la principale musique de divertissement et pour satisfaire cette demande, les maisons de disques de la ville ont commencé à puiser dans le riche vivier de musiciens afro-américains. En particulier ceux de la Nouvelle-Orléans, comme le trompettiste King Oliver,

Avec la diffusion croissante du jazz, les musiciens affinent de plus en plus leur capacité à improviser de nouvelles mélodies à partir d’un thème de référence. Parmi eux, un jeune trompettiste de la Nouvelle-Orléans nommé Louis Armstrong s’est immédiatement distingué comme une personnalité musicale exceptionnelle. Grâce à sa maîtrise de l’instrument et à ses idées rythmiques innovantes, Armstrong est rapidement devenu une référence pour tous les jazzmen. Le son de sa trompette et sa façon d’improviser étaient immédiatement reconnaissables et conféraient une vigueur rythmique – un swing – jusqu’alors inconnue. Le parcours d’Armstrong marqua un tournant dans l’idée même du jazz : la performance du musicien solo était née, proposant de nouvelles inventions mélodiques soutenues par l’accompagnement du reste du groupe.

À New York

A la fin des années 20 à New York des lieux dédiés au public blanc voient le jour. Dans le célèbre Cotton club, les spectacles de danse et de cabaret se déroulaient souvent dans une Afrique sauvage et impliquaient, pour la musique de scène, certains des plus importants orchestres de jazz noir.

Dans ce panorama se dresse la figure de Duke Ellington qui a réussi à obtenir de l’orchestre une sonorité indubitable, parfois si mystérieuse et sombre qu’on peut la définir comme un style jungle (“jungle”). Ellington a été le premier musicien noir américain à être reconnu comme un compositeur à part entière et ses performances exigeaient une écoute attentive et concentrée. Parfois, ses chansons dépassaient les trois minutes traditionnelles imposées par les limites de longueur du disque 78 tours.

Ce n’est pas un hasard si Ellington fut aussi le premier musicien de jazz afro-américain à être accueilli dans de grandes salles de concert réservées à la musique classique. A New York, où prévalait une idée de jazz orchestral et sophistiqué, même des compositeurs blancs de premier plan, comme Gershwin , ont tenté d’assimiler la langue.

L’ère du swing

La crise économique qui a frappé les États-Unis en 1929 a également eu des répercussions dans le monde du spectacle, et de nombreux musiciens de jazz ont dû ralentir ou arrêter leur activité musicale. Lorsque l’économie a commencé à s’éveiller, les contours du jazz avaient à nouveau changé. La jeune bourgeoisie blanche américaine ne voyait plus dans cette musique un symbole de transgression et le jazz, qui à l’époque s’appelait swing, était furieux chez les jeunes comme le décor idéal pour danser et s’amuser. C’était l’époque des big bands, orchestres composés de trois sections à vent (généralement trois saxophones, trois trompettes et deux trombones) et une section rythmique (guitare, piano, contrebasse et batterie). À quelques exceptions près, comme Ellington,

À l’époque du swing (entre 1935 et 1945), la musique de danse, diffusée par des émissions de radio très populaires, était plutôt uniforme, mais elle permettait aux jeunes arrangeurs d’expérimenter de nouvelles solutions de composition. De plus, la popularité croissante de cette musique a contribué à améliorer l’image du jazz dans l’opinion publique. Les groupes dirigés par le pianiste Count Basie ont plutôt suivi un chemin différent, dans lequel de plus en plus d’espace a été laissé aux improvisations des solistes. Ainsi s’est généralisée la pratique du jam session, une rencontre entre des musiciens qui décident de jouer ensemble et éventuellement de tester leurs compétences en se défiant dans de longues improvisations. L’originalité du style d’improvisation devient un facteur de plus en plus déterminant,

Une nouvelle façon d’improviser : le bebop

Au cours de ces années, de jeunes musiciens actifs à New York ont ​​essayé de développer de nouvelles façons d’improviser, en construisant des mélodies de plus en plus difficiles et complexes. Dizzy Gillespie (trompette), Charlie Parker (saxophone), Thelonious Monk (piano) et Kenny Clarke (batterie) étaient les hérauts d’une nouvelle idée de jazz qui se développait dans les petits clubs de New York et qui s’appela bientôt bebop .

En dépit d’être des personnalités différentes, les boppers étaient unis par une recherche continue qui a introduit des aspects de plus grande complexité dans le langage du jazz, à la fois dans les lignes mélodiques et dans les rythmes et les accords. L’angularité de cette nouvelle musique et la dissolution de nombreux big bands dans les années d’après-guerre décrétèrent un nouveau changement dans la jouissance du jazz, qui devint définitivement une musique à écouter et non plus à danser.

En bebop, tout vise à renforcer les capacités d’improvisation des solistes : l’ensemble instrumental est réduit et le groupe type est composé de la section rythmique (basse, batterie, piano) et de deux vents (saxophone et trompette). Le travail de composition est marginal et souvent un thème n’est qu’un point de départ pour lancer l’improvisation (de nombreuses compositions bebop sont tirées de chansons de comédies musicales de Broadway). L’exécution d’une chanson bebop suit souvent un schéma standard : après l’exécution du thème par les deux instruments à vent, les différents membres du groupe improvisent à tour de rôle de nouvelles mélodies, tandis que la section rythmique continue d’accompagner sur les accords du thème ; à la fin des différents solos, la mélodie initiale est rejouée en finale.

De nouvelles personnalités : Parker, Miles et Coltrane

Au cours de ces années, il y avait un mécontentement croissant à l’égard de la discrimination raciale subie par les Noirs. La musique bebop, si extrême et difficile à écouter, est devenue un élément de rébellion contre la commercialisation du jazz et Charlie Parker, improvisateur à l’imagination extraordinaire et à la vie indisciplinée, a été considéré, après sa mort prématurée, comme le héros de cette révolution musicale.

À partir des années 1950, les innovations apportées par le bebop ouvrent la voie à de nouvelles personnalités. Parmi ceux-ci se distingue le trompettiste Miles Davis , qui dans une très longue carrière a continué à renouveler son style. Tout en réalisant des projets nouveaux et sophistiqués, Davis a réussi à ne pas trahir l’héritage du bebop : la collaboration avec des musiciens blancs a conduit par exemple au jazz dit cool, avec des sons doux et un swing détendu (cool). Dans le groupe de Davis émergea John Coltrane , un saxophoniste protagoniste d’un parcours très personnel : sa maîtrise de l’improvisation atteignit des niveaux de complexité inimaginables et son inspiration mystique fit de lui une sorte de guide spirituel de la scène jazz.

Free jazz et contaminations

Au début des années 1960, la communauté afro-américaine a été le protagoniste d’un mouvement fort pour revendiquer leurs droits et, par conséquent, la musique de jazz est également devenue un instrument de critique sociale. Cela est apparu, par exemple, dans les titres explicitement politiques des compositions de Charles Mingus et dans les efforts de musiciens tels que Max Roach ; mais le lien entre jazz et engagement politique est surtout représenté par le mouvement free jazz (d’après le titre d’un disque du saxophoniste Ornette Coleman). L’affranchissement des contraintes et des conventions a conduit à une musique entièrement basée sur l’invention impromptue, sans rôles distincts entre les différents instruments et dont le résultat sonore est souvent impulsif, strident et extrême.

Dans le même temps, le jazz est devenu un phénomène d’élite, suivi d’un cercle d’auditeurs proche, tandis que la plupart des jeunes du monde étaient attirés par la musique rock. C’est Miles Davis qui prend conscience de cette fracture et expérimente la rencontre entre les deux genres musicaux : ses disques des années 70 introduisent pour la première fois les sonorités électriques du rock dans le jazz.

La scène jazz des vingt dernières années est très découpée et il est difficile de trouver un dénominateur commun à toutes les tendances actuelles. Dans bien des cas, le jazz est devenu le lieu de rencontre entre différents genres musicaux (comme les collaborations entre le saxophoniste Steve Coleman et certains chanteurs de rap) ou entre traditions de pays lointains ; certains musiciens synthétisent cette multiplicité d’influences, typique de l’ère des médias de masse, construisant des collages stylistiques déroutants (comme le saxophoniste John Zorn). La diffusion du jazz à l’échelle mondiale a fait qu’au cours des dernières décennies, les nouvelles ne sont pas venues uniquement des États-Unis. En Europe, l’idée d’improvisation radicale s’est développée au sein du free jazz.

Les 10 meilleurs guitaristes de rock de tous les temps
Les 5 plus grands chanteurs de rock de tous les temps